Grupo Madí and Asociación Arte Concreto-Invención

Grupo Madí and Asociación Arte Concreto-Invención, Argentine abstract art movements. Both the Grupo Madí and the Asociación Arte Concreto-Invención emerged in Buenos Aires in the latter half of the 1940s. Each comprised a like-minded group of painters and sculptors working in more-or-less constructivist and geometric modes of nonrepresentational art. These artists came together for the purposes of exhibiting and supporting rival, although closely related, theoretical platforms, which were expressed in manifestos, publications, and “happenings.” The art of both groups appeared radical by virtue of its experimentation with new and often industrial materials, and its break with conventional sculptural and pictorial formats; sculptures and reliefs often employed movable components that invited the spectator’s participation.

Arte Concreto-Invención and Madí had a common point of origin in the magazine Arturo, published as a single issue in 1944, which had espoused the cause of abstract art in Argentina. Its contributors included Carmelo Arden Quin, Gyula Kosice, Tomás Maldonado, Lidy Prati, Rhod Rothfuss, and the poet Edgar Bayley. Maldonado, along with Prati, Alfredo Hlito, Manuel Espinosa, Enio Iommi, Claudio Girola, Raúl Lozza, Alberto Molenberg, and others officially inaugurated the Asociación Arte Concreto-Invención with a manifesto and an exhibition at the Salón Peuser in March 1946. That August, the Grupo Madí was launched with an exhibition at the Instituto Francés de Estudios Superiores that included Arden Quin, Kosice, Rothfuss, Diyi Laañ, and Martín Blaszko. The origin of the name “Madí” is contested; its meaning, depending on the source, is either nonexistent or an acronym, most convincingly of “movimento arte de invención.” Madí, too, had its manifesto, but the group soon splintered when Arden Quin and Blaszko broke away in 1947 to found a parallel group with the same name.

That same year, Lozza, Molenberg, and Lozza’s two brothers left the Asociación Arte Concreto-Invención and started yet another constructivism-based abstract group they called Perceptismo. The various factions of the Argentine avant-garde were invited to participate in the Salon des réalités nouvelles at the Palais des Beaux-Arts in Paris in the summer of 1948. In September, a similarly multilateral exhibition was held in Buenos Aires at the Van Riel Galería de Arte. Shortly thereafter, the Asociación Arte Concreto-Invención dissolved when Maldonado left for Europe at the end of the year. The Perceptismo group lasted until 1953, when its eponymous review ceased publication. Members of the Grupo Madí continued to exhibit together as a group until at least the early 1960s.

Diana Landa es una carismática cantautora venezolana que tuvo la honorable invitación para interpretar el hermoso himno de Venezuela, “Gloria al bravo pueblo”, en la apertura del juego de Las Series del Caribe entre Venezuela y Puerto Rico. La artista compartió con los medios presentes y expresó sus emociones sobre esta gran experiencia. Actualmente Diana está  trabajando en su nuevo álbum musical junto al galardonado productor Dominicano Maffio y se estará anunciando su próximo lanzamiento a través de sus redes sociales. Uno de los momentos más importantes de su carrera fue haber sido seleccionada para representar al Centro de Arte de la Florida en La capital de los Estados Unidos, Washington D.C, en la Gala anual de Encuentros y Herencias Culturales, frente de una audiencia de más de 5 mil personas, incluyendo maestros, estudiantes, figuras políticas y del parlamento de los Estados Unidos, cuya Gala conto con la honorable presencia del Presidente Barack Obama como invitado especial. De esta épica presentación, Diana Landa obtiene una beca para UCF (University of Central Florida), donde se preparó profesionalmente como Comunicadora Social y además, culminó una especialización en Ciencias Políticas. También logró ser parte de la agrupación de Acapella, Gemini Blvd., de UCF.

