Tuesday, May 6, 2025
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“La geometría sugerente de Marianela Pérez”

La geometría sugerente de Marianela Pérez
La geometría sugerente de Marianela Pérez

Marianela Pérez G. es una artista visual contemporánea venezolana cuya obra puede ser interpretada desde distintas vertientes. Por tal razón, en ella hay una presencia dominante del abstraccionismo geométrico en confluencia con lo que la curadora Xiomara Jiménez expresa como “un aire cezanniano, así como el recuerdo de algunos formalistas rusos o las resonancias de cierta modernidad”.

Su obra ha sido expuesta en individuales y colectivas de Caracas, Miami, Nueva York y Londres y su propuesta expresa mediante el color una aproximación muy positiva a la vida, más allá de las líneas y ángulos propios del abstraccionismo geométrico en sí mismo. Este hecho tiene sus raíces en aspectos biográficos de la artista que están referidos al hecho de que ella debió salir de su zona de confort al momento que decidió emigrar de Venezuela, como consecuencia de la situación del país. 

En líneas generales lo que pretende esta artista es recrear la realidad, pero desde una perspectiva opuesta a lo figurativo, de modo que los elementos reales son deconstruidos hasta sus últimas consecuencias. Incluso, en muchos casos, el primer registro que esta venezolana realiza de la realidad es fotográfico, para luego iniciar el proceso que convertirá esas imágenes en una alter realidad. A propósito de esto, Pérez expresó en una entrevista concedida a Carolina Jaimes Branger lo siguiente: “la fotografía nutre toda la expresión abstracto-geométrica de mi pintura, ya que mis referentes vienen de imágenes que tomo de lo cotidiano, del paisaje urbano, de la arquitectura, del tráfico y de fragmentos de la naturaleza. Descompongo estas imágenes, desestructurando su forma, simplificándolas radicalmente hasta llevarlas a líneas y ángulos”.

Para llevar el referente real a lo abstracto, se vale de la metáfora de la fractura de una caja de cristal, con la que simboliza su espacio conocido y rutinario.Marianela imagina que esta caja se rompe en pedazos que quedan flotando en la atmósfera, creando un estallido cromático. De allí que el color y las formas angulosas sean sus principales vehículos de expresión.

La historia personal de Marianela Pérez es clave en el devenir de su trabajo artístico. Nacida en la ciudad de Caracas, ese hecho determinó la peculiar y muy vivaz fascinación cromática que se expresa en su obra, donde predominan colores propios del trópico. De igual manera, la artista refiere que desde muy pequeña se sintió muy atraída por el fenómeno estético. En cuanto a su formación académica, inicialmente estudió arte comercial en el Endicot College de Massachusetts. Posteriormente, estudió diseño ambiental en el Instituto de Diseño Villasmil de León de Caracas, así como pintura en la Escuela de Bellas Artes del Museo De Arte de Boca Ratón en Florida y fotografía en el Taller de Fotografía de Roberto Mata en Caracas.

Más allá del hecho fotográfico, sus primeras aproximaciones a la pintura se dieron en el ámbito de la estética gestual y posteriormente en el contexto que ha despertado el interés de la crítica, al igual que los mejores elogios del público: el abstraccionismo geométrico.

Fue esencial para llegar a esta tendencia que la artista se desprendiera de su contexto originario en la ciudad de Caracas al momento de emigrar. Ese hecho, que ella expresa en tanto un estallido, le llevó a buscar nuevos asideros mediante la representación de su entorno estadounidense, que eventualmente fue llevando a líneas y ángulos; pero imbuido de la nostalgia que le producían los cromatismos de su nativa Venezuela.

Esa mezcla tan particular ha redundado en una pintura plena de sabor y de vitalidad donde la exaltación de la vida cobra un sentido que ha sido inspirador; no sólo para el público venezolano, sino también para el de otras latitudes. Colores cálidos y formas que evocan gran movimiento contrapuestas de manera vibrante son el fundamento de la apuesta de Marianela Pérez, de la que se habla incesantemente en el circuito artístico de la ciudad de Miami.

Marianela Pérez asume este riesgo creativo, este “salto” a la geometría, afirmando la fuerza y el coraje que supone recorrer nuevos caminos y afronta el descubrimiento de su potencial interno.Es una manera de decir que sí se puede y una celebración y brindis por la vida.

