El Grupo Trance se presentará en Real Café el viernes 1 de julio
Trance se presentará nuevamente en este prestigioso club de música, Real Café. La entrada y el estacionamiento serán libres. La banda pertenece a la historia del rock de Miami y es liderada por el bajista, cantante y compositor cubano Ernesto Seijas. Trance fusiona rock con pop en inglés y algo de música cubana. Ahora viene de un paréntesis de varios años, pero planea realizar varios conciertos y lanzar un disco a mediados de año. Trance toca temas propios y también covers de The Beatles. INXS, Doobie Brothers y Eric Clapton, entre otros. La escena rockera de Miami recibe con los brazos abiertos el comienzo de una nueva etapa del prestigioso grupo Trance. “Queremos que este sea un regreso definitivo, estamos muy entusiasmados y tenemos grandes planes”, asegura el líder de la banda, Ernesto Seijas, bajista, cantante y compositor. El repertorio de Trance se integra de temas propios como “Herencia” y “Juventud”, de nueva cosecha; y clásicos del grupo como “Tú eres candela” y “Mi caramelo”. Además, ejecutan covers del rock y el pop. “En todo lo que hacemos anhelamos transmitir energía positiva a la gente, que se divierta, la pase bien”, apunta Seijas, nacido en Cuba, al igual que sus compañeros. Trance también está compuesto por Edwin Fernández, co-fundador del grupo, en la percusión y voces; Elvis García, en batería y voces; Ario León, en la guitarra; Bernardo Iglesias, en piano y teclados; Ariam León, voces; y Rey Seijas, guitarra y voz. El origen de Trance se remonta a La Habana de los años ‘80, donde un adolescente Ernesto Seijas comenzaba su fascinación por Los Cuatro de Liverpool y otras estrellas. También disfrutaba de la música tropical de Beny Moré, y Los Van Van, entre otros. Esta variedad de gustos se nota en Trance, donde se mezclan sonidos de manera desprejuiciada. “El grupo suena super bien, parte del rock, pero tiene mucha fusión”, analiza Fernández, que inició Trance con Seijas exactamente en 1998. Concretamente Trance ha permanecido en actividad entre 1998 y 2003; durante 2005; luego, en 2008. En su carrera ha lanzado un disco: “Trance”.
Su significado es «La escuela de las cosas» y tiene sus orígenes en Tokio a mediados de 1960. En vez de obras tradicionales, los artistas del Mono-Ha hacían uso de diferentes materiales en sus obras para mostrar su desánimo con la industrialización que estaba teniendo lugar en Japón en aquella época. El movimiento acabó obteniendo atención internacional y es una forma de arte muy respetada.
Mono-ha (も の 派) es el nombre que se le da a un movimiento artístico liderado por artistas japoneses y coreanos del siglo XX. Los artistas de Mono-ha exploraron el encuentro entre materiales naturales e industriales, como piedra, planchas de acero, vidrio, bombillas, algodón, esponja, papel, madera, alambre, cuerda, cuero, aceite y agua, ordenándolos en su mayoría inalterados. , estados efímeros. Las obras se centran tanto en la interdependencia de estos diversos elementos y el espacio circundante como en los propios materiales.
Origen del término “Mono-ha” y sus miembros
“Mono-ha” generalmente se traduce de manera literal, como “Escuela de cosas”. Los artistas de Mono-ha afirman regularmente que “Mono-ha” fue un término acuñado con desdén por los críticos (específicamente Teruo Fujieda y Toshiaki Minemura en la revista Bijutsu Techo en 1973) mucho después de haber comenzado a exhibir su trabajo, y no comenzaron como un colectivo organizado. Los escritos y las conversaciones de los artistas se publicaron antes de que los críticos acuñaran el término, incluido el artículo fundamental de Lee “Mundo y estructura: colapso del objeto [Pensamientos sobre el arte contemporáneo]” en 1969 y la mesa redonda de artistas dignos de mención “Voces de artistas emergentes: del reino del no arte ” publicado en 1970. Muchos de los artistas de Mono-ha se exhibieron por primera vez en las galerías Tamura y Maki en Tokio, propiedad de Nobuo (Shinro) Yamagiishi, quien también era escritor de arte y cuyos archivos se encuentran en la colección del Centro Nacional de Arte de Tokio .
Toshiaki Minemura explica en su ensayo de 1986 “¿Qué fue Mono-ha?” Que, en términos de su formación académica e intercambio intelectual, los artistas de Mono-ha se dividen en tres grupos:
“La conexión Lee + Tamabi “. Esto incluye a Nobuo Sekine , Kishio Suga , Shingo Honda, Katsuhiko Narita y Katsurō Yoshida en el departamento de pintura, y Susumu Koshimizu en el departamento de escultura en Tama Art University (también conocido como Tamabi), así como Jiro Takamatsu y Lee Ufan , un artista coreano que es un amigo cercano de Sekine.
“The Geidai Connection “, un grupo de artistas en torno a Kōji Enokura y Noboru Takayama, ambos graduados de la Universidad de las Artes de Tokio (también conocida como Geidai), y Hiroshi Fujii y Makoto Habu, que más tarde participaron en Mono-ha.
