Arte Concreto
Los artistas concretos, siguiendo los pasos de los movimientos del Constructivismo y De Stijl, propusieron un arte totalmente desvinculado de la temática realista. Su forma se basa en estructuras compositivas precisas y preventivas que a menudo representan fórmulas matemáticas o científicas. El movimiento se remonta a mediados del siglo XX, aunque se inspiró en un manifiesto escrito por Theo van Doesburg en 1930. En las dos décadas siguientes, el término fue popularizado por el artista y diseñador suizo Max Bill. En los años 50, el Arte Concreto se había convertido en un estilo globalmente extendido y reconocible al instante, extendiéndose desde sus bases iniciales en Francia y Suiza hasta el fértil terreno de Europa y, especialmente, de América Latina. La aparición del neoconcretismo en Brasil en 1959 puede haber marcado el fin del arte concreto, pero los movimientos en una serie de medios, como el arte cinético, la pintura de borde duro y la poesía concreta, han seguido llevando la huella de su influencia.
Como forma de arte centrada en la representación, el arte concreto estaba profundamente comprometido con las realidades sociales de su tiempo. Desde su fundación inicial en Suiza -un país cuya neutralidad durante la Segunda Guerra Mundial garantizó la supervivencia del movimiento- se convirtió en un lenguaje internacional de símbolos visuales y lógica que respondía al deseo de reconstruir las relaciones culturales internacionales después de 1945. En Brasil y Argentina, en las décadas de 1940 y 1950, el arte concreto se convirtió en un símbolo del movimiento de una cultura juvenil idealista que buscaba reconstruir la sociedad sobre una base más racional y humana.
Artsper muestra la obra de muchos artistas que fomentan la técnica del arte concreto. Descubra la obra de Piet Mondrian, Caroline Leite y Rachel Kah, por nombrar algunos artistas que siguen esta línea de trabajo.
Presentación
Caroline Leite nació en 1977 en Versalles. Estudió en Bellas Artes en su ciudad natal y ahora vive en Ile-de-France. Al mismo tiempo fotógrafa, pintora y escultora, Caroline Leite forma parte de un enfoque artístico donde la noción de tiempo es fundamental. La ruina y la degradación en particular son una fuente fértil de inspiración. En cada obra, el material atraviesa un medio, un entorno, un constructo. Sus fotografías están disponibles en papel, pero también en un medio más inusual, el hormigón. “Colecciono imágenes, materiales. Visualizo la estética de la ruina, de la destrucción para anclarme en un nuevo marco ”, confía el artista,“ como para recordarnos que el tiempo no se va sino que nosotros nos vamos. Caroline Leite expone regularmente en Francia y participa en numerosas ferias de arte contemporáneo en Europa.
Rachel Kah nació en el este de Francia en 1971.
Destinada a una gran carrera como bailarina, un capricho del destino pone fin a su vocación.
Entonces, lo que su cuerpo ya no puede expresar, lo harán el ojo y la mano.
Rachel Kah luego se matriculó en la Escuela Nacional de Arquitectura de Marsella, donde obtuvo su diploma de arquitectura DPLG. Su trabajo fue notado por Rodolphe Luscher, un arquitecto de renombre internacional, quien se ofreció a colaborar con él en su estudio en Lausana. La joven se convertirá en jefa de proyectos de planificación arquitectónica y regional. También diseña exposiciones en Far (Forum d’Architectures de Lausanne) y ETHZ (Instituto Federal de Tecnología de Zúrich).
Al mismo tiempo, Rachel Kah nunca deja de crear cuadros, esculturas … hasta que termina dedicándose por completo a ellos.
Toca principalmente arena pero también materias primas como hormigón, zinc, tierra, acero, óxido o cenizas. Ella favorece el trabajo de materiales vivos, coactivos, poderosos, brutales, impresos con vidas antiguas, a través de los cuales, por el contrario, solo ve la gracia y la delicadeza del trabajo del tiempo.
El artista crea obras abstractas que son a la vez toscas y aireadas.
Busca el equilibrio entre huellas, cicatrices e improntas, capturas de una violencia mansa.
Tiende a esbozar la perfección de un estado efímero e intangible, pero constreñido a un perpetuo estado incompleto. La intención del gesto es fundamental. Los materiales se enfrentan entre sí. Los rastros interfieren. El momento fugaz se congela.
También da vida o más bien intención a esculturas filiformes, gráciles, imperfectas y etéreas.
Su mente ve, pero no sabe nada. Su cuerpo sabe, o cree saberlo, y sus manos se convierten en su herramienta, casi a su pesar. Esculpe la herida y la secreta vulnerabilidad de los seres, de manera obsesiva, incesante y que irremediablemente se convierten en “El hombre solo” entre sus dedos.
Presentación
Piet Mondrian es un pintor holandés nacido en 1872 en Amersfoort en los Países Bajos y muerto en 1944 en Nueva York. Ingresó en la Academia Nacional de Bellas Artes de Amsterdam en 1892 y fue influenciado por la Escuela de La Haya, trabajando en la forma, el estilo, la luz y el espacio a través de obras naturalistas y paisajes.
Piet Mondrian es entonces un pintor realista preocupado por representar la realidad y la naturaleza en todos sus aspectos, porque según él le permite acceder a las revelaciones espirituales. A partir de 1897, construye obras de líneas claras, utilizando lápiz negro, acuarela, gouache, con predominio del azul, gris o marrón y en obras a menudo melancólicas.
A partir de 1904, su estilo de pintura cambió y los paisajes se convirtieron en escenas interiores de largos colores planos. Poco a poco se vuelve hacia el fauvismo pero también le interesa el divisionismo de Signac o cierto expresionismo de Van Gogh. También persigue una reflexión filosófica sobre el papel del artista, que considera que debe capturar la esencia de las cosas y escapar del materialismo.
Seguidor de la teosofía, se dedica a composiciones basadas en el esoterismo y la espiritualidad. En 1912, descubre el cubismo y decide instalarse en París para unirse al grupo de pintores cubistas. Durante este bienio parisino, pasó del cubismo figurativo al cubismo más abstracto en el que los objetos pierden su función figurativa por un conjunto de líneas horizontales y verticales mezcladas con colores primarios, estilo gracias al cual ganó fama internacional.
En Francia, las grandes exposiciones dedicadas a Piet Mondrian son raras debido a la escasa representación del artista en las colecciones públicas. En 1969, la primera exposición que cubre el período abstracto de su obra se presentó en el Musée de l’Orangerie. En 2002, el Musée d’Orsay organizó la exposición “Mondrian de 1892 a 1914, los caminos de la abstracción”.
