AIVAZOVSKY, IVAN (1817-1900) Russian landscape painter Ivan Aivazovsky – The Ninth wave
ARCIMBOLDO, GIUSEPPE (1527-1593) Italian Renaissance painter Giuseppe Arcimboldo – biography
BAROCCI, FEDERICO (1535-1612) Italian Renaissance painter Federico Barocci at the Saint Louis Art Museum (2012)
BERNINI, GIAN LORENZO (1598-1680) Italian baroque sculptor Portrait Busts by Bernini at the Getty (2008) Bernini’s terracotta models at the Metropolitan (2012)
BLAKE, WILLIAM (1757-1827) British artist The River of Life – William Blake at the Tate Liverpool (2008) ‘A new heaven is begun’ – William Blake at the Morgan Museum (2009)
BOSCH, HYERONIMUS (c.1450-1516) Flemish Renaissance painter “The garden of delights” – 50 masterworks of painting
BRUEGHEL, PIETER (c.1526/30 – 1569) Flemish Renaissance painter “The triumph of the death” – 50 masterworks of painting
CHURCH, FREDERIC EDWIN (1826-1900) American romantic painter Frederic Edwin Church’s Maine landscapes in Portland (2012) Frederic Church and the Landscape Oil Sketch (2013)
COURBET, GUSTAVE (1819-1877) French realistic painter Gustave Courbet: from Paris to New York
CRANACH, LUCAS the Elder (1472-1553) German painter Lucas Cranach the elder at the Royal Academy
DAUMIER, HONORÉ (1808-1879) French realist painter Honoré Daumier and the Caricature, Cantor Arts Center (2012)
DELACROIX, EUGÈNE (1798-1863) French romantic painter “Liberty leading the people” – 50 masterworks of painting Eugène Delacroix at CaixaForum Madrid (2011)
DURER, ALBRECHT (1471-1528) German Renaissance painter “View of Arco” – 50 masterworks of painting Albrecht Dürer: self-portrait – 10 great self-portraits
FRANCESCA, PIERO DELLA (c.1415-1492) Italian painter “The dream of Constantine” – 50 masterworks of painting
FRIEDRICH, CASPAR DAVID (1774-1840) German romantic painter “Chalk cliffs at Rügen” – 50 masterworks of painting Friedrich at the Nationalmuseum, Sweden (2009)
GIORGIONE (c.1478-1510) Italian Renaissance painter “The tempest ” – 50 masterworks of painting
GIOTTO DI BONDONE (1266-1337) Italian Renaissance painter Giotto di Bondone – biography
GOYA, FRANCISCO DE (1746-1828) Spanish painter and engraver Dark Goya – a virtual tour on Goya’s Black paintings Goya – Lights and Shadows, at CaixaForum Barcelona (2012) Goya’s ‘Disasters of War’ at the Georgia Museum of Art (2012)
GRECO, EL (1541-1614) Greek/Spanish Renaissance painter El Greco and Modernism – Kunstpalast, Düsseldorf (2012)
HALS, FRANS (c.1582-1666) Dutch Baroque painter Frans Hals’s brave brushwork at the Metropolitan (2011)
HUI, WANG (1632-1717) Chinese painter Landscapes Clear and Radiant: The Art of Wang Hui at the Metropolitan (2008)
INGRES, JEAN AUGUSTE DOMINIQUE (1780-1867) French Neoclassical painter Drawings by Ingres at the Morgan Library and Museum (2011)
KUINDZHI, ARKHIP (1842-1910) Russian landscape painter Arkhip Kuindzi: “Dnepr in the morning”
LEONARDO DA VINCI (1452-1519) Italian Renaissance painter Searching the real da Vinci code: a complete analysis Leonardo da Vinci: self-portrait – 10 great self-portraits Landmark exhibition of Leonardo opens in London (2011)
LEVITAN, ISAAC (1861-1900) Russian landscape painter Arkhip Kuindzi: “Lake”
LEYSTER, JUDITH (1609-1660) Dutch Baroque painter Judith Leyster at the National Gallery of Washington (2009)
LIEVENS, JAN (1607-1674) Dutch baroque painter Lievens – a Dutch master rediscovered at the NGA (2008)
LOMBARDO, TULLIO (1460-1532) Italian Baroque sculptor Tulio Lombardo at the National Gallery of Washington (2009)
MELÉNDEZ, LUIS (1715-1780) Spanish Baroque painter Luis Meléndez at the National Gallery of Washington (2009)
MICHELANGELO (1475-1564) Italian Renaissance artist “The last judgement” -50 masterworks of painting Michelangelo’s “The young archer” at the Metropolitan Museum
MURILLO, BARTOLOMÉ ESTEBAN (1617-1682) Spanish baroque painter Murillo and the Art of Friendship – Prado Museum
POUSSIN, NICOLAS (1594-1665) French baroque painter Poussin and Nature: Arcadian landscapes – at the Metropolitan
RAPHAEL SANTI (1483-1520) Italian Renaissance painter “Portrait of a cardinal” – 50 masterworks of painting Late Raphael at the Prado Museum (2012)
REMBRANDT VAN RIJN (1606-1669) Dutch baroque painter “The night watch” – 50 masterworks of painting Rembrandt: self-portrait – 10 great self-portraits “Rembrandt and the Face of Jesus” in Philadelphia (2012)
SANDBY, PAUL (1731-1809) British landscape painter ‘Picturing Britain’: Paul Sandby at the National Gallery of Scotland
SAVRASOV, ALEXEI (1830-1897) Russian landscape painter Alexei Savrasow: “The rooks have returned”
SHISHKIN, IVAN (1832-1898) Russian landscape painter Ivan Shishkin: “Morning in a pine forest”
TITIAN (1485-1576) Italian Renaissance painter The Triumph of Love: Titian at the National Gallery of London (2009) Titian’s ‘Diana and Actaeon’ at the National Gallery of London (2009)
TURNER, J.M. WILLIAM (1775-1851) British romantic painter Joseph Mallord William Turner – master of atmospheres Turner retrospective at the Metropolitan (2008) Turner watercolours at the National Galleries of Scotland (2012) NGA presents ‘Turner Inspired: In the Light of Claude’ (2012) Turner from the Tate – The Making of a Master (2013)
UCCELLO, PAOLO (1397-1475) Italian Renaissance painter “The battle of San Romano” – 50 masterworks of painting
VAN DYCK, ANTHONY (1599-1641) Flemish Baroque painter Museo del Prado presents ‘The Young Van Dyck’ (2012)
VAN EYCK, JAN (c.1390-1441) Dutch Renaissance painter “The marriage Arnolfini” – 50 masterworks of painting
Black Square is an iconic painting by Kazimir Malevich.
Suprematism Exhibitions
SUPREMATISM Exhibitions (Russian Cultural Center, Houston, Texas, 2015/Shapiro Center, Columbia University, New York City, 2015)Tom R. Chambers·Monday, April 23, 201815 ReadsBlack Square Interpretations and Other Suprematist Explorations (two-person show with Max Semakov), CaviArt Gallery, Russian Cultural Center, Houston, Texas, March 6 – April 7, 2015.
Suprematism Exhibitions
Tom R. Chambers and Max Semakov/MiMs Art Group come together to pay tribute to Kazimir Malevich through a series of artworks that interpret his “Black Square”, and explore Suprematism. Chambers is based in Houston, Texas, and Semakov is based in Moscow, Russia, which moves this collaboration to a higher plane of exchange between the citizenry of two countries – America and Russia. Chambers and Semakov through their interpretations and explorations move Suprematism in the direction of Neo-Suprematism. Their artworks accentuate and cultivate non-objectivity – the supremacy of pure feeling in creative art.
Suprematism Exhibitions
“Suprematism Infinity: Reflections, Interpretations, Explorations” (December 1, 2015 – January 22, 2016) showcases works by Tom R. Chambers, Mark Khidekel, Irina Nakhova and Max Semakov. It explores works inspired by the legacy of Suprematism through new forms, styles, media, and technology.
