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Friday, August 8, 2025
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Rafael Montilla: el arte como iluminación

Rafael Montilla: el arte como iluminación

Curador y crítico de arte Eduardo Planchart Licea

“Mi trabajo se basa en la abstracción geométrica y el cubo ocupa un lugar central, representa un símbolo de armonía, unidad y equilibrio de nuestra vida interna y externa.

La experimentación con diferentes materiales, técnicas y diferentes tipos de arte visual, son las líneas de mi evolución y desarrollo, al poder llevar mi obra a su mínima expresión con los elementos  básicos…” (Rafael Montilla)

La autenticidad del lenguaje visual de un artista se evidencia cuando es  eco de su visión del mundo y  Rafael Montilla  ha logrado materializarlo a través de su  obra la cual  tiene como eje   crear a través del arte un acercamiento a lo sagrado,  motivado por  la inquietud  de hacer sentir al otro que  es uno con el cosmos. Las diversas técnicas y materiales se convierten  en herramientas    para dar nacimiento a epifanías estéticas, que buscan crear atmósferas  que sanen el “yo” escindido  entre la  ajetreada realidad; atrapado en un abismo existencial que  imposibilita la reconciliación consigo mismo.  Las huellas de luz, los performances, las intervenciones urbanas,  y la abstracción pictórica son vías para expresar la urgencia de redescubrir que somos más que materia. La estética se convierte así  en una    mayéutica para provocar el acercamiento a lo trascendente, a lo impalpable, a lo presentido, como diría Jorge Oteiza (1908-2003) la función del arte es la salvación  y  una vía  de acercamiento a la divinidad.

La búsqueda por encontrar horizontes donde existir acobijado por lo sagrado  fuera parte del día a día  lo llevo a la India,  durante años se dedicó el artista a buscar respuestas a sus inquietudes  recorriendo y  conociendo gurús, maestros, monasterios, ashrams de la milenaria  civilización, vivencias que se han   transformando en las últimas décadas en  arte. Así una de las raíces de este lenguaje visual  son las semillas e inspiraciones que nacieron en las orillas del Ganges entre los  terraplenes que llevan a estas oscuras aguas liberadoras del Karma.

 “Motivado por mi evolución espiritual   por la inconformidad que sentía al ver el sin-sentido de las vida  y encontrarle un sentido trascendente,  me adentre en una mística personal y fui en ese camino recogiendo pequeñas perlas en la juventud para dirigir estas inquietudes   a través de las vivencias guiadas por  lecturas  como la Autobiografía de un Yogui de Paramahansa Yoganda, los libros de Vivekavanda…Y cuando pude cumplí el sueño de conocer estas verdades donde habían brotado, a principios de los noventa  había ido cuatro  o cinco veces a la India,  por periodos  de dos o tres  meses.”(Diarios de la India, Rafael Montilla, 2021)

Con el tiempo ha ido  creando un lenguaje visual que sigue madurando para crear  metáforas estéticas que acerquen al otro al cosmos. En la  fotografía se evidencia esto en la serie  “I Love Miami”,  donde materializa composiciones de amaneceres, y atardeceres  oceánicos   donde lo uránico y lo telúrico, el cielo y la tierra se   funden. Instantes   que  dan paso  a lo solar,  a una realidad clara y definida al escapar de la trama nocturna, o el tránsito a la oscuridad de donde muere  la luz  que hace nacer lo indefinido, el cielo estrellado puente a la ensoñación. Son fotografías que invitan al otro acercarse a estas realidades alternas que nos recuerdan que somos polvo de estrellas hecho conciencia.    

 El  artista desea comunicar al otro qué la realidad no es tal como la percibimos,   y  que podemos acceder a ella al  limpiar las puertas de la percepción que nos permitan conocerla  como un todo dinámico a través del encuentro con el  Ser. Busca  crear así  atmósferas  para este milagro al crear     portales estéticos que guían el mirar y el sentir de lo numinoso.

 Estas ideas se transforman  en el  performance del “Hombre-Cubo” o “Kube-Man  vestido cual astronauta  con el rostro cubierto con un cubo-espejo, donde  a través del  reflejo el  artista se fusiona con su entorno, escapando simbólicamente a su ego y al dualismo gnoseológico (Yo-Tu).  La parte superior del cubo-espejo une  lo uránico,   lo  estelar  con lo telúrico creando una coincidencia de opuestos. Estamos  ante el individuo como microcosmos unido al macrocosmos  visualmente y conceptualmente.  Este curioso deambulante estelar  camina despreocupadamente entre la urbe cubierto de blanco color que es  uno y todos,  asociado a la pureza, la iluminación. Al acercarse un desprevenido  transeúnte   es  sorprendido  tanto por la extraña presencia como al verse reflejado en él. En lugar  de encontrar  el rostro del paseante cúbico  se encuentra a sí, se establece un reencuentro del yo con el yo (yo=yo), que recuerda al retraerse en sí como un caracol para encontrarse  con la dimensión  interior.

 Así como el “Hombre-Cubo” se convierte en parte del cosmos,  borrando con su traje su individualidad a través de  lo cúbico que  simboliza el todo,    forma que  desde la antigüedad representa los elementos de que estaría formado el universo: Tierra, agua, aire y fuego… Al caminar por  la urbe,   éste cúbico espejo andante  provoca que el otro rompa con la ilusión de que somos islas aisladas en el planeta, cuando en realidad la humanidad es una biomasa y energía que respira el mismo aire, es acariciada por las mismas radiaciones solares, y los mismos elementos químicos que integran estrellas, planetas, satélites  circulan en la sangre y están dispersos en la corporeidad.  