“The Nichidai Connection”, estudiantes del Departamento de Bellas Artes de la Universidad de Nihon (también conocido como Nichidai), cuya figura central era Noriyuki Haraguchi, también conocido como el “Grupo Yokosuka”, debido a la crianza de Haraguchi en Yokosuka y su crítica de la presencia militar local de EE. UU. a través de su trabajo.
Contexto sociopolítico
Mono-ha surgió en respuesta a una serie de precedentes sociales, culturales y políticos establecidos en la década de 1960. Con la excepción de Lee Ufan, que era una década mayor, la mayoría de los artistas de Mono-ha apenas comenzaban sus carreras cuando ocurrieron las violentas protestas estudiantiles de 1968-1969.
Al mismo tiempo, hubo muchas protestas contra la segunda extensión del Tratado de Seguridad entre Estados Unidos y Japón (conocido en japonés abreviado como Anpo ) en 1970, obligando a Japón a brindar apoyo logístico para la guerra de Estados Unidos en Vietnam. Unido a las demandas de reversión de Okinawa en 1972 y la retirada de las armas nucleares con base allí, el clima de protesta durante este período fue sintomático de una creciente desconfianza en las intenciones de Estados Unidos hacia Asia y su posición dominante en la relación bilateral con Japón. . El activismo de la ” generación Anpo ” dio lugar a una contracultura altamente intelectual que era a la vez crítica del ” imperialismo ” estadounidense y muy consciente de su identidad japonesa.
Los artistas de Mono-ha típicamente niegan involucrarse con movimientos activistas estudiantiles en ese momento, aunque se cree que el clima político tenso influyó en su trabajo, lo que les permitió lidiar y dar sentido a su malestar y desilusión con la modernidad de posguerra en sus diferentes formas.
Atención reciente en los Estados Unidos
En 2012, la galería Blum & Poe introdujo el arte de Mono-ha en los EE. UU. Con la exposición de encuestas “Requiem for the Sun: El arte de Mono-ha”, comisariada por Mika Yoshitake . La galería también ha realizado exposiciones individuales de Lee Ufan , Kishio Suga , Susumu Koshimizu , Koji Enokura y Nobuo Sekine .
Fase-Madre Tierra
La Phase-Mother Earth de Nobuo Sekine se considera el trabajo inicial del movimiento Mono-ha. Creado originalmente en el parque Suma Rikyu en Kobe , y sin permiso oficial. La obra fue recreada en 2008 y 2012. Se trataba de una gran torre cilíndrica de tierra compactada, que se extraía de un agujero cilíndrico de la misma forma.
Miembros
Jiro Takamatsu
Nobuo Sekine
Lee Ufan
Kishio Suga
Koji Enokura
Susumu Koshimizu
Noboru Takayama
Katsuhiko Narita
Noriyuki Haraguchi
Katsuro Yoshida
Kenji Inumaki
Shingo Honda
Keiji Uematsu
Mono-Ha es el nombre comúnmente atribuido a una corriente artística, y al grupo de sus miembros, que operó en Japón entre finales de los años sesenta y principios de los setenta. Aunque radicalmente diferente, y diversa, entre ellas, la obra de cada artista De La Mono – Ha, comparte algunas características comunes, tales como: el uso de materiales naturales, la asimilación de ciertos aspectos de Occidente, el desafío al concepto tradicional de arte.
El uso de materiales simples, tanto naturales como manipulados (preferiblemente de tal manera que creen formas orgánicas), es un aspecto fundamental y unificador de los diversos exponentes del movimiento: se prefiere la planta, las telas, las rocas, la madera, el papel, las cuerdas, las sustancias de vidrio y, en la mentalidad del artista, se convierten en los medios que empujan a reconsiderar bajo una visión diferente de la relación entre el arte, el hombre y materia y realidad El término Mono-Ha, acuñado por los miembros del grupo artístico, traducido del japonés al italiano significa “la escuela de las cosas” . Emergiendo como una expresión de la vanguardia del arte japonés a finales del siglo XX, el interés de la Mono-Ha es buscar y revelar la realidad más allá de la apariencia: el conceptualismo de la Mono – Ha, entonces, no es estéril o fin en sí mismo, sino que se convierte en la ocasión de la revelación y expresión del vacío : un objeto, una obra nunca es diferente del espacio que lo ocupa, sin embargo, coincide con él. Ambos, por otro lado, contribuyen a crear el significado: devenir, de nacimiento o de disolución. Por lo tanto, es importante el aspecto dinámico y la transformación, la cambiabilidad impermanente de las cosas y, por extensión, de la realidad. La seriedad de estos principios es demostrada por los artistas Mono – Ha: sus obras, su naturaleza efímera, no se prestan al contexto de colecciones o museos (nadie posee uno). El rechazo de la perfección, de lo definitivo, de lo realizado, es, por tanto, total. El gesto creativo es aún más fundamental que el trabajo. La conexión de las obras con el lugar donde nacen, y su carácter efímero, a menudo causa problemas logísticos, si no incluso de especificidad con el lugar donde nacen. La primera exposición de Mono-Ha se celebró en 1969: bastante raro el siguiente, algunos de los cuales se llevaron a cabo en Francia, Italia y la U. S.A.