Invented by Kazimir Malevich a century ago, Suprematism became one of the most radical and influential art movements of the 20th century. It brought the Russian avant-garde into a state of absolute non-objectivity, based on “pure feeling.” Suprematism created a perception of multiple dimensions without horizons or boundaries and translated these perceptions into energetic relationships between primary geometrical forms. Suprematism also produced a synthesis that merged exploration of the imagination with revolutionary changes in modern science; it allowed development while embracing science and technology as creative tools.
Suprematism Exhibitions
Tom R. Chambers, an artist and educator of digital/new media art, exhibits a transition from realistic photos to pixel abstractions in his series of pixelscapes, “My Dear Malevich” and “Red Sweep Black Square”. They are part of a larger body of works entitled “Black Square Interpretations and Other Suprematist Explorations.” For Chambers, “Pixelscapes is minimal art in keeping with Malevich’s Suprematism – the feeling of non-objectivity – the creation of a sense of bliss and wonder via abstraction.”
Mark Khidekel explores the Suprematist form-creation principles through his career as an architect, designer, and artist. Khidekel has produced many multi-functional projects, including his Post-Suprematist design for the St. Petersburg Russian Museum’s Depository and innovative environmental projects in Russia and the US such as Ostrov (1970s) and Bridge-city (2008-2014). These continue the visionary and environmental legacy of futuristic projects from the 1920s.
Irina Nakhova, the first female artist to represent Russia at the Venice Biennale, will display a digital documentation of part of her Green Pavilion’s “total environments,” which according to The Guardian was one of “the best 5 pavilions” of Venice Biennale 2015. Her discovery of the liberating power of Suprematism in the early 1980s allowed Nakhova to abstract herself from the Soviet reality and create a new artistic environment in her own apartment. It became one of the seminal projects of Moscow conceptualism and Nakhova’s site-specific environmental art. Nakhova’s “Malevich’s Cube,” is the focal point of her “time machine”. Marked by three lightening squares the black room is “the axis of past, present and future.” Space, light, colors, and video imagery create an experience that is both emotionally charged and engaging for the viewer. In Nakhova’s words, the black cube represents a “strange, mysterious, unpredictable Russia.”
Max Semakov, a photographer and artist, exhibits his series “Where is Black?” that injects colored planes into ordinary landscapes in the search for the point of transition to the Suprematist universe. His project “Suprematist Park” is inspired by Suprematist architectons transformed into elements of recreational architecture.
Chambers and Semakov, who share similar aspirations, produce works that have similarities in method or intent to earlier Suprematist pieces, but make use of digital/new media, resulting in the hybridization of the non-objective form.The issues of nature, space and the environment remain cornerstones of contemporary discourse. It is through Suprematism that these issues can be discussed emotionally and creatively. The “blissful sense of liberation” experienced by Malevich can be found in a legacy that continues to encourage the emergence of new ways to create and interpret art.
Curator: Regina Khidekel.Tom R. Chambers donated his works, “My Dear Malevich” and “Red Sweep Black Square” to the Russian American Cultural Center (RACC) Art Collection, New York City.
This exhibition is in conjunction with the “100 Years of Suprematism” conference, Shapiro Center, Columbia University, New York City, December 11 – 12, 2015. It is organized in celebration of the centenary of Kazimir Malevich’s invention of Suprematism and the first public display of his Suprematist paintings in December, 1915. The two-day conference is organized in association with the Harriman Institute, the Lazar Khidekel Society, and SHERA. It features presentations by an international and renowned group of scholars. Among them are leading researchers in the field from the United States, Russia, and the United Kingdom. The event includes a presentation of “Kazimir Malevich: Letters and Documents, Memoirs and Criticism” (London: Tate, 2015)
Painterly Realism of a Peasant Woman in Two Dimensions, more commonly known as Red Square, is a 1915 painting by Kazimir Malevich.
Black Square is an iconic painting by Kazimir Malevich.
Red Sweep Black Square
This project is a video re: Kazimir Malevich‘s “Black Square” and “Red Square”, both exhibited in 1915. They approximate being one and the same, but Malevich considered his “Black Square” to be the true icon – its zero form – for Suprematism. In Malevich’s system, the movement from black-and-white Suprematism to colored and finally to white Suprematism was indicated by three squares: a black, a red, and a white one. (Vitebsk, Aleksandra Shatskikh, 2007 [1917-1922])
The first time Malevich exhibited his “Red Square”, in 1915, it was subtitled “Pictorial Realism of a Peasant in Two Dimensions”. During the Vitebsk years, the representation of the “Red Square” was politicized. Lazar Lissitzky had a hand in this Bolshevization of the Suprematist figure. He turned the “Red Square” into the Unovis seal. However, Malevich and all the other Suprematist-Unovis members deemed the “Black Square” to be the true symbol of Unovis. (Vitebsk, Aleksandra Shatskikh, 2007 [1917-1922])
In the video below, the sweeping of the color red acknowledges “Red Square” as a Suprematist figure, but there is always a return to the true icon, “Black Square” for Suprematism. Click on player to view.
Color theory encompasses a multitude of definitions, concepts and design applications – enough to fill several encyclopedias. However, there are three basic categories of color theory that are logical and useful : The color wheel, color harmony, and the context of how colors are used.
Color theories create a logical structure for color. For example, if we have an assortment of fruits and vegetables, we can organize them by color and place them on a circle that shows the colors in relation to each other.
The Color Wheel
A color circle, based on red, yellow and blue, is traditional in the field of art. Sir Isaac Newton developed the first circular diagram of colors in 1666. Since then, scientists and artists have studied and designed numerous variations of this concept. Differences of opinion about the validity of one format over another continue to provoke debate. In reality, any color circle or color wheel which presents a logically arranged sequence of pure hues has merit.
There are also definitions (or categories) of colors based on the color wheel. We begin with a 3-part color wheel.
Primary Colors: Red, yellow and blue In traditional color theory (used in paint and pigments), primary colors are the 3 pigment colors that cannot be mixed or formed by any combination of other colors. All other colors are derived from these 3 hues.
Secondary Colors: Green, orange and purple These are the colors formed by mixing the primary colors.
Tertiary Colors: Yellow-orange, red-orange, red-purple, blue-purple, blue-green & yellow-green These are the colors formed by mixing a primary and a secondary color. That’s why the hue is a two word name, such as blue-green, red-violet, and yellow-orange.
Color Harmony
Harmony can be defined as a pleasing arrangement of parts, whether it be music, poetry, color, or even an ice cream sundae.
In visual experiences, harmony is something that is pleasing to the eye. It engages the viewer and it creates an inner sense of order, a balance in the visual experience. When something is not harmonious, it’s either boring or chaotic. At one extreme is a visual experience that is so bland that the viewer is not engaged. The human brain will reject under-stimulating information. At the other extreme is a visual experience that is so overdone, so chaotic that the viewer can’t stand to look at it. The human brain rejects what it cannot organize, what it cannot understand. The visual task requires that we present a logical structure. Color harmony delivers visual interest and a sense of order.
In summary, extreme unity leads to under-stimulation, extreme complexity leads to over-stimulation. Harmony is a dynamic equilibrium.
Some Formulas for Color Harmony
There are many theories for harmony. The following illustrations and descriptions present some basic formulas.
1. A color scheme based on analogous colors
Analogous colors are any three colors which are side by side on a 12-part color wheel, such as yellow-green, yellow, and yellow-orange. Usually one of the three colors predominates.
2. A color scheme based on complementary colors
Complementary colors are any two colors which are directly opposite each other, such as red and green and red-purple and yellow-green. In the illustration above, there are several variations of yellow-green in the leaves and several variations of red-purple in the orchid. These opposing colors create maximum contrast and maximum stability.
3. A color scheme based on nature
Nature provides a perfect departure point for color harmony. In the illustration above, red yellow and green create a harmonious design, regardless of whether this combination fits into a technical formula for color harmony.
Dynamic recipes for color harmony An e-Course from Jill Morton, Color Matters author & consultant.