 Una mañana del año 2019 en la playa de Key Biscayne de Miami se vieron flotar    varios cubos blancos vacíos resplandecientes inclinados sobre su eje, contraviniendo la ley de gravedad, y  el sentido común. Algunos se habrán preguntado mientras descansaban solasadamente: ¡¿qué?¡ Será aquello.  Con este simplemente acto de pensamiento el artista   logra que él otro cuestione la realidad al preguntarse sobre ella; otros simplemente se podrían haber dejado hechizar por la belleza de la instalación, y quizás buscarían información sobre lo que veían; pero curiosamente no encontrarían como referencia ningún dato que los orientara en este sentido como una valla, o un rotulado  que le permitiera saber algo sobre qué eran esos cubos, o sobre su autor. Esto no es un azar sino  responde a que la propuesta estética de Rafael Montilla plantea metáforas para liberar al otro del peso  del yo, y confrontarlo a vías de fundirlo a su entorno vivencialmente, crea así  una  estética de la paradoja y de reencuentro del Ser con el todo. El vacío interior del cubo representa la noche oscura del reencuentro con el alma, o  la nada en que  se adentra  Gautama para convertirse en Buda.

Es una  instalación oceánica hecha con plástico reciclado provenientes de contenedores de alimentos, que   reutilizan  polímeros que están convirtiendo la mar en un gigantesco basurero y de islas de desechos industriales. Se  está ante el poder del arte para crear  instalaciones que seducen y transmiten al horizonte una dimensión de mistérica-belleza,   y a su vez crean un discurso conceptual abierto, pues estas estructuras   abren la imaginación del otro a buscar  respuestas al porqué y  al cómo de las esculturas flotantes, con las que el artista cosmopolita interviene el espacio extra museístico y  extraurbano.

La instalación de cubos inclinados variara  su significación de acuerdo al espacio donde se ubica,  al estar flotando sobre el azul oceánico se asocia al dinamismo y vitalidad  del mundo acuático pleno de vida y energía; pero si se encuentra sobre el verde césped de un parque se asocia a  lo telúrico y   a los ciclos de fertilidad propios de la naturaleza. Esta forma geométrica se ha convertido en un elemento  del lenguaje plástico de Montilla en diversos materiales, técnicas y lenguajes visuales, así los crea y ubica para  crear intervenciones urbanas sobre rejas metálicas,  aceras, autopistas, paredes, puertas. Se inspira esta forma geométrica  en la arquitectura sagrada de la India, en templos como la stupa de  Boudhatha o de los ojos de Buda en las afueras de Katmandú, Nepal donde en el vértice de su bóveda acebollada se encuentran  los ojos de Buda, pintados en cada uno de los cuatro lados del  cubo,  simbolizan  la omnisciencia y omnipresencia. Motivo simbólico presente tanto  en la arquitectura sacra de Nepal y Tíbet como en los hogares y    los caminos perdidos del Himalaya. 

Acercarse al proceso creativo del artista, nos  lleva  a una visión del mundo centrada en mostrar vías  que evidencien   que todo se transforma y deviene en energía,  uniéndose en estos ciclos  la realidad  material con  la espiritual que palpita en cada ser. El arte sería así un puente comunicante a esta dimensión mística. Una metáfora a esta dinámica es cómo surgió la primer instalación urbana de la serie Big Bang, nacida del material plástico sobrante con que construyo  los cubos  de la instalación marina, al convertirlo en formas planas para crear  la instalación estelar   de Miami en Wynwood  Wall lugar por excelencia de los grafiteros de Florida.   Recreación poética visual de la explosión que dio origen al universo tanto en diversos textos sacros de la India como el Rig-Veda (10.29).

 Desde una perspectiva científica de igual manera el físico Stephen Hawking plantea la  teoría  sobre el origen del universo a partir de una gran explosión que lanzó en todas las direcciones la materia que ahí y dio nacimiento al tiempo y a un universo  en expansión. La intervención urbana    se ubicó sobre una pared negra metáfora del espacio sideral,  integrada por cientos de rectángulos, cuadrados, rombos,  y formas diamantinas  de plástico blanco  para crear una  mándala cósmico. Investigación que se convirtió en la serie Big Bang en la cual Montilla sigue investigando, y algunos de sus resultados  han sido exhibidas  en el Museo de Coral Gabe, en galerías de Florida y en la Bienal de Tijuana, México, 2021.  

La obra pictórica del artista es proyección también de su filosofía estética,  de ahí que su lenguaje plástico sea la abstracción a través de  colores planos y puros, en formatos  no tradicionales  que  asumen   formas en armonía con la cromática de cada pintura. Es  está una geometría del Ser que comunica al otro   metáforas   del silencio interior,  al centrar la mente y alejarla de las corrientes del pensamiento,  para lograr  niveles de conciencia que buscan la nada, el vacío interior que  transforman la existencia. Asume   la abstracción pues los lenguajes pictóricos figurativos y  expresionistas se encuentran anclados en la realidad,  atrapandonos  en lo que los hindúes llamarían maya (ilusión, ignorancia). Tanto su paleta como su geometría están influenciados por las vivencias que tuvo en la India. Esto se hace patente cuando leemos su Diario de la India, al percibir el paralelismo que existe entre su paleta y la geometría que caracteriza sus cuadros que  se hacen ecos visuales de estas vivencias