MONO-HA. Se lleva a cabo a finales de los sesenta e inicios de los setenta. Es un movimiento artístico contemporáneo japonés que se centra en las relaciones entre los materiales y las percepciones más que la expresión o la intervención. Trabajan sus obras con materias primas, materiales simples y naturales que apenas manipulan. Uno de los artistas más importantes de este movimiento es Lee Ufan. Comparte características del movimiento Land Art, Fluxus y el arte conceptual. Su objetivo era simple, hacer “cosas” juntos en la medida de lo posible en su estado natural. Algunos expositores de este movimiento son: Nobuo Sekine, Ufan Lee, Yoshida Katsuro, Koshimizu Susumu, Enokura Koji, Suga Kishio, Takayama Noboru y Narita Katsuhiko.
SUPPORT SURFACE. En 1970 por Vincent Bioulès. Es un movimiento pictórico que surge en Francia alrededor del 1966, dedicado a la pintura y la escultura. Este término fue propuesto por Vicent Bioulès. Otro nombre por el que se conoce es Nuevo Reduccionismo. Algunos expositores de este movimiento: François Rouan, Marc Devade, Louis cane, André Valansi, Claude Viallat y Vicent Bioulès.
NEO DAD. Surge a finales de los años 50 y principios de los 60. Es un movimiento que surge como reacción al arte del expresionismo abstracto, creando un arte opuesto a este, aunque sin ser frío y despersonalizado, continua con los principios del surrealismo, pero llevados a otra escala, a otro nivel y lenguaje artístico. Continúa los principios del surrealismo, pero llevados a otra escala. El movimiento neo dadaísta innova con otros materiales. La temática es extraída del medio ambiente urbano de las grandes ciudades, de sus aspectos sociales y culturales: comics, revistas… Los artistas más representativos son Robert Rauschenberg y Jasper Johns.
JUNK ART. Surge en los años 50 como movimiento americano. con reacción al idealismo del Expresionismo Abstracto. Su pionero fue L. Alloway. Su interés por el objeto de consumo le convirtió en antesala del Por Art. Era similar al “arte basura”. Era similar al Collage L. Alloway. Algunos de los principales artistas del Junk Art. Son Chamberlain, Stankiewics, Di Suvero, Samaras, Dine, Oldenburg, César, Kaprow y Grooms.
With this painting I conclude the series of artworks from the Japanese art movement Mono-ha. Seeing all these works made me think about how similar Mono-ha and minimal art really are. Why is that?
Mono-ha started in Japan around the sixties and seventies, which is about the same time minimalism grew strong in the USA. Mono-ha is usually translated rather awkwardly as “school of things”, but that’s a misleading name: Mono-ha works are as much about the space and the interdependent relationships between those “things” as the “things” themselves. Making the viewer become aware of his position in relation to the work is also something which the Mono-ha artists aimed for.
Minimalism describes movements in various forms of art and design, where the work is set out to expose the essence, essentials or identity of a subject through eliminating all non-essential forms, features or concepts.
Obviously these are very different goals, if not even contradictory. Mono-ha cares more about the way the objects relate to each-other, while minimalism is very cold and egoistic – it’s interested only in itself. Much of minimalist aesthetics were shaped by a reaction against Abstract Expressionism. Minimalists wanted to remove suggestions of self-expressionism from the art work, as well as evocations of illusion or transcendence – or, indeed, metaphors of any kind. What you see is what you get – no hidden meaning.
The work of Mono-haists was also anti-modernist, primarily sculptures and installations that incorporated basic materials such as rocks, sand, wood, cotton, glass and metal, often in simple arrangements with minimal artistic intervention. More experiential than visual, Mono-ha works tended to demand patience and reflection.
So, here’s some common ground – both art schools were born, as it’s usually the case, out of the revolution against the old. Let’s take look at the visual aspect of both movements.
Minimalists were obsessed with distancing themselves from the artwork. They often wouldn’t create their sculptures in a studio. Rather they would order them from different factories, which would manufacture them according to design by the artist. An example for this were the works of Donald Judd.
The Mono-haist’s aim was simply to bring “things” together, as far as possible in an unaltered state, allowing the juxtaposed materials to speak for themselves. Hence, the artists no longer “created” but “rearrange” “things” into artworks, drawing attention to the interdependent relationships between these “things” and the space surrounding them. The aim was to challenge pre-existing perceptions of such materials and relate to them on a new level. For both artistic and practical reasons, the often site-specific pieces were usually destroyed.
Both art schools wanted their art to be as anonymous as possible. But unlike with minimalism, where this distancing is understood as crafting pure, mathematical, cold and precise geometrical shapes, Mono-ha is much more natural and random.
This is important, because we can make conclusions about how both cultures understand this “objectivity”. For the minimalists it was all about using technology – soulless machines and tools, that create art, without realizing it. Because that is the antipod of humanity, isn’t it? Man vs. machine.
The Japanese see things very differently. For starters we must understand that the natural world (“objective”) and experience of nature (“subjective”) are not wholly distinct. The Japanese don’t divide the world into “objective” and “subjective” as does the West. This means that nature is objective and therefor the right tool for materializing the ideas of Mono-ha. That’s why we see so many natural elements – rock, branches, dirt – in the works of Mono-ha. I believe some of the works by Robert Smithson, an American minimalist, embrace this idea.