Color Context
How color behaves in relation to other colors and shapes is a complex area of color theory. Compare the contrast effects of different color backgrounds for the same red square.
Red appears more brilliant against a black background and somewhat duller against the white background. In contrast with orange, the red appears lifeless; in contrast with blue-green, it exhibits brilliance. Notice that the red square appears larger on black than on other background colors.
If your computer has sufficient color stability and gamma correction (link to Is Your Computer Color Blind?) you will see that the small purple rectangle on the left appears to have a red-purple tinge when compared to the small purple rectangle on the right. They are both the same color as seen in the illustration below. This demonstrates how three colors can be perceived as four colors.
Observing the effects colors have on each other is the starting point for understanding the relativity of color. The relationship of values, saturations and the warmth or coolness of respective hues can cause noticeable differences in our perception of color.
Illustrations and text, courtesy of Color Logic and Color Logic for Website Design
Con un rechazo total a toda forma imitativa de la naturaleza y libre de ilusionismos pictóricos, hizo su entrada al mundo del arte el suprematismo del pintor ruso Kazimir Malevich (1878-1935). En el año 1913 Malevich decide abandonar la aventura futurista y se aparta de todo tipo de representación objetual, para pasar a la creación de formas que él llamó “absolutas”. Formas totalmente autónomas, independientes y libres de toda referencia con nuestro entorno “real”. En 1915 Malevich dio a conocer el “Manifiesto del Suprematismo”. Documento en el que colaboró en su redacción el poeta ruso Vladimir Mayakovsky (1893-1930), en donde se daba a conocer oficialmente el nacimiento de una nueva corriente plástica, adscrita al abstraccionismo, pero con características tan propias que la van a diferenciar de cualquier otra forma de abstracción.
El Suprematismo -Lyubov Popova (1889-1924)
En 1920, cinco año después que se diera a conocer el “Manifiesto del Suprematismo”, se añadió “El Suprematismo como mundo de la no representación”, la más importante obra teórica de Malevich donde hace referencia “de la supremacía de la sensibilidad pura en las artes figurativas”: “Obras alejadas de toda implicación utilitaria; abstracciones de tipo geométrico fundamentadas en el uso de formas simples y elementales: línea recta, cuadrado, cruz, así como colores planos, blanco y negro”. En cierta ocasión Malevich tratando de dar una explicación racional a esta nueva expresión artística dijo: “Por suprematismo entiendo la supremacía de la sensibilidad pura en las artes figurativas. Para el artista suprematista siempre será válido aquel medio expresivo que permita que la sensibilidad se exprese de modo posiblemente pleno como tal, y que sea extraño a la objetividad habitual”. El suprematismo ejerció una influencia decisiva en el posterior desarrollo de la abstracción, y algunos de sus postulados son aplicables a otras formas de abstracción como en el caso del arte concreto.
As nice as it would be to let your art speak for itself, it doesn’t quite work like that.
Sooner or later, people are going to have questions about your work, and they’ll look to your artist statement for answers. Your artist statement will either entice them to dig deeper into your art business or it will scare the sale right out of them.
In order to nail this introduction and make your art business unforgettable, answer these five questions for potential buyers in your artist statement:
1. Why Do You Make This Type of Art?
Why are you drawn to this subject? How do you choose a theme? Giving a behind-the-scenes look into what drives your art is an excellent way to begin building an emotional connection with your audience.
2. What Does Your Artwork Represent?
Does your art represent something about you? Does it represent a message about the world? Does it focus on a piece of history or look to the future?
Our tip: give just enough detail to keep readers interested and grasp your artwork better. Artist statements are intended to be an introduction. Like the old saying goes, always leave them wanting more. Too much detail up front and your readers’ eyes will start to wander.
3. What Inspires You?
What connection do you have to your art? What motivates you? Enthusiastically express why you create what you do and your audience will feel more enthusiastic about it, too.
4. How Do You Make It?
Why do you use certain materials? What techniques do you use? Is there a connection between your process and your artwork’s message? Explaining what goes into a piece can help buyers grasp the significance and scope of your work.
5. What Does Your Art Mean to You?
How do you interpret the meaning of your work? Now, this question should be handled carefully. Notice that this question has no intention of directing your viewers on how to feel or think. It’s crucial to focus solely on your own understanding here because everyone views art differently.
The goal of your artist statement should be to widen the reach of your audience. And, laying down the law on exactly how to process your artwork simply defeats the point and might turn away buyers.
Now that you know what to write about …
Follow these five writing tips for a memorable artist statement. Your writing can either win or lose you some great opportunities for your art business. And, while you might think your art speaks for itself, many look to this statement as the first introduction to your brand. So take the time to answer these important questions and thrill your potential buyers.
Artists can send their artist statement for professional review. GYST submission policies, examples of artist statements, and writing tips are found below:
What Is an Artist’s Statement?
A general introduction to your work, a body of work, or a specific project.
It should open with the work’s basic ideas in an overview of two or three sentences or a short paragraph.
The second paragraph should go into detail about how these issues or ideas are presented in the work.
If writing a full-page statement, you can include some of the following points:
Why you have created the work and its history.
Your overall vision.
What you expect from your audience and how they will react.
How your current work relates to your previous work.
Where your work fits in with current contemporary art.
How your work fits in with the history of art practice.
How your work fits into a group exhibition, or a series of projects you have done.
Sources and inspiration for your images.
Artists you have been influenced by or how your work relates to other artists’ work. Other influences.
How this work fits into a series or longer body of work.
How a certain technique is important to the work.
Your philosophy of art making or of the work’s origin.
The final paragraph should recapitulate the most important points in the statement.
What an Artist’s Statement is NOT:
Pomposity, writing a statement about your role in the world.
Grandiose and empty expressions and clichés about your work and views.
Technical and full of jargon.
Long dissertations or explanations.
Discourses on the materials and techniques you have employed.
Poems or prosy writing.
Folksy anecdotes about some important event in your life.
Nothing about your childhood or family unless it is very relevant to your work.
Not a brag fest or a press release.
Why Write an Artist’s Statement?
Writing an artist’s statement can be a good way to clarify your own ideas about your work.
A gallery dealer, curator, docent, or the public can have access to your description of your work, in your own words. This can be good for a reviewer as well.
Useful in writing a proposal for an exhibition or project.
It is often required when applying for funding.
It is often required when applying to graduate school.
It can be a good idea to include an artist’s statement when your slides are requested for review or your work is included in the slide library of a college or university.
Good to refer to when you are preparing a visiting artist lecture, or someone else is lecturing or writing about your work.
Useful when you are applying for a teaching position.
Good idea when a press release is being written.
Useful when someone is writing about your work in a catalog or magazine.
Useful when someone else is writing a bio for a program brochure.
It is a good way to introduce your work to a buying public. Often the more a buyer knows about your work the more they become interested in what you do, and in purchasing a work.
Types of Artist’s Statements You Might Need.
Full-Page Statement: This statement you will use most often; it speaks generally about your work, the methods you may have used, the history of your work, etc. It may also include specific examples of your current work or project.
Short Statement: A shorter statement that includes the above in an abbreviated way, or is specific to the project at hand.
Short Project Statement: A very short statement about the specific project you are presenting.
Bio: Often a short description of your career as an artist and your major accomplishments.
How Should I Write It?
This most often depends on the context where it will appear. Who is your reader? What assumptions can you make about their knowledge?
Emotional tone
Theoretical (but not over-the-top)
Academic (but not dry)
Analytic
Humorous
Antagonistic
Political
Professional
Ask yourself “What are you trying to say in the work?” “What influences my work?” “How do my methods of working (techniques, style, formal decisions) support the content of my work?” “What are specific examples of this in my work” “Does this statement conjure up any images?”
Use a word processor so that you can make changes and update it often. You should keep older copies so that you can refer to them if you should need to write or talk about your older work or if you have a retrospective.
Refer to yourself in the first person, not as “the artist”. Make it come from you. Make it singular, not general, and reflective of yourself and your work.
Make it clear and direct, concise and to the point.
It should not be longer than one page.