“Los blancos, grises,  rojos, amarillos, azules, anaranjados, verdes, morados contrastaban  con los coloridos saris  que las mujeres lavaban junto a todo tipo de ropa de vestir. Pero mis ojos eran atrapados por la abstracción geométrica que formaban las sábanas, manteles, cobijas fundas, paños   cuadrados,  rectangulares que  estaban lavados y extendidos sobre las escaleras para que el sol las secara… Las escaleras de los terraplenes estaban pintadasde blanco con dibujos rojos junto a los llamativo  templos a Shiva, Indra, Ganesha.., unos al lado de otro,  cada uno de un color diferente, eran como pinturas de abstracciones geométricas de  diversos colores, tonalidades, texturas, combinaciones, armonías y atributos de formas y colores similares a  las decenas de saris de las mujeres y niñas que se bañaban juntas una al lado de la otra, en las orillas donde el canvas era el Ganges.”(Diario de la India, Rafael Montilla)  

OPEN CALL TO MIAMI DADE ARTISTS

OPEN CALL TO MIAMI DADE ARTISTS
TO PAINT DOGS AND CATS SCULPTURE

Click online application

INVITATION TO THE MIAMI DOGS AND CATS WALKWAY CONTEST

The Board of Directors of Bayfront Park Trust and the City of Miami, is pleased and honored to invite all local artists to take part in a competition to creatively and tastefully paint and/or decorate one of the 50 aluminum sculptures that will adorn the Dogs & Cats Walkway at the Maurice Ferré Park in Downtown Miami, along the Biscayne Bay.

The goal of this innovative project is to enhance the beauty of the existing park and attract visitors to it by having a unique open and permanent art exhibition completely free to the public. The exhibition will display large painted sculptures of different dog and cat breeds, aimed at exalting the human-pet relationship and raising awareness towards animal compassion.

The main goal of this contest is to promote the creation of quality works of art that reflect the rich diversity of cultures of our city, advertise Miami as the Capitol of the Arts, and market it as the Capitol of Latin America.

Benefits to the Community

  • This park will make the surrounding community safer by offering a secure area for people and their pets to exercise and socialize away from busy streets.
  • This park will allow owners a chance to be physically active with their pets while enjoying unique pieces of art.
  • This park will bring communities closer and build a dog-friendly network, allowing users to meet more people and improve their social life.

Competition Guidelines

  • This contest will be open to Miami-Dade artists, and the selection will be based on the artistic merit of their proposals.
  • The theme of submitted art projects must be related and inspired exclusively by nature and its wonders.
  • Topics, images, or messages related to politics, religion, and sexual expressions are not allowed.
  • All sculptures will be delivered to the selected artists with a neutral primer coat paint. Special weather-resistant paints are required to work on the aluminum figures, but these paint materials will be provided at no cost to the selected artists by Bayfront Park.
  • Bayfront park will be giving a payment to each dog, cat, puppy and kitten paintend. For large dogs and cats $1,500 and $1,000 for puppies and kittens.

Art Proposal Requirements

  • This is a competitive request for proposals; local artists are highly encouraged to participate.
  • All submissions must be done online through the Bayfront Park official contest webpage.
  • To qualify for entry, artists should reside within Miami Dade County.
  • Artist must have a safe and secure space large enough to work on a sculpture of approximately 10′ x 10′.
  • Artists must fill out the online application, including name, address, email, phone number, current resume or artists’ biographical statement outlining their experience.
  • Artists must submit 2 sketches in JPEG format with proposals and list the technique to be used.
  • Artists can choose a cat or a dog sculpture.
  • Deadline for art proposal submissions: May 1

Awarding Criteria

The Bayfront Park Trust Board of Directors, along with designated contributors, will evaluate each artist’s sketches and submissions and will award accordingly.

Award Type

In recognition and appreciation for the artist’s outstanding work, creativity, and artwork donation to the City of Miami, special credit will be given to each artist selected to paint a sculpture. The awards will consist of a permanent and lasting public exhibition of the artworks selected at the Maurice Ferré Park, a plaque honoring the artist’s biography, including a description of their work with a QR code to openly promote his/her web or social media site and work.

Award Announcements:  June 1st

EXHIBICIÓN “CON CIERTO SENTIDO”

Con Cierto Sentido
Con Cierto Sentido

ARTE PARA VIVIR

EXHIBICIÓN “CON CIERTO SENTIDO”

23 de Abril al 10 de Mayo

De 6 pm a 9 pm

4000 WEST FLAGLER ST, CORAL GABLES 33134

Les vengo a hablar de tres maneras muy distintas de ver y representar, tres maneras de hacer y soñar, tres maneras  diferentes de dibujar aunque dos compartan el mismo apellido y ciertamente, los tres, el amor y la pasión por el Grabado, los tres fueron miembros del Taller Experimental de Grafica de la Plaza de la Catedral en la Habana y los tres pasaron por San Alejandro, esa vetusta Academia de Artes fundada hace muchísimo tiempo por el mismísimo Don Francisco de Goya y Lucientes, Pintor del Rey, donde uno fue profesor, y dos de ellos, alumnos.Les traigo hoy dos Moyas a propósito, con sentido cierto, dos por falta de uno, padre e hijo, y a un Rojas, que hoy juntan sus haceres en un concierto sentido, en esta mancuerna de imágenes virtuosas, estos sorprendentes y magníficos dibujos y grabados sobre papeles diversos y en diferentes formatos, pobre soporte para tanta pesadilla suelta, tantísimos monstruos desvelados corriendo entre manchas y luces, entre blancos, negros y desgarros de colores, retorcidos atisbos de razón o de cordura en esta bellísima cacofonía de imágenes y seres que hablan de soledades, de amores desesperados, de abrazos, de dolores, de vida y muerte.Y todo esto con un despliegue absoluto de oficio, de buen hacer, de maestría. Hoy les dejo algo, una muestra mínima de la obra de estos tres artistas que son, además, buenos amigos, José Moya, Lorenzo Moya Junior y Agustín Rolando Rojas, disfrútenla.