Minimalists attempts to create objects, that represent nothing but themselves, led to a new emphasis on the physical space in which the artwork resided. Nowhere is this more apparent than in the works of Fred Sandback. That’s the goal of Mono-ha and here I think we begin to understand why both art movements look so familiar to each-other. But the important question here is was this also to goal of the minimalists?
Personally, I don’t think so. You see, minimalism is about relieving the artwork from the burden of having a meaning or expressing an emotion. Achieving this means stripping the artwork down to it’s bare minimum so “hidden meaning” is out of the question. Carl Andre’s floor pieces are a nice example of this – “Where is the art? There’s nothing hanging on the walls?” Well, you’re walking on it. So this new emphasis on the physical space around the artwork as seen in the works of Dan Flavin is a byproduct of the minimal aesthetic of the object.
In Mono-ha the artists seek exactly this relationship between the object and the space around it. That’s why Katsuhiko Narita can take a couple of large pieces of charcoal, place them in line and exhibit them as art.
So, let’s recap. We started off with two art movements, that originated at almost the same time in different parts of the world. They have different artistic ideas and concepts, they chase very conflicting goals – minimalism is individualistic, it’s all about the Self (a very American concept) while Mono-ha is about the way the collective interacts with itself (a very Japanese concept). But because of the way the works of both art schools interact with the space around them minimalists and Mono-haists create similar artworks using simplicity as a way of expressing their different ideas.
But I think their ideas are just different sides of the same coin. Minimalists pursue simplicity and in this they discover a new relationship between objects. Mono-ha pursues new harmonious relationship between objects and uses simplicity as the way to achieve this.
_______________________
I’ve used various sources like this and this and some of this, this and this…and my head.
And-Zpato, 2007, Acrylic on canvas, 60 x 48 in (Left), Zupa #2 aka Zuba #1,
2017, Acrylic on canvas, 60 x 48 in, Exp-A, 2007, Acrylic on canvas, 60 x 48 in, #1 Boy,
2016, Acrylic on canvas, 60 x 48 in, A-R-1, 2007, Acrylic on canvas, 60 x 48 in
Ed Moses: California Cool J. D. Malat Gallery April 13-May 7, 2022. by Lorien Suárez-Kanerva
The “Ed Moses: California Cool” exhibition at J. D. Malat Gallery ran from April 13 through May 7 in London. The show comprised a selection of Ed Moses’s grid and gestural abstract paintings. Moses’ linearly cohesive complexes of diagonal matrices extend fully to span his canvases. Both askew and parallel, the interconnected weave, like a Navajo rug, anchors and unfurls a startling compositional space. With compelling impulsive energy, Moses’ abstract, unstructured and lyrical, gestural paintings align closer with Pollock’s unconstrained drip process.
And-Zpato, 2007, Acrylic on canvas, 60 x 48 in (Left), Zupa #2 aka Zuba #1,
2017, Acrylic on canvas, 60 x 48 in, Exp-A, 2007, Acrylic on canvas, 60 x 48 in, #1 Boy,
2016, Acrylic on canvas, 60 x 48 in, A-R-1, 2007, Acrylic on canvas, 60 x 48 in
Both the grid and gestural paintings extend in space through rich visual elements that combine several earlier features from Moses’ distinctive mark making form. Fluid bands of voluminous washes undulate as seamless strokes. The un-orchestrated sequence of serpentine-like configurations vibrates from the energetic and robust chromatic dichotomy. Purple and green, yellow alongside tints and tonalities of mauve and black move in an unruly sequence of streaks and dabs. Another painting reveals unreserved tracks of hot pink. In others works, vibrant primary hues appear dramatically at insertions layered through black and white strokes that swoop and juxtapose in tandem.
Grid #5, 2017, Acrylic on canvas, 60 x 48 in
Moses’ long iconoclastic approach to painting drew together an original work process with a distinct formal ground breaking intangible awakening through line, form, color, texture, and spatial elements. Betwixt the unorthodox play with materials and its application, the dusted glitter, the sprayed-dripped-mopped-rolled-poured-strip-layered and brushed (oil and acrylic) paint set in strata and films register an imprint on his wet un-primed canvas. An outdoor concrete deck served as Moses’ workspace — an open forum of discoveries.
Throughout his expansive, iconic career, known for exploratory mutations, Moses evinced a predisposition towards periodic re-engagements with his self-described obsessive grid-mark- making process. “When I lose my way, I go back to the grid.” Early on in his work with graphite, he applied strokes in a laborious effort to explore its magical potentiality. As he described: “if I pressed hard enough, I would press to manifest some magic.” Repetition was also an element in his process, and he returned to it regularly. Like a ritual, a frenetic exertion tempo stirred a “transformative presence” by way of his efforts.
3, Acrylic on canvas, 2017, 60 x 48 in
Gaston Bachelard in “Earth and Reveries of Will,” draws a philosophical study of human will, labor and matter. The philosopher’s framework provides some phenomenological linkages with Moses’ exploration. “The act and its image-there is a heightened state of being, a dynamic experience so completely that passivity is reduced to nothingness. There is no question that imagery uplifts us, improves us; it gives us the potential to become more than what we are.” The artist frequently studied his own works. He rotated, placed them in groupings, flipped. them over while in process and once completed. He worked alternatively on the remaining “ghost” imprint that seeped through on the canvas’ flip side. He identified in this way interconnections and places for innovation.