Use no smaller than 10 – 12 point type. Some people have trouble reading very small type.
Artist’s statements are usually single-spaced.
Do not use fancy fonts or tricky formatting. The information should wow them, not the graphic design.
Considerations:
Who is your audience? What level are you writing for?
What will your statement be used for?
What does your statement say about you as an artist and a professional?
Style:
Be honest.
Try to capture your own speaking voice.
Avoid repetition of phrases and words. Look for sentences that say the same thing you said before, but in a different way. Choose the better of the two.
Vary sentence structure and length. The length of a sentence should relate to the complexity of the idea.
Organization of detail is important. Significant ideas should be at the end of each sentence for emphasis.
Where Should It Go?
In a binder at the front of the gallery with your résumé, list of artworks, and past reviews or articles about your work.
You may want to hang it on the wall, regular size, or enlarged as a didactic statement.
Include it in a program for performance, screening, or panel.
In the application package of the grant you are applying for.
Give to anyone who you feel would benefit from the information.
El Centro de Arte Los Galpones como parte de una programación especial de cine foros titulada: “Sobre el poder”, presenta: “Regreso a Ítaca” (Francia, 2014), con la participación de María Elena Ramos. Selección y moderación por Camilo Cortés Director: Laurent Cantet Premios: 2014: Festival de Cine de Venecia: Venice Days Award 2014: São Paulo International Film Festival: Premio de la Crítica – Mención especial.
Sinopsis: Inspirada en “La novela de mi vida” de Leonardo Padura, también guionista de la cinta, la acción transcurre en la azotea de un edificio de La Habana, donde cinco amigos que se reencuentran reflexionan sobre la amistad y el exilio cubano, con la desilusión de una generación educada con la revolución de fondo. “Regreso a Ítaca”, del realizador francés Laurent Cantet, siempre inspirado por una temática de corte social y que fue retirado de la programación del festival de cine de La Habana.
Clasificación: 18 años Galpón 17 Entrada Libre _
María Elena Ramos:
Críticos de Arte y Curador
Licenciada en Comunicación Social por Universidad Católica Andrés Bello, María Elena tiene también estudios de maestría y doctorado en Filosofía por la Universidad Simón Bolívar. Fue Presidente del Museo de Bellas Artes de Caracas de 1989 al 2001, miembro fundador de la Galería de Arte Nacional (1976) y del Museo de Arte Popular de Petare. Fue también miembro del equipo creador del Instituto de Educación Superior Armando Reverón (años 80). Desde 1976 es conferencista en universidades y museos de Venezuela, América Latina, Estados Unidos, España, Francia
Entre sus publicaciones se encuentran El Ávila en la mirada de todos, 2014; La cultura bajo acoso, 2012; Gego, 2012; Diálogos con el arte, 2007; Fotociudad. Estética urbana y lenguaje fotográfico, 2003; De las formas del arte, 2002; Armónico-Disonante, 2001; Acciones frente a la plaza, 1995; Diálogo con lo natural, 1992; Pistas para quedar mirando, Academia Nacional de la Historia, 1991 y Arte y naturaleza, 1987.
Algunas de sus proyectos curatoriales son: Ética-Estética-Política, 2013; Contaminados, 2012; Pasión y razón de un espíritu constructivo (Torres-García y la Escuela del Sur), Biarritz, 2006; Árboles, Bienal Internacional del Barro, Caracas, 2001; Christian Boltanski: Sombras, Caracas, l999; Intervenciones en el espacio (artistas: Kosuth, Graham, Camnitzer, Caramelle y otros), 1995; Jesús Soto: La Física, lo Inmaterial, Museo de Arte Moderno Jesús Soto,1993; Alejandro Otero: Las Estructuras de la Realidad, Bienal Internacional de Sao Paulo, 1991. Curadora por Venezuela en bienales internacionales: Venecia, São Paulo, Medellín, y Cuenca.
El Centre Pompidou está dedicado a la creación actual en todas sus formas: artes plásticas, arquitectura, diseño, espectáculos, cine, etc. Edificio emblemático del siglo XX, instalado en el corazón de París y diseñado por Renzo Piano y Richard Rogers, el Centre Pompidou marca un audaz contraste en el antiguo barrio de Beaubourg. Su arquitectura única ofrece la más espectacular vista de París y sus monumentos más emblemáticos, como Notre-Dame, la torre Eiffel o el Sacré-Cœur. Este espacio de referencia del arte y la cultura acoge el Musée National d’Art Moderne, exposiciones temporales de prestigio internacional, una gran biblioteca de lectura pública, salas de cine y de espectáculo y un centro de investigación de música contemporánea (IRCAM).
Historia
El Centro Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou surgió de la iniciativa del Presidente Georges Pompidou de crear en el corazón de París una institución cultural original, totalmente consagrada a la creación moderna y contemporánea, donde las artes plásticas compartirían espacio con el teatro, la música, el cine, los libros, la creación audiovisual, etc. El Centro Pompidou, ubicado en el corazón de París, en un edificio de emblemática arquitectura del siglo XX diseñado por Renzo Piano y Richard Rogers, abrió sus puertas en 1977. De 1997 a diciembre de 1999 experimentó un proceso de rehabilitación y volvió a abrir sus puertas al público el 1 de enero de 2000, ofreciendo zonas de museo más amplias y áreas de recepción mejoradas. Desde entonces se ha convertido en uno de los monumentos más visitados de Francia, con cerca de seis millones de visitantes al año. El Centro Pompidou habrá acogido así, en 30 años, a más de 190 millones de visitantes.
Misiones
El Centro Pompidou reúne en un enclave único uno de los museos más importantes del mundo, que posee la primera colección de arte moderno y contemporáneo de Europa, una gran biblioteca de lectura pública con más de 2.000 espacios de trabajo, una documentación general sobre el arte del siglo XX, salas de cine y espectáculos, un instituto de investigación musical, espacios de actividades educativas, librerías, un restaurante y una cafetería. El Centro Pompidu, fiel a su vocación interdisciplinaria y a su misión principal, que consiste en dar a conocer el conjunto de las producciones de la creación del siglo XX y los antecedentes de la del XXI, ofrece anualmente al público una treintena de exposiciones y numerosas manifestaciones en su edificio, como ciclos de cine de ciencia-ficción y documentales, conferencias y coloquios, conciertos, espectáculos de baile, actividades pedagógicas, etc, de relieve internacional, un gran número de las cuales recorre posteriormente Francia y el extranjero.
Edificio
Tal como se describía en el reglamento del concurso, el proyecto de arquitectura debía responder a las exigencias de pluridisciplinariedad, de libre circulación y de apertura de los espacios de exposición. El concurso lo ganaron dos jóvenes arquitectos, el italiano Renzo Piano y el británico Richard Rogers, que proponían un edificio con el espíritu de la arquitectura libertaria característica de los años 60. La estructura principal, los pasajes y la “oruga” de las escaleras mecánicas por ejemplo, se lanzan al exterior, dejando todo el espacio a zonas de museo y actividades. Los tubos y conductos técnicos, adaptados al exterior de la fachada oriental y utilizados como revestimiento de la estructura, se desmarcan en cuatro colores: el azul para el aire, el verde para los fluidos, el amarillo para los revestimientos eléctricos y el rojo para los pasajes. La transparencia de la fachada principal situada al oeste permite observar la vida del Centro desde la piazza, una amplia explanada que los arquitectos imaginaron como un espacio de continuidad entre la ciudad y la institución. El éxito inmediato que experimentó el Centro, un éxito imprevisto por su envergadura (unos siete millones de visitantes al año), conllevó el prematuro envejecimiento de las instalaciones. Por esta razón se cerró durante 27 meses, a partir de octubre de 1997. Durante este período, se renovaron 70.000 m2 y se crearon 8.000 m2 suplementarios, destinados en concreto a la presentación de las colecciones, gracias al traslado de las oficinas al exterior del Centro. En su reapertura el 1 de enero de 2000, el Centro volvió a encontrarse súbitamente con el éxito, ratificado por un público que demostraba así su afecto y su adhesión continua tanto al peculiar recinto como a su espíritu.