El gran cantante José Amaya presenta el disco “Amanecer en tus brazos”

El nuevo disco de Amaya incluye joyas como “No soy de aquí ni soy de allá”, de Facundo Cabral; “Que te vaya bonito”, de José Alfredo Jiménez; y “Eres”, de José María Napoleón. El que Amaya eligió para grabar el primer videoclip del disco fue el tema “Quiero abrazarte tanto”, del español Víctor Manuel. El maestro Amaya llegó desde su Nicaragua natal a Estados Unidos en su juventud; aterrizó en Miami para estudiar Arquitectura, pero rápidamente fue captado por el arte, en el que primero se desempeñó como actor. El singular cantante y compositor -que reside cerca de Los Ángeles desde hace varias décadas- a los pocos años se internó en la música, para la que había mostrado dotes desde pequeño. Amaya jamás ha parado de cantar ni escribir. Con “Amanecer en tus brazos” contabiliza un total de cinco discos grabados. “Amanecer en tus brazos” fue producido por el productor musical Marcelo Penco en Los Ángeles y Argentina para la compañía Pyramid Récords. Este disco nuevo tiene temas escritos por otros autores, pero Amaya por lo general graba creaciones propias. Su álbum debut fue “Algo especial”, en 1990, con el famoso sello Kubaney. En el 2003 hizo “Mil maneras de decir te quiero”, con Prodisc/TH Rodven; cuatro años después llegó el turno de “Sin quitarnos la ropa; y en 2019, de “Como aquel día”. Amaya ha grabado hits como “Tú me tocas y luego te vas”, “Aquellos momentos”, y “Traumas y manías”; ha participado en el programa “Sábado gigante”; logró repercusión en países como Chile; y una de sus canciones integró la banda sonora de la telenovela, “Mariaelena”. Fue galardonado con los premios ACCA, de Miami. Amaya nació en la ciudad de Jinotepe, cerca de Managua. Desde los 7 años comenzó a asombrar con su hermosa voz.

El cubano Lil Yoe presenta su nueva canción urbana, “Mi Loca”

El cantante y compositor nominado al Grammy Lil Yoe estrena su primer sencillo como solista, titulado “Mi loca”, bajo su sello discográfico, “Melómanos Entertainment”, un tema contagioso y comercial de fusiones urbanas que pondrá a cantar y a bailar a todos globalmente. 

“Mi loca” fue escrito por Yoe y producido por Javier Alejandro Urquia (Dj Toki) y Yunier Terrero (Whyti). Este tema muestra el vibrante espíritu del reggaetón y promete ser el compañero perfecto para cualquier noche de fiesta y una adición esencial en las listas de reproducción de los playlist más destacados.

Yoenni José Echevarria, conocido por su nombre artístico “Yoe”, nació en la Habana Cuba el 11 de agosto. Se ha destacado por varios años dentro de la industria musical como uno de los mejores compositores del momento  y como cantante.  

Desde niño participó en concursos infantiles y más adelante fue escogido por el conservatorio de música “Grupo escuela de Cuba Ismaelillo”.  El ambiente musical que existía en su barrio le facilitó llegar a los estudios desde temprana edad siendo un aporte adicional a su carrera.  A los 23 años conoce a Mexicano, más conocido como “Chiquito”, con quién crea su primer dúo “Chiquito y Yoe”,  obteniendo grandes resultados y aceptación del público por medio de ruedas de prensa y  participación en eventos muy importantes  en México.

Actualmente, se prepara para presentar su primer álbum y ha sido reconocido por la prestigiosa academia de la música siendo un  ganador de Latin Grammy y nominado a Grammys por sus composiciones para artistas élite tales como Marc Anthony y Gente de Zona.

Grupo Ruptura

El Grupo Ruptura nació en São Paulo, Brasil, en 1952. El grupo estaba formado por siete artistas, entre ellos Waldemar Cordeiro, Luiz Sacilotto, Geraldo de Barros, Anatol Wladyslaw y Judith Lauand.

El grupo se formó en respuesta al panorama artístico brasileño de la época, que estaba dominado por la pintura figurativa. El Grupo Ruptura defendía la abstracción como una forma de arte más pura y objetiva que la representación figurativa.

El grupo publicó un manifiesto en 1952, en el que defendía sus ideas. El manifiesto afirmaba que el arte debía ser “objetivo, racional y geométrico”.

El Grupo Ruptura tuvo una influencia importante en el desarrollo del arte concreto en Brasil. El grupo ayudó a popularizar la abstracción y a promover el arte concreto como una forma de arte relevante para la sociedad brasileña.

Los miembros del Grupo Ruptura continuaron trabajando en el arte concreto durante muchos años. Sus obras se encuentran en las principales colecciones de arte de Brasil y del mundo.