Moses wanted to be known as a Shaman and Explorer. “Do I want to express myself? No. I want to discover. There’s a constant wrangling back and forth and contradiction between “me” and discovery…that wrangling…becomes energizing. Sometimes I feel absolutely glowing because something came out the way it did.” He saw a primal quality in the Lascaux’s cave paintings he visited that was universally available to art-makers. These “scratched symbols” found in the caves “supplied a connection between the unknown, death, and fertilization.” He felt a “primordial urge” and “a rooted, genetic connection to magic.” Moses connected this drive with “his obsession with painting. Every morning I can’t wait to go out and start painting.” Moses thought that artists held this unique transformative role that was “a rooted, genetic connection to magic.” Independently, Bachelard’s analysis, while not directly referencing the artist, underscores Moses’ speculative assertion through the writer’s characteristic universal terms. “The laborer…is not satisfied with adjustment by geometric calculation, but…finds joy in the malleability of…the raw materials of their work, in the exercise of their powers, they receive visions of the universe, contemporaneous visions of Creation.” Moses worked up close to his media, not allowing himself the vantage point of distance to affect his execution of the painting through compositional calculations. “The challenge is to be in that kind of momentum, in tune, and to bypass control.” He wanted to circumvent his “smarts” and assertions for control to break structure down by working in a Zen-like “zone.”
Ha Who, 2016, Acrylic on canvas, 66 x 42 inches
Moses shared an experience akin with the “sublime” inspired by the upward gaze of Giovanni Bellini’s “Saint Francis.” “You lift off in some way into another zone, through a crack in space and time. You turn and roll out into this space, slicing the cortex. This can be a sublime moment.” When addressing art, he thought that it couldn’t be more than its maker. “Unless the process outfoxes the determiner, or the determination.” A process could lead to something not perceivable until its appearance. “I’m discovering. as well as applying. When we think of transformation, we don’t get to a higher place. We get to another place.” His artwork outdoors revealed a marked transformation. This shift brought a kind of change akin to mutation. Creativity and growth were terms he didn’t favor. He saw his artwork marked by episodic variations not improvements.
Who #3, 2017, Acrylic on canvas, 60 x 48 inches
Repetitive efforts led to inspired forms that were unanticipated, intuited, and uncalibrated. He did lose interest or became uncomfortable when he reached a point of “too much” beauty. Then, he would take up any seminal tangent of the prior process that beckoned with potential. “A material image dynamically experienced, passionately adopted, patiently explored, is an opening in every sense of the word [real and figurative.] The material image transcends immediate existence and deepens superficial existence.” (Bachelard) From a familial vantage point, Andy Moses noted that Ed Moses transitioned noticeably from a psychological standpoint with the shift out of doors. Andy affirmed that the open space and the ensuing Buddhist countenance of letting go gave Ed perceptible freedom.
Exp-A, 2007, Acrylic on canvas, 60 x 48 in
Ed Moses’ psyche’s workings brought a vital unfurled dictum, like a mantra, to his painting process. A high anger state and the fear of death stemmed from his hard upbringing. “Images carry out quite subtly the massive battle of wills which rages at the core of our being… they represent an explicit, dynamic engagement with the world.” (Bachelard) The haunting and terror he experienced nightly were grapple-able outdoors in daytime art-making. While from his 40s-to 60s, he knew a constant psychological strain, this shifted in later decades. The work of the late Ed Moses compels notice – a human visceral avowal of being. The open honest expression of inner travail. Like a shaman, Moses art-making was not only for himself but for others. A rigorous, earnest and diligent daily innovative exploration defined a legacy stirred by the “indefinable, haunting, and primordial.”
*Article first published in Whitehot Magazine on April 25, 2022.
Una muestra diferente de la obra pictórica del Artista plástico Americano/Cubano Raul Proenza, desde su imaginación podemos apreciar un sin fin de detalles e imágenes que nos llevarán a un mundo surrealista a pesar de tener un estilo figurativo y expresionista, “yo le he bautizado “El pintor de las historias infinitas “ juega con el Pincel a su antojo entre manchas de café, tinta y definitivamente, acrílico, carboncillo y todo lo que este a su alcance para crear su mundo aparte!!!!, el dibujo en Proenza es una perfección donde le pone toda la disciplina necesaria.!!! Les esperamos y les aseguro que pasará un rato de Arte y buena vibra en esta muestra que esta vez será un. Poco diferente a lo que nos tiene acostumbrados Proenza. Gracias de antemano. Sara Isabella ( APV).