El viernes 23 de agosto Marianela Pérez inaugura la exposición “Geometric Jump” en Coral Gables, Miami Florida y estará disponible hasta el 18 de septiembre.

Coordenadas de la exposición
“Geometric Jump”
Herman Gamboa Gallery- Humboldt International University 4000 W Flagler street Coral Gables Miami Florida. Hora: de 6:00 p.m. a 9:00 p.m.

Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

Show musical “SALSA IN THE CITY. La historia de la salsa”

Erwin Pérez / PR Consulting
Erwin Pérez / PR Consulting

La historia de la salsa contada a través de canciones. Desde la Fania hasta la salsa contemporánea.
Sábado 7 de septiembre, 10:30 pm – TEATRO TRAIL
Con la voz del colombiano GIO BETA, que ganó el concurso “Idolos de la canción”, de Univision, imitando a Marc Anthony
Boletos: 305-443-1009 o www.teatrotrail.com

El concierto contará las cuatro etapas cruciales de la música Salsa. La primera estará dedicada a la música salsa de los años setenta y todo el movimiento cultural de la Fania. La segunda exhibirá la salsa de los ochenta, la salsa erótica y romántica. La tercera nos transportará a los años noventa, los años bonitos de la salsa. Y para cerrar con broche de oro, Gio nos traerá de regreso a la música salsa contemporánea, que sigue brillando a pesar de la dura competencia que tiene con la música Urbana.
Erwin Pérez / PR Consulting
Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

Whose Migrant Mother was this?

migrant mother
migrant mother

Artist: Dorothea Lange

Created: 1936–1936

Period: Social realism

Subject: Florence Owens Thompson, The Great Depression

Media: Photographic film, Gelatin silver print

Dorothea Lange captured this iconic photo known as Migrant Mother in 1936. But who was the woman pictured? And how did she and her family feel about its existence in the world? Guest host John Green introduces you to Florence Owens Thompson, her family, and her story.

Thanks to our Grandmasters of the Arts Vincent Apa and Ernest Wolfe, and all of our patrons, especially Iain Eudaily, Patrick Hanna, Nichole Hicks, Eve Leonard, David Moore, Frame Monster Design Laboratory, Jane Quale, Constance Urist, and Nicholas Xu. To support our channel, visit: http://www.patreon.com/artassignment.

Dorothea Lange took this photograph in 1936, while employed by the U.S. government’s Farm Security Administration (FSA) program, formed during the Great Depression to raise awareness of and provide aid to impoverished farmers. In Nipomo, California, Lange came across Florence Owens Thompson and her children in a camp filled with field workers whose livelihoods were devastated by the failure of the pea crops. Recalling her encounter with Thompson years later, she said, “I saw and approached the hungry and desperate mother, as if drawn by a magnet. I do not remember how I explained my presence or my camera to her, but I do remember she asked me no questions. I made five exposures, working closer and closer from the same direction.” One photograph from that shoot, now known as Migrant Mother, was widely circulated to magazines and newspapers and became a symbol of the plight of migrant farm workers during the Great Depression.

As Lange described Thompson’s situation, “She and her children had been living on frozen vegetables from the field and wild birds the children caught. The pea crop had frozen; there was no work. Yet they could not move on, for she had just sold the tires from the car to buy food.” However, Thompson later contested Lange’s account. When a reporter interviewed her in the 1970s, she insisted that she and Lange did not speak to each other, nor did she sell the tires of her car. Thompson said that Lange had either confused her for another farmer or embellished what she had understood of her situation in order to make a better story.

Source: The Art Assignment, Wikipedia.org, Moma.org

Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

JORGE BUCAY EN MIAMI

JORGE BUCAY en Miami

JORGE BUCAY

Llega a Miami el célebre psicólogo y escritor argentino
Se presentará el 5 de septiembre, en el Teatro Manuel Artime
Ofrecerá la conferencia “EL CAMINO DE LA FELICIDAD ES POSIBLE”