SARA ISABELLA

Concrete Cuba: Cuban Geometric Abstraction from the 1950s

Concrete Cuba: Cuban Geometric Abstraction from the 1950s
Concrete Cuba: Cuban Geometric Abstraction from the 1950s

Concrete Cuba: Cuban Geometric Abstraction from the 1950s

Concrete Cuba marks one of the first major presentations outside of Cuba to focus exclusively on the origins of concretism in the country.

Buy in Amazon.com Concrete Cuba Cuban Geometric Abstraction from the 1950s

Radical political shifts that raged throughout Cuba in the 1950s coincided with the development of Cuban geometric abstraction and, notably, the formation of Los Diez Pintores Concretos (Ten Concrete Painters). The decade was marked by widespread turmoil and corruption following the 1952 military coup and by rising nationalist sentiments. At the same time, Havana was undergoing rapid urbanization and quickly becoming an international city. Against this vibrant backdrop, artists sought a new visual language in which art, specifically abstract art, could function as political and social practice.

Concrete Cuba includes important works from the late 1940s through the early 1960s by the twelve artists who were at different times associated with the short-lived group: Pedro Álvarez, Wifredo Arcay, Mario Carreño, Salvador Corratgé, Sandú Darié, Luis Martínez Pedro, Alberto Menocal, José M. Mijares, Pedro de Oraá, José Ángel Rosabal, Loló Soldevilla, and Rafael Soriano. Many of the group’s members had traveled widely in the preceding years and corresponded with those at the forefront of European and South American abstract movements.

Produced on the occasion of the major exhibition at David Zwirner, Concrete Cuba is the first in-depth catalogue on the subject to be published in English; the show offered a “wonderful taste of a very complicated history,” according to Roberta Smith of The New York Times. With an extensive plate section, which includes works from the exhibition and a selection of important pieces from the permanent collection of Museo Nacional de Bellas Artes, Havana, this volume provides readers with a rich visual experience of this crucial period in modernism’s history. The catalogue also features an extensively researched illustrated chronology, compiled by Susanna Temkin, which tracks the development of the period artistically and politically from 1939 through 1964. New scholarship by Abigail McEwen offers an interpretative framework for this group of artists, and a deeper understanding of the forces behind the development of this movement. Also included is a conversation between Lucas Zwirner and Pedro de Oraá, one of the central members of Los Diez.

Concrete Cuba: Cuban Geometric Abstraction from the 1950s

Text by Abigail McEwen. Interview with Pedro de Oraá by Lucas Zwirner. Illustrated chronology by Susanna Temkin

Radical political shifts that raged throughout Cuba in the 1950s coincided with the development of Cuban geometric abstraction and, notably, the formation of Los Diez Pintores Concretos (Ten Concrete Painters). The decade was marked by widespread turmoil and corruption following the 1952 military coup and by rising nationalist sentiments. At the same time, Havana was undergoing rapid urbanization and quickly becoming an international city. Against this vibrant backdrop, artists sought a new visual language in which art, specifically abstract art, could function as political and social practice.

Concrete Cuba marks one of the first major presentations outside of Cuba to focus exclusively on the origins of concretism in the country. It includes important works from the late 1940s through the early 1960s by the twelve artists who were at different times associated with the short-lived group: Pedro Álvarez, Wifredo Arcay, Mario Carreño, Salvador Corratgé, Sandú Darié, Luis Martínez Pedro, Alberto Menocal, José M. Mijares, Pedro de Oraá, José Ángel Rosabal, Loló Soldevilla, and Rafael Soriano. Many of the group’s members had traveled widely in the preceding years and corresponded with those at the forefront of European and South American abstract movements.

Produced on the occasion of the major exhibition at David Zwirner, Concrete Cuba is the first in-depth catalogue on the subject to be published in English; the show offered a “wonderful taste of a very complicated history,” according to Roberta Smith of The New York Times. With an extensive plate section, which includes works from the exhibition and a selection of important pieces from the permanent collection of Museo Nacional de Bellas Artes, Havana, this volume provides readers with a rich visual experience of this crucial period in modernism’s history. The catalogue also features an extensively researched illustrated chronology, compiled by Susanna Temkin, which tracks the development of the period artistically and politically from 1939 through 1964. New scholarship by Abigail McEwen offers an interpretative framework for this group of artists, and a deeper understanding of the forces behind the development of this movement. Also included is a conversation between Lucas Zwirner and Pedro de Oraá, one of the central members of Los Diez.

Publisher: David Zwirner Books

Artists: Pedro Álvarez, Wifredo Arcay, Mario Carreño, Salvador Corratgé, Sandú Darié, Luis Martínez Pedro, Alberto Menocal, José Mijares, Pedro de Oraá, José Ángel Rosabal, Loló Soldevilla, Rafael Soriano

Contributors: Abigail McEwen, Pedro de Oraá, Susanna Temkin, Lucas Zwirner

Designer: Henk van Assen

Printer: VeronaLibri, Verona, Italy

Publication Date: 2016

Binding: Hardcover

Dimensions: 9 3/4 x 11 in (24.8 x 27.9 cm)

Pages: 192

Reproductions: 122 color, 55 b&w

ISBN: 9781941701331

Retail: $55 | £40 | €54

Status: Available

Abigail McEwen

Abigail McEwen is associate professor of Latin American art at the University of Maryland, College Park. She received her PhD from the Institute of Fine Arts, New York University, in 2010, and joined the faculty at the University of Maryland that year. She is an affiliated faculty member of the Latin American Studies Center. McEwen’s own book, Revolutionary Horizons: Art and Polemics in 1950s Cuba, is forthcoming in 2016 from Yale University Press.