Raul Proenza: Nacido en Miami, Estados Unidos el 10 de junio de 1959. Creció en Cuba donde se graduó en 1978 de la Academia Nacional De Arte San Alejandro en la Habana. Tras su graduación, fue enviado para realizar su servicio social a las provincias orientales, donde trabajó como profesor de dibujo y pintura en la escuela Elemental de Arte de Manzanillo, donde participó en varias exposiciones. En el éxodo del 1980, llega a los Estados Unidos y se establece en la ciudad de Nueva York donde participa en varias exposiciones colectivas en diferentes galerías y muestras personales. En 1984 se traslada a Los Ángeles, allí hace otras exposiciones. Desde 1998 vive en la ciudad de Miami, donde participa esporádicamente en varias muestras colectivas y personales.
En 2016 Abre su Estudio en Cutler Bay convirtiéndolo así en un espacio Alternativo para dar la posibilidad a los Artistas emergentes y los establecidos a que tuvieran un lugar más en la Ciudad de Miami para exponer sus Obras, “El Bunker Espacio Alternativo” funcionó de manera exitosa por casi 5 años!! Hasta que la pandemia. Prácticamente paralizó al mundo entero.
Hugo Basualdo es un gran aporte al panorama musical de Miami
Miami continúa siendo un imán para talentos de la música latina, una suerte de base de operaciones conveniente en varios sentidos, y el argentino Hugo Basualdo es una buena prueba de ello. Luego de haberse destacado en su país, este artista portentoso ha recalado en la ciudad en 2018 y tiene una agenda profesional bastante nutrida. “La música es mi forma de vida; me alimenta el alma; me apasiona, no es una carga sino una bendición poder dedicarle mi mayor esfuerzo”, manifiesta.
En cuanto a Miami, el guitarrista, productor, compositor e ingeniero de sonido asegura que la ciudad “tiene una mezcla de culturas, una gran profesionalidad, y un ambiente divertido, predispuesto al disfrute”. Hugo estudió en la Escuela de Música Contemporánea de Buenos Aires, cuyo programa curricular está validado por la Berklee School of Music.
En estos tres años en Estados Unidos se ha mantenido a todo ritmo y con una versatilidad laboral encomiable. Actualmente Hugo, que es miembro activo de la Academia Latina de las Grabaciones, matriz de los premios Latin Grammy, es el encargado artístico de la conocida Cervecería La Tropical, del barrio Wynwood. Es co-fundador de la productora Clix International, con la cual busca sumar más colores a la escena musical local, produciendo conciertos de artistas como Larry Carlton, Gustavo Santaolalla y Simon Phillips, entre otros.
Hugo es productor musical en el estudio de grabación Monosonico; colabora con el sello discográfico Neworld Music; y con la empresa de eventos Limelight Miami.
A lo largo de su carrera, el músico ha producido 15 discos, ha colaborado en la banda sonora de casi una decena de audiovisuales, y ha compuesto medio centenar de canciones. A la hora de elegir una rama musical favorita Hugo no duda:“La instrumental porque da más espacio para la creatividad”. Uno de los planes inmediatos del músico es producir un disco con temas propios, que estaría listo para fin de año. “Tengo muchas ganas de mostrar mis nuevas creaciones”, señala, confiado.
Título del artículo: UN CANTO DE AMOR Y VIDA EN EL ARTE
Sonia Uribe, una gran maestra de la vanguardia actual.
Su incuestionable talento y sus ideales sobre las virtudes humanas, sus temas pictóricos inclinados al abstracto figurativo y su paleta ausente de temores que utiliza una importante gama de colores, le han dado un atractivo singular a sus obras.La amplia trayectoria de la maestra Sonia Uribe emprende con un marcado interés por el arte a temprana edad cuando contaba los cuatro años y observaba a su primo Carlos Pardo, también artista, ejecutando de manera magistral las corridas de toros de los años 70`s. Refiere la artista que su primera infancia queda marcada y para siempre, por el respeto, la serenidad y la sensualidad de las obras de su primo, al que admiraba en silencio sentada en una pequeña butaca de madera; obras de donde emergía la sutil danza del torero con su traje de luces y el toro con feroz translación destacaba a su mirada de niña un tímido rojo alizarín sobre los lomos del animal en su inevitable faena. A partir de ahí para esta artista queda completamente expuesta su inquietud por la vida que era posible plasmarla en lienzo blanco para reescribirla con lenguaje propio en su complejidad y fascinación.Desde entonces no ha detenido su lápiz ni su pincel; cientos y cientos de pinturas, una maestra activa, comprometida con el arte limpio, honesto, con una colosal gratitud hacia Dios, Él su latente inspiración y su amada madre que con su nobleza, amor y dulzura siempre la ayudó a buscar las condiciones de su creatividad en las artes visuales. Las firmes creencias de Sonia Uribe simbolizan para esta gran artista la corporeidad del amor sublime, las pinturas alejadas de violencia entendiendo temas colmados de luz, de ensueño que muestran la otra realidad de su país; pero en una lucha sin término y con el anhelo sumido en ruegos, para que pueda tener la fortuna de que sus trabajos pictóricos día a día tengan eco eterno y sosegado en la cotidianidad de las gentes como un paradigma derivativo.Aunque para la artista su vida en muchos eventos ha sido sobrecogedor, no así sus cálidas obras, que han viajado por varios países buscando sean una presencia sentida en cada espectador, con la hondura necesaria de quien ha realizado una estricta configuración en cada tema de sus lienzos. Una mujer cautivada por la vida, por el arte y sus posibilidades, una maestra que contempla con fundamental ternura cada pincelada y cada trazo de sus sueños recurrentes.