FuncionamientoEl Centro se erige como la institución cultural parisina que ofrece la mayor libertad de horarios de apertura a sus diferentes tipos de público. El Centro cierra únicamente los martes y el 1 de mayo. El horario de apertura del Museo y las exposiciones temporales es de 11 a 21 horas, y en horario nocturno hasta las 23 horas para determinadas exposiciones ubicadas en el nivel 6, de 12 a 22 horas (excepto los fines de semana, en que el horario es similar al del Museo) para la Biblioteca Pública de Información (BPI), que dispone de un acceso reservado en la Rue Beaubourg, y después de las 22 horas, en su caso, para todas las actividades en salas (cine, espectáculos, etc.).
The Museum of Modern Art (MOMA) [Nueva York]
Fundado en 1929 por Lillie P. Bliss, Abby Aldrich Rockefeller, Mary Quinn Sullivan, y cuatro socios fundadores más, el Museo de Arte Moderno (conocido por sus siglas en inglés MoMA) fue el primer museo dedicado a la era moderna. Comenzando con el innovador arte europeo de la década de 1880, la colección contiene valiosas obras de cada período siguiente de cultura visual hasta el presente; incluye medios modernos tan diferenciados como cine y diseño industrial, además de otros medios más tradicionales. En la actualidad con cerca de 150,000 objetos, la colección ofrece una visión general del arte moderno y contemporáneo sin comparación. Moscow Museum of Modern Art (MMOMA) [Moscú]
El Museo De Moscú de Arte Moderna es el primer museo estatal en Rusia que concentra sus actividades exclusivamente en el arte de los 20os y 21 siglos. Desde su inauguración, el Museo ha ampliado sus estrategias y ha alcanzado un nivel alto de reconocimiento público. Hoy el Museo es una institución enérgica que juega una parte importante sobre la escena de Moscú de arte. El Museo fue revelado el 15 de diciembre de 1999, con el apoyo generoso del Gobierno de Ciudad de Moscú, el Departamento de Ciudad de Moscú de Cultura. Su director que funda era Zurab Tsereteli, Presidente de la Academia rusa de Artes. Su colección privada de más de 2.000 trabajos por maestros de siglo XX importantes era el corazón de la demostración permanente del Museo. Más tarde, los cuidados del Museo fueron enriquecidos bastante, y ahora esto es una de las colecciones más grandes y más impresionantes de arte moderna y contemporánea rusa, que sigue creciendo por adquisiciones y donaciones. Hoy el Museo tiene cinco lugares en el centro histórico de Moscú. El edificio principal es situado en la Calle Petrovka, en la antigua casa de mansión de siglo XVIII de comerciante Gubin, diseñado por el arquitecto renombrado neoclásico Matvey Kazakov. Aparte de esto, el Museo tiene tres lugares de exposición espléndidos: un edificio enorme de cinco pisos en Vereda Ermolaevsky, una galería espaciosa en Bulevar Tverskoy, el edificio hermoso del Museo Estatal de Arte Moderna de la Academia rusa de Artes, y Museo de Estudio de Zurab Tsereteli. Tate Modern [Londres]
Se encuentra alojado en la antigua central de energía de Bankside, originalmente diseñada por Sir Giles Gilbert Scott y construida en dos fases entre 1947 y 1963. La central eléctrica fue cerrada en 1981 y el edificio fue reconvertido en museo por los arquitectos suizos Herzog & de Meuron, quienes tras resultar vencedores en un concurso internacional dieron al edificio su imagen actual. Desde su apertura el 12 de mayo de 2000 se ha convertido en la segunda mayor atracción de Londres.En 2007 fue el museo de arte moderno más visitado del mundo y el tercero en general, tras el Museo del Louvre de París y el Museo Británico también de Londres, con 5.2 millones de visitantes. La entrada es gratuita para la exhibición permanente, mientras que las exposiciones temporales son gratuitas o de pago en función de su carácter. La construcción de Tate Modern ha supuesto un impulso al desarrollo económico y cultural del área de Southwark en la que se sitúa. Ha sido considerado un ejemplo para futuros proyectos, como una forma de desarrollar zonas degradadas de la ciudad y convertirlas en nuevos focos dinámicos de crecimiento y de desarrollo económico.
Impacto de Tate Modern
Tate Modern ha generado un importante efecto a diferentes niveles tanto en Londres como en todo el Reino Unido. Según el sitio Transforming Tate Modern, el museo de arte moderno más visitado del mundo es Tate Modern, con más de 30 millones de visitantes desde su apertura en 2000. Inicialmente el museo fue diseñado previendo una afluencia de unos 1,8 millones de visitantes al año, pero en 2006 y 2007 los visitantes superaron los cinco millones cada año. Según la misma referencia, Tate Modern es una de las tres mayores atracciones turísticas del Reino Unido; dos millones de personas han participado en alguno de sus programas educativos; genera unos beneficios anuales para la ciudad de cien millones de libras; ha generado hasta el momento más de 4.000 puestos de trabajo, principalmente en el área de Southwark; y el 60% de los visitantes tienen menos de treinta y cinco años. Todos estos datos fueron usados por los representantes de Tate Modern en la presentación de la ampliación del museo para respaldar el proyecto, que cuenta con un presupuesto de 215 millones de libras Reina Sofía [Madrid]
Desde su inauguración, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía ha contado con publicaciones propias, con una actividad que, si bien tiene su mayor volumen en la edición de catálogos, incluye monografías, catálogos razonados, ensayos, publicaciones didácticas, facsímiles, guías de la colección o resultados de diversas actividades. Desde la página Web del Museo Reina Sofía se pretende proporcionar una información completa del catálogo de publicaciones y aprovechar las posibilidades de la red como cauce de expansión del conocimiento, en consonancia con el compromiso del museo de realizar actividades de divulgación, de formación, didácticas y de asesoramiento en relación con sus contenidos. MisiónEl programa del Museo Reina Sofía se basa en una redefinición de la función del museo alternativa a los modelos históricos de esta institución. Concebido como un lugar generador de espacios intersticiales de sociabilidad y discusión en la esfera pública, propone modelos de resistencia en una sociedad en la que priman el consumo y la mercancía y en la que la producción se ha fragmentado ocasionando tanto un mapa geopolítico inédito como nuevas clases sociales, relaciones y subjetividades. La creación de narraciones alternativas, de nuevas formas de intermediación y la formación de un espectador activo son las líneas de fuerza del Museo.El Museo contesta la dinámica centro-periferia y la visión unívoca de la historia del arte. Ésta ha pasado de escribirse como si estuviese constituida por grandes continentes a ser una especie de archipiélago en el que emergen diversas relaciones en una cartografía cambiante. Las otras modernidades, antes subalternas, alcanzan aquí su dimensión más compleja, y artistas antes considerados derivativos o secundarios cobran voz, desafiando, gracias a nuevos vínculos de solidaridad entre el intelectual y el resto de colectivos, las reglas establecidas desde el mundo europeo occidental. La colección del Museo se basa en la creación de narraciones entrecruzadas que toman forma en el archivo. La autonomía estética queda diluida al incluir en el mismo nivel documentos, obras, libros, revistas o fotografías, un gesto del que nacen narraciones alternativas que nos devuelven conocimiento, experiencia estética y la posibilidad de aprehender un momento histórico. Se trata de la constitución de un archivo de archivos que da al otro, voz y capacidad para archivar, repensar y narrar su propia historia. Frente a la acumulación capitalista, en este modelo, el que recibe las historias es sin duda más rico, pero el que las cede no es más pobre. La escritura de la historia parte así desde abajo y desvincula memoria y propiedad. Desde el Museo se propone un concepto educativo que elimine jerarquías y muestre la facultad reactivadora de la cultura desde la convicción de la capacidad de cada uno de nosotros para redescubrir y redefinir el saber. La obra de arte constituye un territorio común para el artista y el espectador que facilita la relación con los demás y con un entorno que no percibimos como ajeno. Hace que nos veamos a la vez como sujetos y objetos de la percepción de los demás, creando espacios de sociabilidad nuevos y liberadores. Asimismo, el Museo se constituye como espacio de debate e investigación a través de seminarios y programas universitarios nacidos de la interrelación, no mediada ni jerarquizada, entre la educación y el resto de las actividades –exposiciones, colección, programas públicos– de este Museo.