Más sobre Bucay y su conferencia
Para dimensionar la importancia de Bucay hay que señalar que sus libros se han convertido en best sellers internacionales, traducidos a una veintena de idiomas.​ Los más relevantes son “Cartas para Claudia”, “Déjame que te cuente”, y “Cuentos para pensar”
Sobre la conferencia de Miami, Bucay apunta que “hay un camino posible hacia la felicidad y ese camino es personal e intransferible, y se logra cumpliendo las obligaciones de ser lo mejores personas posibles, siendo felices, y ayudando a que otros se ocupen de serlo”
En pocas palabras, en “El camino de la felicidad es posible”, el psicólogo propone al público: “Tener compromiso, aceptación, entrega y apertura; estar en paz con su pasado, no tenerle miedo al futuro, y vivir intensamente el presente”

JORGE BUCAY en Miami
Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

“69th ANNIVERSARY MEMBERS'” EXHIBIT

Opening & Awards Reception 
Saturday, August 17, 2019 from 4:00-5:30pm

Gallery 6 
Broward County Library

100 S. Andrews Avenue 
6th Floor

Fort Lauderdale, FL 33301

Members of the prestigious Broward Art Guild, the longest running art guild in Broward County, will display paintings, drawings, photography, sculpture, etc. at this annual event. Enjoy viewing the artwork and meet and greet the artists. You can cast a ballot for the People’s Choice award.

Location: Broward Main Library, Gallery Six, 100 S. Andrews Ave. Ft. Lauderdale 33301

Gallery Hours: Mon, Tue, Wed 9am-8pm. Thu, Fri, Sat 10am-6pm. Closed Sunday.

Free Public Reception: Saturday, August 17, 2019 from 4:00-5:30pm

Exhibition Run Dates: August 12, 2019 to August 30, 2019

MissionBelieving that art is vital to a thriving community, the Broward Art Guild’s mission is to create opportunities for visual artists to grow professionally and expand audiences for their art.

art
Perez Art Museum PAMM
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Oliver Mtukudzi and the Black Spirits

Oliver Mtukudzi and the Black Spirits

Oliver “Tuku” Mtukudzi (22 September 1952 – 23 January 2019) was a Zimbabwean musician, businessman, philanthropist, human rights activist and UNICEF Goodwill Ambassador for Southern Africa Region. Tuku was considered to have been Zimbabwe’s most renowned and internationally recognised cultural icon of all time. https://en.wikipedia.org

Oliver Mtukudzi and the Black Spirits

Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

Paint Me Miami 2019

Paint Me Miami 2019

Paint Me Miami Opening Reception and Award Ceremony

Bakehouse Art Complex

561 Northwest 32nd Street, Miami, Florida 33127

The City of Miami Arts and Entertainment Council invites you to the 8th annual Paint Me Miami juried painting competition.

Please join us for the opening reception and awards presentation on August 9, 2019 from 6:30 – 9:00pm at the Bakehouse Art Complex.

Live music accompaniment by Eddy Balzola & Yoel Del Sol. Libations and beverages to be served throughout the evening.

This event is sponsored by: The City of Miami, Miami Arts and Entertainment Council, and the Bakehouse Art Complex.

*The exhibition will be on view from August 10 – August 16, 2019 from 12:00 – 5:00pm.

Paint Me Miami 2019

Paint Me Miami is an annual juried painting competition sponsored by The City of Miami Arts & Entertainment Council. Every year, artists are invited to submit paintings that are inspired by, and celebrate, the City of Miami. A group of professional jurors selects the finalists, who are invited to exhibit their work in a prestigious gallery space. There are also exciting rewards for a First, Second and Third Prize in the competition.

Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

ART WORLD ASSOCIATIONS

ART DEALER ASSOCIATIONS

Art Dealers Association of America (ADAA)

The Art Dealers Association of America (ADAA) is a non-profit membership organization of the nation’s leading galleries in the fine arts. Founded in 1962, ADAA seeks to promote the highest standards of connoisseurship, scholarship and ethical practice within the profession.

Art Dealers Association of California

Members deal primarily in fine painting, sculpture and graphic arts. They advocate the highest standards of connoisseurship, scholarship, and ethical practice within the profession, and seek to increase public awareness of the importance and responsibilities of reputable art dealers. ADAC members are committed to honest and responsible business dealings with artists, the art collecting public, museums and other art dealers.

Art Dealers Association of Canada (ADAC)

Is a not-for-profit organization founded in 1966. The association is the largest representation of major private commercial galleries in Canada, and members represent the country’s leading artists. ADAC’s mandate includes: stimulating the art market in Canada; and, encouraging the awareness of the visual arts, both nationally and abroad.