La influencer de moda venezolana Valerie Frangie impone su creatividad
Su pasión por la moda y la satisfacción al ver su marca en otras personas es lo que la inspira a seguir adelante creando contenido de calidad.
Valerie Frangie es una venezolana de origen libanés que con su gran esfuerzo y dedicación se adentra en el mundo de la moda como Directora Creativa de su propia marca de t-shirts @shopvf. Reconocida por ser la creadora de los cursos de moda: Moda 101 & Moda 102 con los cuales, sin distinción de edades, prepara a personas de todo el mundo para enfrentarse, trabajar, y ser parte de la industria de la moda.
Valerie Frangie se graduó en leyes en la Universidad Metropolitana en Caracas, Venezuela su país de origen, para luego trasladarse a la ciudad de New York en donde estudió Fashion Marketing en Parsons The New School for Design.
“La mejor decisión de mi vida. Desde ese día no he dejado de trabajar en la industria de la moda ni un día. La experiencia en NY me formó a nivel personal y profesional, ahí tuve grandes oportunidades como trabajar en Tom Ford, Prada y Ports 1969”.
“Todo mi trabajo es súper auténtico, súper honesto y es un verdadero reflejo de quién soy, de lo que me gusta, de compartir lo que hago y lo que disfruto sin forzar o fingir nada”.
Los cursos de moda: Moda 101 & Moda 102, de Valerie Frangie, han logrado llegar a tener más de 600 estudiantes al año y se propone a seguir incrementando estas cifras, al igual que con su linea de t-shirts @Shopvf la cual pueden encontrar en tiendas Bloomingdales, se propone aumentar su cartera de productos, colocarla en más tiendas y extenderse de manera internacional.
Durante su trayectoria profesional, Valerie Frangie, ha colaborado con importantes marcas reconocidas mundialmente, como: Uber, Converse, L’oréal, Kérastase, Coach, entre otras. Así mismo ha trabajado la imagen de figuras como: Erika de la Vega, Camina Canabal, Sasha Barboza, Maria Gabriela Isler, Ana Maria Simon, entre muchas otras.
Alexis Valdés se presentará en el Miami Dade County Auditorium el Día de las Madres
Alexis Valdés se presentará en el Miami Dade County Auditorium el Día de las Madres
La mejor manera de celebrar el Día de las Madres. Un espectacular show de Alexis Valdés, “La comedia está de madre”. Domingo 8 de Mayo, Miami Dade County Auditorium. Alexis con dos de sus grandes personajes: “Cristinito” y “Nereida”, más artistas invitados de lujo como la comediante Claudia Valdés, el cantautor Amaury Gutiérrez, y el presentador Mónico Pino. Boletos ya a la venta en www.ticketmaster.com
Con el patrocinio de Drama Hair & Nail Salon. Un espectáculo imperdible, producido por Claudia Valdés, con un Alexis a plenitud, haciendo stand up comedy, e interpretando a “Cristinito” y “Nereida”. “Vengan a gozar, vengan a reírse, que la risa es como el orgasmo del corazón”, afirma el actor, director, dramaturgo, poeta y músico. “Será una tremenda gozadera que las madres se merecen”, agregó. “No es lo mismo ver a estos personajes en participaciones breves de televisión o redes sociales que desarrollándose completamente en el escenario, contando todo e improvisando”, manifiesta Alexis. “Cristinito” fue creado por Alexis hace décadas y se ha lucido en programas de televisión, redes sociales y presentaciones teatrales, mientras que “Nereida” es más nueva y ha sido un suceso en las redes sociales y en Youtube. Alexis pasa por un gran momento profesional ya que mantiene sus producciones en el Teatro Trail a sala llena y, además, viene de haber filmado una serie para HBO, “Los fontaneros de la Casa Blanca”, junto a Woody Harrelson y otras figuras de Hollywood.
Nací en Las Flores Provincia de Buenos Aires, Argentina, dibujo desde muy pequeño, una revista del lugar publicaba mis trabajos infantiles. En la adolescencia trabaje haciendo separadores para el canal de tv local. Soy técnico electromecánico y en 1994 me recibí de arquitecto en la Universidad de Buenos Aires (UBA), desde entonces, ejerzo la profesión de forma independiente. Durante los años de carrera, recibí una formación con marcada orientación racionalista que definió mi gusto y que fue creciendo por mi admiración a las obras del racionalismo porteño de los años 1930-1950.
La búsqueda de simplicidad y depuración me llevo a desarrollar la serie “Volumetrías” y este proceso, origino en mí un entusiasmo progresivo que me animo a mostrar los trabajos en las redes y luego derivó en muestras virtuales, presenciales y concursos.
¿Qué significa para ti la palabra arte?
Creo que la palabra arte define el resultado de un proceso creativo que sigue reglas conceptuales precisas, innovadoras, originales o no sigue ninguna regla, y puede provocar sentimientos particulares.
¿Dónde encuentras la inspiración de tus obras?
Pienso que la obra está influenciada por la estética de la arquitectura racionalista, la opacidad de los volúmenes ciegos y las sombras que definen las siluetas rectilíneas, puras y contundentes.