Sedes
Edificio Sabatini
Fundado como Hospital de San Carlos en el siglo XVIII, toma su nombre actual de Francisco Sabatini (Palermo, Italia, 1722 – Madrid, 1797), arquitecto ilustrado encargado de su construcción. La fundación del hospital fue una iniciativa de Carlos III enmarcada en un conjunto de medidas para dotar a Madrid de infraestructuras de higiene y policía urbana. Tras una primera fase dirigida por José de Hermosilla (Llerena, Badajoz, 1715 – Madrid, 1776), Sabatini, procedente de la corte borbónica del sur de Italia, lo completó aplicando un sobrio estilo neoclásico inspirado en el renacimiento tardío. Aunque la muerte del monarca en 1788 dejó el edificio inacabado, pronto comenzó a funcionar como hospital, permaneciendo en activo hasta 1965. Tras años en estado de abandono y diversas amenazas de derribo, su declaración como Monumento Histórico-Artístico en 1977 permitió su supervivencia y uso público. En 1980, Antonio Fernández Alba (Salamanca, 1927) emprendió una remodelación para su uso con fines expositivos. En 1986 el edificio comienza a albergar las actividades expositivas de centro de arte para, pocos años después, en 1990, convertirse en el actual museo. Para la rehabilitación se aprovechó el perfil inacabado del hospital: el espacio exterior reservado a un segundo patio se convirtió en una plaza pública que dio visibilidad al museo y lo conectó con la calle Atocha; la ausencia de portada se suplió con la colocación de las monumentales torres de vidrio y acero que albergan los ascensores exteriores para permitir una circulación más fluida. Construidas por los arquitectos racionalistas José Luis Íñiguez de Onzoño (Bilbao, 1927) y Antonio Vázquez de Castro (Madrid, 1929) en colaboración con el arquitecto británico Ian Ritchie (Sussex, Reino Unido, 1947), estas torres son una de las señas de identidad del Museo. El interior despliega en torno a un patio con amplias galerías abovedadas sostenidas por pilastras de piedra y salas de exposición, con vanos abiertos hacia el exterior y hacia el patio, que permiten regular la iluminación natural. El edificio contiene asimismo espacios alternativos, como son los sótanos de ladrillo abovedados o la sala de protocolo, antigua lencería del hospital con el mobiliario original, a los que se ha dado un uso expositivo.
Edificio Nouvel
En 1999 se convoca un concurso internacional para la ampliación del Museo Reina Sofía, al que se presentan propuestas de arquitectos como Juan Navarro Baldeweg, Dominique Perrault, Zaha Hadid, Enric Miralles y Tadao Ando, entre otros. En 2001 se pone en marcha el proyecto ganador, firmado por el arquitecto Jean Nouvel (Fumel, Francia, 1945). Desde su origen, el edificio se plantea, en palabras de su autor, a la sombra del Reina Sofía, es decir, al servicio del Edificio Sabatini, cuyas funciones expande y completa al tiempo que mantiene el protagonismo de la sede original. En junio de 2005 queda inaugurado el complejo del Edificio Nouvel, que comprende dos amplios espacios expositivos, biblioteca y centro de documentación, librería, oficinas, café-restaurante, sala de protocolo y dos auditorios con capacidad para 200 y 400 espectadores respectivamente. El conjunto arquitectónico se adapta a la fachada suroeste del Edificio Sabatini y al solar triangular que le precede. En él, Nouvel respeta el emplazamiento de tres edificios preexistentes para la construcción de tres nuevos módulos. Aunque exentos, quedan comunicados entre sí y con el Edificio Sabatini en diversos niveles: a través de un gran alero superior que conecta con la cornisa del hospital y refleja el flujo de la ciudad mediante las formas convexas de aluminio lacado en color rojo, mediante pasarelas elevadas entre los edificios, y a través de una plaza semipública que dialoga con el entorno urbano. Funciona así como conector de diversas zonas de la ciudad (Estación de Atocha, Ronda de Atocha, barrio de Lavapiés), y evoca el patio de Sabatini en su doble naturaleza de espacio íntimo y diáfano. Desde su inauguración, el flujo de visitantes se vertebra de manera plural, dado que el nuevo edificio proporciona una entrada alternativa y cuenta con diversas conexiones entre las galerías de Sabatini y los nuevos espacios de Nouvel, una distribución que genera diversos itinerarios posibles e impone una neta distinción entre zonas de servicios y espacio expositivo.
Palacio de Cristal
El Palacio de Cristal es una de las dos sedes expositivas del Museo Reina Sofía en el Parque del Retiro de Madrid. Construido por Ricardo Velázquez Bosco en 1887, responde tanto a la cultura arquitectónica de los nuevos materiales como a la historia del colonialismo del siglo XIX. El uso de las columnas de hierro colado y de las amplias superficies de cristal permiten una planta inusitada, monumental y diáfana a la vez. Concebido originariamente como invernadero para la Exposición de Flora de las Islas Filipinas (1887), colonia española por aquel entonces, exhibía el exotismo en un entorno de progreso tecnológico, creando una imagen de fantasía e irrealidad en el espectador. Tras la exposición de flora, se utilizó como sede de la Exposición Nacional de Bellas Artes, celebrada cada dos años. Desde 1990, alberga proyectos e instalaciones específicas de artistas contemporáneos, destacando los realizados por Gabriel Orozco, Siah Armajani, Cildo Meireles, Nacho Criado, Ilya Kabakov, Pierre Huyghe o Jessica Stockholder, entre otros.
Palacio de Velázquez
El Palacio de Velázquez (1883) es, junto al Palacio de Cristal, una de las dos sedes expositivas del Museo Reina Sofía en el Parque del Retiro de Madrid. Toma su nombre del arquitecto Ricardo Velázquez Bosco, quien también colaboró en la construcción con el ceramista Daniel Zuloaga y el ingeniero Alberto del Palacio. El edificio, cercano al historicismo neorrenacentista, es de planta amplia, cubierta con bóvedas de estructura de hierro y con iluminación natural, gracias a la superficie acristalada. Concebido como pabellón principal de la Exposición Internacional de Minería, Artes Metalúrgicas, Cerámica, Cristalería y Aguas Minerales de 1883, sigue el modelo que Joseph Paxton estableció en el Crystal Palace de Londres en 1851. Desde 1987 ha acogido exposiciones monográficas de artistas como Cindy Sherman, Nan Goldin, Juan Muñoz y José Manuel Broto, junto a otros muchos. Cerrado por reformas en 2005, volvía a abrir sus puertas en 2010 con una retrospectiva dedicada a Miralda.
Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC) [León]
La misión del museo consiste en ser una herramienta fundamental en la creación de sentido colectivo en cuanto al arte y la cultura. La misión actual del museo es vertebrar y reelaborar la idea de museo desde un punto de vista ciudadano cercano al conocimiento y al saber. Así el museo plantea su función dotando de estrategias de actuación y de herramientas criticas de análisis la relación del arte con la sociedad a todos sus niveles en el periodo en el que mueve la Colección del Museo y su programación 1989- actualidad, pero siendo conscientes que la contemporaneidad engloba parte de la historia anterior. Desde la Colección del MUSAC que alberga más de 1500 obras casi 400 artistas tanto regionales, nacionales e internacionales. La misión del museo con esta Colección, como piedra base, es conservador, difundir, estudiar e hilvanar de una manera amplia y panorámica la importancia del arte en la contemporaneidad en este intervalo de tiempo, bajo premisas conceptuales y sociales que pongan de manifiesto la importancia y la relación del arte en momentos y situaciones sociales, políticas, culturales y estéticas como un verdadero catalizador del momento en que estas obras fueron producidas a través de los diversos discursos generados en la exposiciones de la Colección tanto dentro como fuera del propio museo.