Pedro de Oraá

In 1957, artist, poet, and art critic Pedro de Oraá cofounded the Galería Color-Luz in Havana with his partner and fellow artist Loló Soldevilla. The gallery served as an important center for the development of abstract art in Cuba. In 2015, in recognition of his prolific career, de Oraa´ was awarded Cuba’s Premio Nacional de Artes Plásticas.

Susanna Temkin

Susanna Temkin is assistant curator at the Americas Society/Council of the Americas, New York. She earned her PhD from the Institute of Fine Arts, New York University, where her research focused on modern art in the Americas. Her doctoral dissertation centered on Marcelo Pogolotti, a key figure from the first generation of modern artists in Cuba and a participant in the international avant-garde.

Lucas Zwirner

Lucas Zwirner is editorial director at David Zwirner Books, where he recently began the ekphrasis series, dedicated to publishing short texts on visual culture by artists and writers, rarely available in English. He has also written on numerous contemporary artists and translated books from German and French.

About the Author

Abigail McEwen is associate professor of Latin American art at the University of Maryland, College Park. She received her PhD from the Institute of Fine Arts, New York University, in 2010, and joined the faculty at the University of Maryland that year. She is an affiliated faculty member of the Latin American Studies Center. McEwen’s own book, Revolutionary Horizons: Art and Polemics in 1950s Cuba, is forthcoming in 2016 from Yale University Press.

Susanna Temkin is assistant curator at the Americas Society/Council of the Americas, New York. She earned her PhD from the Institute of Fine Arts, New York University, where her research focused on modern art in the Americas. Her doctoral dissertation centered on Marcelo Pogolotti, a key figure from the first generation of modern artists in Cuba and a participant in the international avant-garde.

AMERICANS: CURRENT IMAGINARIES

Sergio Cesario Precious (2022)
Sergio Cesario Precious (2022) 36x36x1 inches 91x91x2½ cm Photography mounted under acrylic / plexiglass Ed 1 of 5

AMERICANS: CURRENT IMAGINARIES
Curated by Dr. Milagros Bello*
At the European Cultural Center/Palazzo Bembo
In the context of the 59th Venice Biennale

The exhibition proposes a creative visual topography of artists of the Americas, shaping out expanded visions of the USA, Central America, and the South American regions. With distinctive spirits and different points of departure, the artists expose diverse imaginaries of 21st Century America. Each artist’s expression reveals a work that emerges from personal mythologies and respective cultural territories. Art represents a complex visual tissue that summons the artist’s inner and outer global and local dimensions. Art forms a magical outcome that visually accounts for the artist’s experience crystalizing society, whether figurative or abstract.
This American group’s seminal diversity stems from a Continental multifaceted complexity, comprised of Beatriz Sanchez (Venezuela), Carola Orieta-Sperman (Argentina/USA), Clark Medley (USA), Diana Ocampo (Colombia), Eliana Barbosa (Brazil/USA), Grehyni Narvaez (Venezuela/USA), Karina Matheus (Venezuela/UK), Lorien Suarez-Kanerva (USA), Matt Jacobs (USA), Meg Cogburn (USA), Mercedes Inaudi (Venezuela/USA), Ricardo Carbonell (Venezuela), Robert Brandwayn (Colombia), and Sergio Cesario (Brazil/USA).

Beatriz Sánchez Flowers and Crystals (2020)
Beatriz Sánchez
Flowers and Crystals (2020)
20x20x3 inches
50¾x50¾x7¾ cm
Mixed media (objects and paper collage) on PVC
Beatriz Sánchez Fluttering Butterflies (2020)
Beatriz Sánchez Fluttering Butterflies (2020)
20x20x3 inches 50¾x50¾x7¾ cm
Mixed media (objects and paper collage) on PVC

Beatriz Sanchez (Venezuela) presents profuse compounds of objects and mixed media collages of high tenure. The artist exposes personal mythologies and recollections of life experiences in a complex chain of articulated signifiers from domesticity to womanhood, from nature to culture, as a lifetime’s soul-searching endeavor.

Eliana Barbosa Indian boy (2019)
Eliana Barbosa Indian Boy (2019)
12x12x1 inches 30½x30½x2½ cm
Photography on acrylic
Eliana Barbosa Lady from the past (2021)
Eliana Barbosa Lady From The Past (2021)
12x12x1 inches 30½x30½x2½ cm
Photography on acrylic
Eliana Barbosa Death and life (2019)
Eliana Barbosa Death And Life (2019)
12x12x1 inches 30½x30½x2½ cm
Photography on acrylic

Eliana Barbosa (Brazil/USA) exposes critical de-figured and ghostly characters as a crystallization of the pandemic – collapsing and outgoing. The image is produced in a reconstructed process, combining outlines of ephemeral silhouettes painterly dropped over a surface of a large can and then photographed before the image dissolves onto the white paint.
The photographic digital capture becomes the final work of this transposed hybrid method of
creation.

Ricardo Carbonell Untitled I (2021)
Ricardo Carbonell Untitled I (2021)
12x24x1½ inches 30½x61x3¾ cm
Collage on canvas
Ricardo Carbonell Untitled II (2021)
Ricardo Carbonell Untitled II (2021)
12x24x1½ inches 30½x61x3¾ cm
Collage on canvas
Ricardo Carbonell Untitled III (2021)
Ricardo Carbonell Untitled III (2021)
12x24x1½ inches 30½x61x3¾ cm
Collage on canvas

Ricardo Carbonell (Venezuela) assembles rhythmic tensions and dynamic collisions in a pure minimal approach to non-objective art. He evokes imaginary trials and trajectories and masters an abstract collage technique through cut-outs of electric tape strips that he ordered in mathematical sequences and geometrical shapes over a canvas.