Association of International Photography Art Dealers (AIPAD)

With members in the United States, Australia, Canada, Europe and Japan, the Association has become a unifying force in the field of photography. AIPAD is dedicated to creating and maintaining high standards in the business of exhibiting, buying and selling photographs as art.

Boston Art Dealers Association

The Boston Art Dealers Association was formed in 1989 to foster cooperation among Boston’s contemporary art galleries and to create a unified voice of advocacy for contemporary art in Boston.

Charleston Gallery Association (CGA)

Charleston Gallery Association was formerly the French Quarter Gallery Association which was established over 20 years ago and included more than 25 galleries. Now we have an all-inclusive group incorporating the greater Charleston area with more than 40 art galleries currently participating.

The American Print Alliance

This should be considered as an archive site. As an organization they are not currently active. On the website you will find resources and useful links that might help in print research. The American Print Alliance is or was a consortium of non-profit printmakers’ councils in the United States and Canada.

Dallas Art Dealers Association (DADA)

The Dallas Art Dealers Association is an affiliation of established, independent gallery owners and not-for-profit art organizations in the metroplex. As a group, DADA is pledged to a high standard of ethical conduct, a devotion to consistent public service, and a dedication to professional integrity.

Denver Art Dealers Association

Members are selected for their individual contributions to the cultural life of greater Denver and adhere to ethical and lawful business practices. The art dealers and fine art galleries provides a unified voice on issues of mutual concern; to advance standards of excellence, raise awareness and stimulate growth in the visual arts throughout the front-range.

Fine Art Dealers Association (FADA)

Founded in 1990 as a non-profit membership organization of respected and established dealers from across the United States. Its members are dedicated to promoting and maintaining the highest degree of professionalism, scholarship and integrity in all business conducted with colleagues, institutions and the art buying public. Membership in FADA is highly selective and by invitation only.

Fort Worth Art Dealers Association (FWADA)

The members of the Fort Worth Art Dealers Association include independent art dealers, non-profit exhibition spaces, museums and university galleries. Association members are pledged to the maintenance of the highest standard of ethical conduct, committed to public service and dedicated to professional integrity.

International Fine Print Dealers Association (IFPDA)

IFPDA is a non-profit organization dedicated to ensuring the highest ethical standards and quality among fine print dealers, and to promoting greater appreciation of fine prints among art collectors and the general public. They support a wide variety of activities that foster a deeper understanding and appreciation of fine prints. Each year, the organization sponsors the IFPDA Fine Art Print Fair in New York City, the largest and most celebrated art fair dedicated to fine prints.

National Antique & Art Dealers Association of America

Is a nonprofit trade association of America’s leading dealers mutually pledged to safeguard the interests of those who buy, sell or collect antiques and works of art. Founded in 1954, NAADAA seeks to promote the best interests of the antique and art trade; to sponsor and organize antique and art exhibitions: and, to promote just, honorable and ethical trade practices

Portland Art Dealers Association (PADA)

The Portland Art Dealers Association, PADA, includes the city’s foremost art galleries, committed to representing the highest standards of fine art. Members of the association recognize the importance of integrity and responsibility in working with artists, collectors, museum professionals, and the entire cultural community.

San Francisco Art Dealers Association (SFADA)

Founded in 1972, is a non-profit organization composed of member galleries throughout the Bay Area. The Association is dedicated to promoting public awareness of the visual arts and furthering art education in the community. Members must be exhibiting art galleries who mount regularly changing exhibitions. All members are galleries of reputation with expert knowledge in the field of work they represent and have the highest ethical and professional standards in conducting business.

Seattle Art Dealers Association (SADA)

Established in 1990, the Seattle Art Dealers Association (SADA) consists of the city’s foremost dealers committed to representing the highest standards of fine art. Elected by their peers, members of the association adhere to the principles of integrity and responsibility in working with artists, collectors, museum professionals and the entire cultural community. The association works together to promote increased awareness of Seattle as the major international art center of the northwest.

The Antique Tribal Art Dealers Association (ATADA)

The ATADA members represent a Who’s Who of the American Indian and Tribal Art worlds. Members, offer buyers a guarantee that objects sold are as represented regarding age, authenticity and extent of restoration (if any). Furthermore, the guarantee allows buyers a full refund if the object proves to be other than represented. They also ensure that objects have been properly acquired and fall within the restrictions of laws.