Por otra parte bajo el programa expositivo se intenta marcar esta relación entre la importancia de la producción más contemporánea y la revisión y contextualización de ciertas temáticas, movimientos o artistas que han dejado su impronta a lo largo de historia más reciente. En este sentido las exposiciones son el telón de fondo de toda una serie de acción que tienen en primer lugar la exhibición, difusión, promoción e investigación del arte en Castilla y León. De ahí los programas como el Archivo Documental de Artistas de Castilla y León: www.musac.es/adacyl o el legado del Archivo AU CRAG, en el que se sigue trabajando para que se una herramienta de investigación sobre la contemporaneidad en estas tierras.
Además bajo este aspecto hay que tener en cuenta el proyecto llevado a cabo por el MUSAC junto a los tres centros mas importantes de la Comunidad llamado P4.Plataforma de Estudio y difusión del arte en Castilla y León; o las becas de producción tanto para artista de la comunidad como del ámbito nacional e internacional. Hay que tener también en cuenta también bajo el epígrafe de “Plataforma de Pensamiento” la gran importancia de la creación de la RADAR. Revista de Arte y Pensamiento del MUSAC o la Colección AAMUSAC, Arte y Arquitectura.
Por ultimo hay que hacer hincapié en la misión difusora a través de todos los medios y sobretodo de la nuevas tecnologías y plataformas digitales, pero sobre todo en su vertiente educativa y colectiva, puesto que a través de los innumerables jornadas, seminarios, ciclos de cine, y video, performances, talleres de artistas, visitas guiadas, grupos de discusión, etc. que dan a la educación artística y al pensamiento un interés que va mas allá del programa, importancia tanto a los procesos de trabajo en lo expositivo, en el pensamiento como en la educación desde el museo. Por ello la misión fundamental es el acercamiento de todo este conocimiento y labrar una red de relaciones artísticas la comunidad artística ya sea esta de Castilla y León; de otros ámbitos nacionales o internacionales.
En definitiva el Museo viene a ser como una gran ciudad donde los diferentes agentes, personas que se acercan que la habiten pueden encontrar un lugar de encuentro para la estudio, investigación, discusión, análisis y disfrute del arte y la cultura contemporáneas.
Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) [Barcelona]
Como ente público, el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) asume la responsabilidad de transmitir el arte contemporáneo, ofrecer una multiplicidad de visiones y generar debates críticos sobre el arte y la cultura, una misión que aspira a integrar públicos cada vez más amplios. El MACBA debe entenderse, pues, como una institución abierta en la que los ciudadanos encuentren un espacio de representación pública. Si a ello se añade la vocación educativa, su voluntad de innovación y el compromiso de preservar el patrimonio y de trabajar en red con otras instituciones, la suma de tales objetivos sitúa al MACBA a la cabeza del sistema del arte contemporáneo en Cataluña, al tiempo que consolida Barcelona como capital y referente internacional.
El MACBA se gestiona a través de un Consorcio creado en 1988 e integrado, actualmente, por la Generalitat de Catalunya, el Ayuntamiento de Barcelona, el Ministerio de Cultura y la Fundación MACBA. En 1995, el MACBA inauguró su sede en el corazón del Raval, en un nuevo edificio concebido por el arquitecto norteamericano Richard Meier. Desde entonces, el Museo se ha convertido en una institución pionera en la difusión del arte y las prácticas culturales contemporáneas, cuyo impacto ha contribuido a identificar Barcelona con un escenario de innovación. Luisa Yolanda Sánchez Castellanos
El escultor australiano Ron Mueck presenta su exposición “Hiperrealismo de alto impacto” en el Antiguo Colegio de San Ildefonso.
El hiperrealismo surgió a finales de la década de 1960 en Estados Unidos y ha sido frecuentemente definido como realismo fotográfico, superrealismo e hiperrealismo. Algunas fuentes de consulta dicen que el “Hiperrealismo” surgió relacionado con el “Arte” de principios de la década de 1960. Esto se dice debido a que ambas tienen en común una sociedad de consumo e incorporan en la obra un cierto tono de ironía. El carácter que las define vino dado por la traducción literal y fotográfica de la realidad.
Los Temas Principales del Hiperrealismo: Los temas principales de los pintores hiperrealistas o fotorrealistas fueron paisajes urbanos, escaparates, automóviles, motocicletas y demás objetos de consumo. Algunos de los artistas más memorables de esta época fueron John Salt, Robert Bechtle, Ralph Goings, Malcolm Morley o Don Eddy. Sus obras estaban basadas en fotografías que después reproducían fielmente y de una manera extraordinariamente meticulosa. Una de las cosas que uno puede fácilmente notar en el hiperrealismo es el hecho de que durante los últimos treinta años ha quedado en un segundo plano, solapado por la pintura abstracta. Su auge se ha ido poco a poco atenuando hasta ser rebajado a arte menor, en comparación con el estilo abstracto. De hecho, pocos críticos se han dignado hablar del hiperrealismo, y los que lo han hecho, han manifestado la opinión de que la tendencia es fría e impersonal, de que los artistas se limitan a reproducir con exagerada fidelidad, aunque a mano, las fotografías que han captado mediante su cámara fotográfica. A pesar de eso, numerosos críticos de arte reconocen el valor del fotorrealismo, reconociendo que los buenos pintores hiperrealistas tienen un talento que sobrepasa cualquier crítica.
Rasgos Identificativos del Hiperrealismo: Uno de los rasgos identificativos de la pintura hiperrealista es el acabado limpio y cuidado de las obras, cuyos artistas se esfuerzan por reproducir de una forma exacta y meticulosa, tanto en lo que respecta a la forma, como a la luz y al color. Otro rasgo identificativo es el esfuerzo que hace el artista por no dejar rastro alguno del pincel, este detalle, es uno de los aspectos más frecuentemente comentados en las exposiciones de pintura hiperrealista. Una tercera característica es la representación de los motivos en el plano detalle a gran escala. El futuro del arte Hiperrealista La pintura realista ha sobrevivido en un entorno dominado por el arte abstracto, esto es demostrable debido a la gran cantidad de artistas contemporáneos que se dedican a este estilo. En cuanto al hiperrealismo, este se sigue consolidando, ya que la mayoría de los artistas que iniciaron este movimiento artístico han seguido trabajando, enriqueciendo y diversificando sus obras, y a éstos nos hemos agregado nuevas generaciones de artistas. Podemos decir que el hiperrealismo, no sólo no ha desaparecido, sino que ha ido mejorando y evolucionando, gracias a la valiosa aportación de nuevas generaciones de talentosos artistas. Cada artista tiene su sello de identidad, que a veces es evidente, pero que a veces hay que rebuscar. Algunos de los detalles más minuciosos de las obras, como buscar una iluminación particular, unas gotas de agua en el pétalo de una flor, un reflejo o un rayo de luz descompuesto en sus colores cuando atraviesa un cristal etc. hacen que un observador se estremezca ante tal ilusión óptica creada. Todos los artistas, y en especial los hiperrealistas son sensibles a la belleza que les rodea, y les gusta plasmarla tal y como es. Es un modo de reivindicar lo natural, lo bello, de transmitir sus sentimientos y hacer que otros participen con ellos en esa experiencia. Y aunque lo cierto es que ninguna imagen ya sea fotográfica o pictórica, supera la realidad, sí crea una ilusión.