Diana Ocampo Y tú aparecerás en otra estrella (2020)
Diana Ocampo Y Tú Aparecerás En Otra Estrella (2020)
12x24x1½ inches (diptych) 30½x61x3¾ cm
Mixed media
Diana Ocampo Y tú aparecerás en otra estrella (2020)
Diana Ocampo Y Tú Aparecerás En Otra Estrella (2020)

Diana Ocampo (Colombia) recalls personal narratives and autobiographical displays photo-collaged from childhood photos. Painterly erasures over minimal white backgrounds fade out and recover memories of her lost father in fragmented scenes. With a twist of introspection, the artist sets up the lasting sense of eternal human ties.

Sergio Cesario Precious (2022)
Sergio Cesario Precious (2022)
36x36x1 inches 91x91x2½ cm
Photography mounted under acrylic / plexiglass Ed 1 of 5

Sergio Cesario (Brazil/USA) proposes a digitally post-produced photographic image that re- purposes his original creative imaginary. The initial photograph is de-composed as traces of a fictional plane through multiple allusions and intimations. Diluted multicolor, serpentine lines and space dissolutions in vibrational matrixes transpose reality into invisible pictorial realms of hidden introspection.

Meg Cogburn Black horse (2020)
Meg Cogburn Black Horse (2020)
30x48x1½ inches 76x123x3¾ cm
Acrylic on canvas

Meg Cogburn (USA) visually interprets biblical figures as hopeful visions of regeneration and spiritual enlightenment for humanity in cryptic messages. Figurative characters of dream-like imagery ooze in the pictorial scene, assuming transformative roles. In Horses of the Apocalypse’s Famine, the horse rider appears as a stone-like personage, and his horse is rigidly crashing on the ground. Still, they are surrounded blissfully by buoyant green growth and the alpha and omega renaissance emblems.

Matt Jacobs Hallucination (2021)
Matt Jacobs Hallucination (2021)
36x24x1 inches 91½x61x2½ cm
Oil on wood
Matt Jacobs Pink Cupcake (2021)
Matt Jacobs Pink Cupcake (2021)
8x10x1 inches 20×25½x2½ cm
Oil on wood
Matt Jacobs Cupcake on a carpet (2021)
Matt Jacobs Cupcake On A Carpet (2021)
8x8x1 inches 20x20x2½ cm
Oil on wood

Matt Jacobs (USA) shows small sumptuous, lush nature paintings, reshaping the concept of the horror vacui of the Baroque period. His works are rhapsodic landscape visions of highly sensual profuse foliage arranged in pastoral settings of abundant greenery with a contrasting focally meaningful figure such as his seductively luscious cupcake.

Grehyni Nárvaez White Lips (2018)
Grehyni Nárvaez White Lips (2018)
7¾x15x4 inches 20x38x10 cm
Fiberglass sculpture

Grehyni Narvaez (Venezuela/USA) presents a solid tridimensional allusion to the feminine spirit in our Western culture. The sculpture shows a sensual and tactile representation of a woman’s white lips, an all-encompassing signifier of allurement and desirability. The body part, in its whiteness, projects a magnetism to the viewer through silent eroticism and glamour.

Karina Matheus The skies turned to gold (2022)
Karina Matheus The Skies Turned To Gold (2022) 3
6x36x2 inches 91x91x5 cm
Acrylic / Flashé on canvas

Karina Matheus (Venezuela/USA) proposes abstract colorful brusque, and tangential brushstrokes over a canvas that reveals her inner drives and spiritual meditations. It is a nonrepresentational approach that evokes musical tonalities and emotional feelings, imaginary sounds, and timbres in different tempos that project expressive dimensions of the spirit.

Mercedes Inaudi COVID Monalisa (2022)
Mercedes Inaudi COVID Monalisa (2022)
16x16x2 inches 40½x40½x5 cm
Mixed media on wood

Mercedes Inaudi (Venezuela/USA) presents COVID Monalisa, a mixed media collage of intertextual references to the current COVID pandemic. A defiant masked woman with a challenging gaze towards calamity appears on the right, while a group of red shapes on the left allude to the virus. A busy composition with phrases, fonts, and writings, collated and finished with mixed media, wax, and encaustics, reveals the intensity of the interrelated concerns of the artist.

Robert Brandwayn Light Condenser I (2018)
Robert Brandwayn Light Condenser I (2018)
8x8x1½ inches 20¼x20¼x3¾ cm
Mixed media on wood
Robert Brandwayn Light Condenser II (2018)
Robert Brandwayn Light Condenser II (2018)
8x8x1½ inches 20¼x20¼x3¾ cm
Mixed media on wood
Robert Brandwayn Light Condenser III (2018)
Robert Brandwayn Light Condenser III (2018)
8x8x1½ inches 20¼x20¼x3¾ cm
Mixed media on wood

Robert Brandwayn’s (Colombia) mixed media and gold leaf works show images of loss and memory tracing the past as an infinite recourse from the collective memory of the Jewish people’s ordeals. Ghostly photos and ancestral writings resurge into the present, where seals and scriptures interlace as testaments of resilient voices revived generationally for perpetuity.

Clark Medley In the beginning, there was only one language (2020)
Clark Medley In The Beginning, There Was Only One Language (2020)
72x48x1½ inches 183x109x3¾ cm
Mixed media

Clark Medley (USA) presents an Arabesque-like alphabet that conjures Chinese, Arabic, Japanese, Judaic, and Hindi calligraphies as new glyphs with existential resonances of personalized scripts. Collapsing turns and twists of visual writing appear in imaginary fonts with pulsating repetitive movements that transcribe the artist’s perceptual and auditory experiences.