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Instituto de Bellas Artes publica artículo sobra la obra de Rafael Montilla

rafael montilla

Revista del Instituto Nacional de Bellas Artes de México publica artículo sobra la obra en las calles del venezolano Rafael Montilla

La obra del artista venezolano Rafael Montilla fue objeto de análisis en uno de los artículos publicados en el más reciente número de la revista académica arbitrada Discurso Visual (Nº44 julio/diciembre 2019), que edita el Instituto Nacional de Investigación, Documentación e Información de Artes Plásticas (Cenidiap) del Instituto Nacional de Bellas Artes de México.

“El arte urbano como exploración de la cotidianidad. Consideraciones a partir de la obra de Rafael Montilla” es el título de este artículo que, escrito por la investigadora, comunicóloga y curadora venezolana Johanna Pérez Daza, forma parte del contenido del número 44 de la revista, conformado por seis trabajos de diferentes autores en torno al tema del arte urbano.

En su artículo, Johanna Pérez Daza analiza el arte urbano desde una perspectiva sociocultural y comunicacional que permite abordar la ciudad y pensar el espacio público, según describe el resumen del mismo. “La cotidianidad inserta en este plano de reflexión ofrece algunas pistas para aproximarnos a la triada artista-obra-comunidad a partir del trabajo de Rafael Montilla, quien ha asumido la calle como un soporte que amplía el alcance de su propuesta y establece vínculos con los espectadores, al tiempo que desafía la recepción pasiva y la monotonía de la urbe”.

Según destaca la autora, el trabajo de Rafael Montilla se ha expuesto en ferias, museos y galerías de Francia, Holanda, España, Venezuela, Canadá, Estados Unidos e Italia, y sin embargo su aspiración fundamental se asocia al arte urbano, por lo que toma la ciudad como soporte con la intención de estimular la contemplación y la observación, a fin de romper la rutina y la monotonía visual presentando piezas geométricas que van tejiéndose entre sí, camuflándose con el paisaje urbano.

Asimismo, Pérez Daza afirma en su artículo, entre otros aspectos, que para Montilla la calle es la vía de comunicación directa con el espectador, por lo que afirma “La calle es mi galería. Las calles son mis redes sociales”; además la investigadora se refiere a la propuesta Kubos in Action, como la marca reconocible con la que el artista recorre la geografía urbana apropiándose de espacios públicos que utiliza como base de una obra que muta de lo individual a lo colectivo, “en la que acertadamente se adopta el cubo como cuerpo sólido y congruente, características extrapolables a la experimentación visual a través de formas, líneas y movimientos, donde lo lúdico y lo rígido parecen platicar argumentadamente, sin negar los puntos de encuentro entre el sistema y la unidad, las coincidencias entre lo macro y lo particular, aquello que se repite y lo que muta a la singularidad».

Los otros artículos que se incluyen en el número 44 de la revista Discurso Visual son: “Amor de lejos… De arte urbano y distopías”, de Alfredo Gurza; “De Electronic Billboards a pantallas urbanas para la Ciudad de México”, de Adriana Dávila Ulloa; “La participación del Mujam y del arte urbano en el proceso de regeneración de la colonia Doctores”, de Christopher Vargas Reyes;Destroy the media. La reapropiación de la imagen pública”, de Pamela Xochiquetzal Ruiz Gutiérrez; y “Bansky: catalizador del arte contemporáneo”, de Antonio Pedro Molero Sañudo.

Marisela Montes

Perez Art Museum PAMM
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KUBE/MAN: RAFAEL MONTILLA EN DOS MOMENTOS

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KUBE/MAN: RAFAEL MONTILLA EN DOS MOMENTOS

Xiomara Jiménez

Kube/man, propuesta que entiende como una suerte de quiebre en el devenir creativo de Rafael Montilla y que lo ubica en la tradición del uso del propio cuerpo como un instrumento de dislocación de la identidad, búsqueda en la que estuvieron también artistas como Yenny y Nan y Nela Ochoa:

“Mirando algunas imágenes sueltas en la página de Facebook de Rafael Montilla, me detengo en las secuencias de un video en el que el artista aparece en un primer plano, sentado en el piso, maniobrando pequeños segmentos cuadriformes hechos con algún tipo de material acrílico para una composición bidimensional en proceso. movimiento acelerado con el que se sucede cada toma, hace que autor luzca como un personaje entregado al puro juego, a la manera de un verdadero infante gozoso, al finalizar la ejecución, vemos una obra concluida y expuesta en la pared de alguna galería en la ciudad de Miami; en un formidable «paño» negro centellean los blanquísimos cuadraditos, como si estuviésemos delante del propio firmamento.“Desde sus primeras colecciones, presentadas de manera expresa a partir del año 2014, Rafael Montilla ha desarrollado una gama de indagaciones sobre esa forma primaria y espacializante que representa el cubo. Tal como se define en el Diccionario de símbolos de Juan Eduardo Cirlot, esa prolongación del cuadrado es la figura de la solidez, de la tierra, incluso, Dionisio El Cartujano, agrega que el cuerpo cúbico no está destinado a la rotación, y por ello aparece asociado a la virtud de lo estable.“El artista trata el motivo, en primer término, bajo los códigos de la abstracción geométrica y en las claves de una especie de representación más bien inacabada o sugerida. Rafa Montilla ⎯como se hace llamar este creador caraqueño residenciado en Miami desde hace unos 18 años⎯ bordea en cierto sentido una preocupación por lo conceptual, formalmente nos ubica frente a un objeto que más que algo definido, plantea una idea de materialidad virtual a través del juego con intensos planos cromáticos. De esta manera, nos invita a completar una geometría básica y al mismo tiempo tan compleja; consideremos que se trata de un esquema de progresión, un primer enunciado del espacio tridimensional en su condición más depurada. Más tarde terminará en el propio espacio, mediante una serie de recursos que lo impulsan a crear artefactos y formas introducidas en ambientes reales del paisaje de la ciudad.“Pero, volvamos al punto de partida, retornemos al video preliminar, a esa ocurrencia iniciática que lo lleva a una de sus obras más recientes, Kube/man; aquí se vislumbra una suerte de quiebre, una nueva incursión. El performance aparece de manera más plena con esta propuesta de acción en la que obra y artista se convierten en uno solo. En este punto, me gustaría mencionar unos pocos ejemplos que se ubican en la tradición del uso del propio cuerpo como un instrumento de dislocación de la identidad. Recordemos por ejemplo: las acciones de la dupla creativa Yenny y Nan, pioneras en el movimiento del performance en Venezuela entre los años 1977-1986. También, el proyecto, Lejana (Caracas, 1999 Colección Museo Alejando Otero), video-instalación donde la artista Nela Ochoa se confunde entre la multitud asumiendo la identidad de una indigente urbana. Así mismo, otra variante con igual preocupación sobre el tema de una identidad desdibujada, es el memorable performance del colombiano Rosemberg Sandoval, Mugre, 1999, una propuesta transgresora en donde se anudan cuerpo y violencia urbana, a través de la manipulación de un sujeto de la calle a quien Sandoval alza en hombros, para luego utilizarlo como un «pincel humano» y así dibujar en las blancas paredes de una sala de exposiciones, la estampa de su miseria con la grasa y la suciedad que ha logrado acumular.“En una primera impresión, lo que nos propone Kube/man está cerca de la humorada; la farsa, la impostación teatral de un individuo que graciosamente irrumpe en el espacio de una sala, así como en otros ambientes de la ciudad, ataviado con un traje «cuasi espacial», no deja de ser un acto hilarante. Sin embargo, en una segunda lectura, el hecho se torna en un gesto provocador, nos confronta con una asepsia incómoda, el propio autor ha usado una caja reflectante en la cabeza a fin de instrumentalizar la cancelación de su identidad, y así mimetizarse con el espacio de sus recorridos. Este hombre-cubo se presenta como el asomo de un episodio perturbador y lleno de interrogantes por explorar, diría que en el performance nos emplaza ante sentimientos tan complejos; una figura oculta bajo la «máscara» de un cajón acristalado es una verdadera imagen de la decepción, del escepticismo, es un encuentro con la incertidumbre y hasta con el desencanto por la condición humana”.

Xiomara Jiménez, artista visual, antropóloga y curadora independiente.

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