Mi trabajo tiene que ver con mi formación académica, con una búsqueda por provocar sensaciones, usando la mínima cantidad de recursos. Me seduce la simplicidad del color plano y los matices de este mismo color en distintas posiciones con respecto a la luz.
Las volumetrías que aparecen en casi todos los cuadros son generalmente aristas de un cubo perfecto, cuyo tamaño es desconocido, la posición en que se encuentran con respecto al otro volumen y el encuadre es lo que lo hace ver irregular o más desarrollado en un sentido que en otro.
También debo admitir que en la obra es fundamental el juego de composición visual y el equilibrio de las partes y colores que forman el todo
Los planos son amplios y de color puro, sin necesidad de degrade que acentúe la profundidad ya que el ojo del espectador recibe ese efecto naturalmente y este, como otros, es un recurso del que preferí prescindir en post de la simplicidad del mensaje.
4- ¿Qué consejo aportas al arte de la geometría abstracta?
Que la obra esté definida por la simplicidad y que porte un mensaje puro y contundente es el objetivo que persigo cuando planteo los trabajos y ese sería mi aporte: la síntesis del mensaje mediante la utilización de la menor cantidad de recursos.
Mi intención es ofrecer una imagen volumétrica de un solo color capturada en el bastidor donde se vean las facetas del mismo iluminadas según su posición.
En cuanto al desarrollo del trabajo pienso que la consecuencia de los lineamientos originales, la seriedad y la claridad de objetivos mediante la búsqueda elaborada, es fundamental para que el resultado sea un pequeño aporte para este tipo de arte
5- ¿Cómo podemos ayudar a los nuevos artistas que les atrae esta forma de expresión?
Pienso que cuando mostramos lo que hacemos estamos predicando con el ejemplo. Difundir nuestra obra y expresar las ideas que la generan es fundamental para todos los nuevos emprendedores. También el acompañamiento en las redes sociales, el seguimiento en el desarrollo de sus obras y la ponderación de los trabajos destacados es de gran ayuda.
6- ¿algún proyecto pendiente que te gustaría realizar?
Siempre supe que el origen de la serie “Volumetrías”, que en ese momento no tenía nombre, ni la certeza de ser geométrica, fue inevitable, que a pesar de la falta de tiempo y espacio no pude detener la realización de los primeros trabajos, sin conocer las técnicas precisas ni tener en claro cuál sería el resultado, no pude frenar la necesidad de plasmar algo que todavía no sabía bien lo que era, la sucesión de trabajos y la realización de bocetos fue definiendo la obra y fui encontrando un camino en el que me siento motivado y en el que creo que tengo mucho por recorrer. Mi intención es seguir haciendo y mostrando lo que hago, creo que la mayor variedad de opciones enriquece y dan fuerza a la obra en su conjunto, que cada trabajo en particular es muy diferente a otro, aunque tenga las mismas características, que sensibles cambios dan un carácter totalmente distinto a cada obra y que el cuidado de las pautas iniciales y la insistencia en la búsqueda de los objetivos primarios me llevaran a obtener resultados más acertados.
7- Háblanos de la geometría abstracta o arte concreto en Argentina y por último ¿Qué artista te gustaría que sea entrevistado y por qué?
En Argentina desde siempre se le dio lugar a todo tipo de expresión artística y hay escenarios variados, tanto institucionales como galerías privadas para el arte conceptual, abstracto o figurativo, pienso que a pesar de la situación económica del país hay un público susceptible a conmoverse por una obra, atento a las novedades, concurrente a las muestras y predispuesto al disfrute.
En cuanto a artistas, realizadores se refiere, existe una gran oferta de desconocidos, desarrolladores de trabajos totalmente originales dentro del arte abstracto o figurativo, empecinados en seguir caminos inciertos sorprendiendo con resultados maravillosos.
Alberto Abelisa es un dibujante de miniaturas enmarañadas que teje grandes obras repleta de información y de trabajo minucioso en cada centímetro. Es un artista muy interesante y su trabajo muy innovador. Ig: @albertoabeliza.
En cuanto al arte conceptual o geometría abstracta admiro a César Paternosto, un artista consagrado, de la ciudad de la Plata, actualmente reside en España, purista y obsesionado por las composiciones minimalistas. Ig: @cesarpaternosto.
Lucio Stuer
IG: @luciostuer
as obras hablan de la relación entre dos cuerpos materiales, dos personas, dos ideas antagónicas, dos sentimientos o lo que se nos pueda ocurrir, las distintas formas de relacionarse entre ellas y la poética que desata cada relación, la diversidad de estas conjunciones y los sentimientos que inspiran. En algunas, los cuerpos se aproximan en son de paz y se presupone un ensamble perfecto, en otras la relación es punzante y sugiere un encuentro violento donde alguna de las partes o las dos saldrán lastimadas, otras muestran un quiebre, una ruptura exacta que genera el alejamiento paulatino de las partes sin remedio, como pasa en la vida con todo tipo de relaciones solo que en estas imágenes el movimiento esta sugerido, muy lento y en el imaginario del espectador.
Algunas obras muestran un solo volumen, siempre indefinido, como levitando o en una posición de aparente inestabilidad.