El Hiperrealismo y las nuevas tecnologías Allá en los años 60, cuando comenzaron a crearse las primeras obras hiperrealistas, los artistas utilizaban sus cámaras para tomar las imágenes que luego plasmaban a mano en sus lienzos. Crear bocetos a partir de esas imágenes para hacerse una idea del resultado era laborioso. Sin embargo, hoy las cosas han cambiado enormemente. Actualmente, los artistas disponen de cámaras digitales para la toma de las fotografías, así como de sofisticados programas, como PhotoShop, para realizar fotomontajes y retoques. Evidentemente, estos programas de ordenador le sirven al artista para desarrollar las ideas, depurarlas y realizar bocetos previos, no para la factura de la obra en sí misma, ya que de otro modo su trabajo entraría dentro de la categoría del fotomontaje o arte digital. La obra final se lleva a cabo pintándola a mano sobre el lienzo, tabla, o cualquier otro soporte. Así pues, la incorporación de estos nuevos recursos abre nuevos horizontes para los artistas hiperrealistas o fotorrealistas (es preciso decir que algunos críticos recalcan las diferencias entre hiperrealismo y fotorrealismo, argumentando que el primero se encuentra en un nivel superior) lo que garantizará el avance y enriquecimiento del hiperrealismo en épocas venideras.
es un escultorhiperrealistaaustraliano que vive en Inglaterra. Su origen profesional fue en el mundo de los efectos especiales para el cine, trabajando para Jim Henson en películas como Labyrinth (donde llegó a interpretar a uno de los personajes, Ludo) o The Dark Crystal. Sin embargo ya había dado un paso hacia el mundo del arte aprovechando su talento para desarrollar creaciones plásticas con un realismo sorprendente. Mueck se mudó a Londres para establecer su propia compañía, creando utilería y “animatronics” para la industria de la publicidad. A pesar de ser altamente detallados sus trabajos, eran diseñados para ser fotografiados desde un ángulo muy específico, ocultando así el desorden de la obra vista desde otro ángulo. Mueck cada vez con más frecuencia deseaba producir esculturas que se vieran perfectas desde cualquier ángulo. En 1996 Mueck cambió hacia el “arte refinado” colaborando con su suegra Paula Rego, para producir pequeñas figuras como parte de una escena que ella estaba mostrando en la Galería Hayward. Rego lo presentó con Charles Saatchi quien inmediatamente quedó sorprendido con su trabajo y comenzó a coleccionar y solicitar trabajos. Esto lo dirigió hacia la creación que le formó un nombre a Mueck, “Dead Dad” (papá muerto) que es una escalofriante e hiperrealista obra de silicona y otros materiales, del cuerpo muerto de su padre, reducido aproximadamente a dos tercios del tamaño natural. Es la única obra de Mueck que usa su propio pelo para el producto final. Las esculturas de Mueck reproducen fielmente los detalles del cuerpo humano, pero juega con la escala para crear imágenes que nos sacuden. Su obra de cinco metros “Boy”, fue mostrada en 1999 en el “Millenium Dome” y más tarde se exhibió en la “Biennale de Venecia”. Éste escultor formó parte de la exposición “Sensation” que causó polémica y otras reacciones extremas entre los críticos y el público. La pieza que expuso en esa ocasión era “Dead Dad”. Esa exposición incluyó también a otros “nuevos” artistas británicos como Damien Hirst y los hermanos Jake y Dinos Chapman, que llevan su quehacer a extremos definitivamente estremecedores.
Su origen profesional fue en el mundo de los efectos especiales para el cine, trabajando para Jim Henson en películas como Labyrinth (donde llegó a interpretar a uno de los personajes, Ludo) o The Dark Crystal. Sin embargo ya había dado un paso hacia el mundo del arte aprovechando su talento para desarrollar creaciones plásticas con un realismo sorprendente.
Escultura de Ron Mueck cuyo título es Dead Dad (padre muerto) donde coge para hacerlo la fotografía de su propio padre.
Escultura de Ron Mueck titulada Boy
Escultura de Ron Mueck titulada en la cama
Belin:
El Graffiti es sin duda un Arte cuya mayor expresión y desarrollo se da en nuestro siglo. Es el llamado Arte Urbano que poco a poco va haciéndose un hueco en el panorama artístico como gran ejercicio creativo que es. Uno de sus más grandes exponentes tanto a nivel nacional como internacional es Belin, un artista de Linares, Jaen, cuyos sprays han traspasado los muros de las calles para introducirse en los lienzos de las galerías, sin perder por ello ni su credibilidad como graffítero, ni su calidad como pintor.Graffitis y esculturas hiperrealistas hechas por un artista andaluz llamado Belin. Realmente impresionantes, su piezas se ese mundo que muchas han exhibido por toda España y en paises como Alemania, Italia, Reino Unido, Holanda,Brasil,Israel, Mexico, Estados Unidos e incluso ha pintado para firmas como Dockers o Carhartt y para profesionales del tattoo como Kat von D de LA. INK. S.
Chuck Close: Fotógrafo y pintor de increíbles retratos frontales gigantescos (hasta 3 metros de alto) con tal técnica que parecen fotografías. Comenzó en 1966 y su técnica consiste en proyectar una fotografía sobre el lienzo previamente cuadriculado y trasladar metódicamente, cuadrícula a cuadrícula, la imagen a la tela. Ejemplos de estos son los cuadros en escala de blanco a negro. En 1970 comenzó a utilizar el color en sus retratos y más adelante, en base a esa cuadrícula, pintaba formas abstractas a color en cada cuadrado. Si se observa la obra a cierta distancia, esos centenares de formas abstractas llenas de color se combinan para conformar un retrato de una minuciosidad en el detalle y de un realismo fotográfico impresionante.
Chuck Close, Frank (1969).
Angelina Jolie Denis Peterson: Su impresionante obra tiene como objetivo representar la realidad y lo hace increíblemente bien. Parece una broma, pero son óleos y acrílicos. El artista americano crea sus obras basadas en fotografías y realmente consigue no solamente plasmar en sus pinturas cada minucioso detalle del retrato, sino que logra dibujar los sentimientos encontrados en cada situación que vemos en su obra. Sus pinturas hablan sobre la decadencia de la sociedad en que vivimos, nos enseña todo aquello que no se ve, la parte cruel y verdadera de la vida. Lo bonito de su obra es que regala a estos personajes de la realidad un valor que ya habían perdido.
Juan Francisco Casas
En 2004 resultó ganador del prestigioso Premio de Pintura ABC. En 2005 fue seleccionado y el único representante español en la 2ª Bienal de Praga, (Prague Biennale 2, Expanded Painting / Acción Directa), organizada en dicha ciudad de la República Checa por la importante revista internacional de arte contemporáneo Flash Art Magazine y que contó entre otros con artistas internacionales de la relevancia de Damien Hirst, Maurizio Cattelan o Neo Rauch. En 2006 y 2007 participó en la exposición Catarsis – Rituales de Purificación en el Museo ARTIUM (Museo Vasco de Arte Contemporáneo), Vitoria, junto con destacados artistas como Antoni Tàpies, Antonio Saura, Miquel Barceló, Jorge Oteiza, Jaume Plensa o Antoni Muntadas. En 2007 recibió la prestigiosa Beca de la Real Academia de España en Roma donde residió un año. En esa ciudad colaboró con el artista Joseph Kosuth, así como en el montaje de su exposición de La Casa Encendida en Madrid. En 2008 expuso en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Madrid), en la Real Academia de España en Roma y en Las Vegas (EEUU) en la colectiva “The Joy of Sex”. En 2009 expuso en los Institutos Cervantes de Nueva York, Varsovia y Moscú, dentro de la exposición itinerante “10 Años de Arte en los Premios ABC”. En 2010 participó, junto con artistas de la talla de Gustave Courbet, Edward Hopper, Gerhard Richter, Édouard Manet, Erwin Wurm, Chuck Close, Rineke Dijkstra, Otto Dix, Richard Estes, Franz Gertsch, Julian Opie o Sam Taylor-Wood, en la impresionante muestra “Realismus. Das Abenteuer der Wirklichkeit” (“Realismo. La Aventura de la Realidad”) en el museo Kunsthalle der Hypo-Kulturstiftung, Munich, en el Kunsthal Rotterdam y en el Kunsthalle in Emden (Alemania), y en la colectiva “After Post (más allá de la fotografía)” con Vik Muniz, Gregory Crewdson, Helena Almeida y Luis Gordillo en Sevilla. Ese mismo año fue galardonado con la Beca del Colegio de España en París donde reside, tras haber vivido en Roma, Brighton (Reino Unido) o Berlín.
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