Carola Orieta-Sperman Flame Mandarine II (2021)
Carola Orieta-Sperman Flame Mandarine II (2021)
33x20x20 inches 84¾x50¾x50¾ cm
Laser cut acrylic

Carola Orieta-Sperman’s (Argentina/USA) laser-cut acrylic sculpture robustly expands towards the outer negative space in incessant turns of flamboyant allure. In the Flame Mandarine Series, cosmic fire energy materializes as continuous movements of spiral ascension. Evanescent organic forms of enduring energy propagate as fractal attractors echoing systemic cosmic chaos.

Lorien Suárez-Kanerva Wheel within a wheel 119 (2018)
Lorien Suárez-Kanerva Wheel Within A Wheel 119 (2018)
40x40x2 inches 101½x101½x5 cm
Acrylic on canvas

Lorien Suarez-Kanerva’s (USA) imposes networks of spirals, rectangles, and concentric circles in reiterative integrated patterns that expand and retract in astounding visual interactions. On a pulsating rhythm, its movement’s continuum appears superimposed through imaginary blades that open from a center point in centrifugal directions towards the outer space as a unceasing rotational undertaking.
Milagros Bello, PhD

Curator of the show

*Curator Dr Milagros Bello holds a PhD in Sociology with a doctoral thesis in Sociology of Art
from Sorbonne University (Paris VII-Jussieu), Paris, France. Dr Bello is an art critic member of
the International Association of Art Critics (AICA). Dr Bello has curated numerous shows in
contemporary art locally and nationally; she is an art writer for local and international art
magazines and a former Senior Editor of Arte Al Dia International art magazine. Since 2000,
Bello has taught as a professor of art and critical theories at the Florida International University,
Florida Atlantic University, Miami International University (The Art Institute/Miami), and the
Istituto Marangoni/Miami. From 2010-2020, she was the director and chief curator of Curator’s
Voice Art Projects in Miami, Florida/USA, which pivoted to the new MIA Curatorial Projects
due to the pandemic.

Dora Gabay abre su Galería

D Gabay Galería & Tienda
D Gabay Galería & Tienda

Dora Gabay abre su Galería en el histórico Cauley Square.

Este sábado 16 de abril

D Gabay Galería & Tienda

La escultora venezolana radicada en Florida Dora Gabay abre su Galería & Tienda como un espacio para la promoción de artistas en consolidación en el mercado norteamericano.

 La galería Gabay está ubicada en un espacio histórico y rodeada de un bosque seductor que suma a la experiencia de sentir la magia del color y del arte en una hermosa edificación de madera que data de la era del visionario empresario Flagger.
La apertura de la galería será con la exhibición del Five Art Project:
5 artistas latinoamericanos que apuestan por el color como medio expresivo para estimular en el espectador a sentir el arte como un acto de magia.

Dora Gabay


Esculturas de Dora Gabay
Pinturas de
Carlos Ayube
Alexander Martínez
David Acosta y
Yovany Saracual

Estos artistas confirmarán la muestra de esta colectiva que abre al público el venidero Sábado 16 de abril de 2022 desde las 3 de la tarde. La escultora Gabay abrirá el espacio también a la moda y sus accesorios nacidos desde el valor artístico o artesanal . Piezas de serie limitadas o nacidas del reciclaje podrán ser adquiridas en este espacio alternativo y genuino.
 Dora Gabay desde su taller también impartirá clases mensuales de escultura promoviendo
el desarrollo de nuevos artistas de esta disciplina en el sur de Florida.
D Gabay Galería & Tienda
12320  Old Dixie  Hwy Miami , Florida 33170 Cauley Square.

BOB BONIES

bob bonies
bob bonies

BOB BONIES

Bob Bonies can be considered to be a successor of the “de Stijl” movement in as much as he did not just restrict himself to free art alone but extended his artistic work to architecture, industrial design, and art teaching, and exemplified the aim of those pioneers who wanted to use their artistic ideas for shaping their surroundings. Moreover, he can also be considered a pioneer of the second generation, as his constructivist painting imparted a new impetus to the geometric direction of art in the Netherlands of the 1960s.

Were one to look for a conceptual motif in Bonies’ art work, one would in the first instance cite the theory of Josef Albers on “The Unity behind the Many” and “The Many behind the Unity”. His method, however systematic it may be, is directed less towards the programmatic and more towards investigating the potential of variables. Thus, Bonies’ art work does not develop in a serial way as is usual in the constructivist domain, but rather in a sequence of cycles of works whose themes recur with varied points of view.

The only fixed factor in Bonies’ investigation over many years into color and form is his handling of colors: he has always used and today still uses only four colors, namely the three primary colors red, yellow and blue, the secondary color green (as the complementary color of red) and the noncolor white. 

The basic colors and forms appear in different systems of arrangements, of which there are, as regards their number and combination, essentially two types of picture. First there is the closed and contained absolute shape of the square which dominates Bonies’ work and which also occurs standing on a corner (diamond), and then there is, so to speak, the polarly opposed type, the “shaped canvas”, which is sometimes included in the shaping of the picture. This novel shape was developed by American artists during the 1960s and was intended to free them from the traditional rectangular pictorial shape in order to achieve a congruence between picture and format, as well as at the same time attaining an enhanced objectivity.

CHABOT FINE ART     


Noordeinde 95
2514 GD The Hague
The Netherlands

[email protected]

Leny-Marie Chabot: (+31) 6 18 13 74 29

Alexandra Siebelink: (+31) 6 13 97 69 94

El DJ ítalo-brasileño Code CSD

El DJ ítalo-brasileño Code CSD presenta su nueva canción, “Love it”

El joven productor de música electrónica -que habla español- es secundado en el tema por el cantante Danny Lacayo, de sangre guatemalteca y nicaragüense.

“Love it” está disponible en todas las plataformas digitales, incluyendo Youtube y Spotify.

Con solo 20 años de edad, Code CSD es una gran promesa de la música bailable internacional: se viene preparando desde la adolescencia y se ha radicado aquí hace menos de dos años para impulsar su carrera. 

Nació en Brasil, pero transcurrió su vida en Milán (su padre es italiano y su madre, brasileña). Compuso “Love it” junto a Lacayo. “Es una canción alegre, con música house y también con un toque de pop porque la grabamos con un bajo y otros instrumentos”, explica.

“Love it” es parte de un ambicioso proyecto de Code, que incluye el lanzamiento de varios temas junto a Lacayo, a quien invitó a participar luego de verlo en un video de Tik Tok. “Tiene una voz increíble”, afirma

La dupla Code/Lacayo presentó el tema “Intro” el 18 de marzo. Ahora hace lo propio con “Love it”. El 29 de abril verá la luz “Trophy”; el 20 de mayo, otra canción (aún por decidir); y el 17 de junio, “Buzzlight Year”.

A Code CSD le gusta la fórmula de productores de música electrónica Daft Punk, que grababa con cantantes. El dúo francés hizo el hit “Get Lucky” con Pharrell Williams, por ejemplo.

Code también admira al DJ Martin Garrix y a los cantantes The Weeknd y Dua Lipa. Toca guitarra desde niño y mayormente la empuña para hacer canciones. Recuerda que se adentró en el mundo de la música electrónica en 2016, gracias a la aplicación especializada GarageBand.

“El trabajo con la música me calma y me da placer”, asegura. 

Cantante de música cristiana Elizabeth Sánchez

La cantante de música cristiana Elizabeth Sánchez lanza su primer disco, “Nace una esperanza”

La joven presenta su primer disco, “Nace una Esperanza”, elegido como Mejor Álbum por la Academia de Arte Cristiano de Nueva York. También da charlas sobre el bullying escolar, que experimentó en carne propia en la infancia, y sobre cómo enfrentar retos de la discapacidad. La canción promocional de “Nace una esperanza” -ya disponible en las plataformas digitales- se titula “No temeré” 

Elizabeth Sánchez carga con los mejores antecedentes académicos y profesionales ya que se graduó en Interpretación Vocal por la Universidad Barry y fue soprano en la Ópera de Miami, pero también padece de una leve discapacidad cognitiva, que le hizo sufrir de bullying a temprana edad.

Además de la elección como Disco del Año, “Nace una Esperanza” ya le valió una nominación como Revelación para la Academia de Nueva York, y una como Revelación Femenina los Premios El galardón Internacional. La artista compuso ocho canciones del álbum.

Hija de dos brillantes académicos matemáticos, Elizabeth nació en Placetas, Cuba, el 11 de marzo de 1993. Un apagón hospitalario al momento del parto la tuvo al borde de la muerte.

Con Fe, la ayuda médica y el tesón de su familia sobrevivió.  Su padre, Ricardo, es ingeniero, matemático, y profesor de la Universidad Barry. Su esposa, también llamada Elizabeth, estudió Economía Política en la Universidad de La Habana.

Cuando Elizabeth entraba en la edad escolar se mudó con su familia a otro país latinoamericano, donde comenzó a ir al colegio y lamentablemente enfrentó situaciones dolorosas al ser acosada por otras niñas, que se burlaban de ella. 

La familia finalmente recaló en Miami hace dos décadas, se congrega en un templo evangélico bautista de la localidad de Davie. Allí, en otras iglesias y en los sitios donde se le requiera, Elizabeth cumple su vocación de cantar y, a la vez, dar un mensaje positivo para quienes sufren.

La argentina Mariana Quinteros lanza el disco

La argentina Mariana Quinteros lanza el disco “Tango de Nuevos Ayres”

El álbum fue producido por el pianista Aníbal Berraute y será presentado el sábado 30 de abril en el Club Alfaro’s, de La Pequeña Habana. El 13 de mayo será lanzado con un concierto en la Embajada Argentina, en Washington. “Tango de Nuevos Ayres” tiene un repertorio irresistible, integrado por clásicos de Gardel, Piazzolla y otros de épocas más recientes.

“Hicimos una mezcla interesante”, considera Quinteros, nacida en Buenos Aires, afincada en Miami desde el año 2014. Para Berraute, que tocó con glorias como Mariano Mores, en el disco hay “tangos tradicionales con el lenguaje musical de hoy”. “Con Mariana y los músicos buscamos una sonoridad cercana a la gente, hasta con algo de pop”, agrega. 

“Tango de Nuevos Ayres” ya se encuentra disponible en las plataformas digitales. El título “Tango de Nuevos Ayres” juega con la idea de la novedad y con el nombre de la capital argentina, fundada hace 500 años como “Santa María del Buen Ayre”. En el disco tocaron algunos de los mejores tangueros, más invitados de lujo como Chico Novarro, Gabriel Mores, Daniel Mazza, y Néstor Torres. 

“Todo cantante en algún momento tiene la necesidad de grabar un disco, plasmar en una grabación su evolución”, comenta Quinteros, que se destaca dentro del tango internacional; se ha presentado en diversos países, impresiona con su voz y su particular manera de interpretar.

Creció en un ambiente de grandes aficionados a la música; en la juventud comenzó a inclinarse por el canto y se profesionalizó en 2002. “Los tangos tienen una potencia musical y poética atrapante”, añade, recordando de paso que su padre, ya fallecido, era un gran tanguero.

Quinteros ha grabado tres discos. Ofrece conciertos semanalmente en Miami y otras ciudades, y también da clases de Canto. Su Instagram es @marianaquinterosmusic

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