¿Qué defendía el Grupo Ruptura?

El Grupo Ruptura defendía la abstracción como proyecto de transformación, capaz de permear el cotidiano de las personas, influenciando a la industria y organizando la vida en sus más diversas escalas: de las artes plásticas al diseño, de la arquitectura a la ciudad.

Los artistas del Grupo Ruptura creían que la abstracción era una forma de arte más pura y objetiva que la representación figurativa. La abstracción, en su opinión, era capaz de expresar la esencia de la realidad de una manera más directa y contundente.

El Grupo Ruptura también estaba interesado en la integración del arte en la vida cotidiana. Querían que el arte fuera accesible a todos y que pudiera tener un impacto positivo en la sociedad.

¿Qué fue el movimiento Ruptura?

El movimiento Ruptura fue un movimiento artístico que surgió en Brasil en la década de 1950. El movimiento estaba encabezado por un grupo de artistas, entre ellos Waldemar Cordeiro, Luiz Sacilotto, Geraldo de Barros, Anatol Wladyslaw y Judith Lauand.

El movimiento Ruptura fue un importante hito en el desarrollo del arte concreto en Brasil. El movimiento ayudó a popularizar la abstracción y a promover el arte concreto como una forma de arte relevante para la sociedad brasileña.

¿Cuál fue el objetivo de la publicación del manifiesto Ruptura?

El manifiesto Ruptura fue publicado en 1952. El manifiesto fue una declaración de principios del movimiento Ruptura. El manifiesto defendía la abstracción, la integración del arte en la vida cotidiana y la renovación de los valores esenciales de la arte visual.

El manifiesto Ruptura fue un documento importante en la historia del arte concreto en Brasil. El manifiesto ayudó a difundir las ideas del movimiento Ruptura y a promover el arte concreto como una forma de arte relevante para la sociedad brasileña.

¿Cuáles son los objetivos del manifiesto Grupo Ruptura?

Los objetivos del manifiesto Grupo Ruptura son los siguientes:

• Defender la abstracción como proyecto de transformación.
• Promover la integración del arte en la vida cotidiana.
• Renovación de los valores esenciales de la arte visual.

El manifiesto Grupo Ruptura fue un documento importante en la historia del arte concreto en Brasil. El manifiesto ayudó a difundir las ideas del movimiento Ruptura y a promover el arte concreto como una forma de arte relevante para la sociedad brasileña.

¿Cuál es la origen de la arte concreta?

La arte concreta surgió en Europa, en el inicio del siglo XX, con la intención de producir obras que usaran elementos propios de las linguagens. A princípio: planos y colores. As se difundir para otras linguagens, la arte concreta pasó a trabajar con superficies, sonidos, silencios, enquadramentos cenográficos etc.

La arte concreta fue un movimiento artístico que se desarrolló en Europa y América Latina en el siglo XX. El movimiento se caracterizó por el uso de elementos abstractos, como planos y colores, para crear obras de arte que fueran objetivas y racionales.

¿Cuál fue el principal foco del concretismo en Brasil?

El principal foco del concretismo en Brasil fue la abstracción. Los artistas concretistas brasileños creían que la abstracción era una forma de arte más pura y objetiva que la representación figurativa.

El concretismo brasileño también se interesó por la integración del arte en la vida cotidiana. Los artistas concretistas brasileños querían que el arte fuera accesible a todos y que pudiera tener un impacto positivo en la sociedad.

¿Qué es una pintura concretista?

Una pintura concretista es una obra de arte que utiliza elementos abstractos, como planos y colores, para crear una composición armoniosa y equilibrada.

Los principios del concretismo rechazan cualquier convención o interpretación lírica o simbólica. El cuadro, construido exclusivamente con elementos plásticos – planos y colores -, no tiene otra significación si no él propio.

Una pintura concretista puede ser muy simple o muy compleja. Sin embargo, siempre se caracteriza por su uso de elementos abstractos para crear una composición armoniosa y equilibrada.

Judith Lauand La Dama Del Arte Concreto

Judith Lauand, una de las artistas brasileñas más importantes del siglo XX, dedicó su vida a la pintura.
Nacida en el interior de São Paulo en la década de 1920, se formó en la Escuela de Bellas Artes de la ciudad. Sus primeras obras, figurativas e influenciadas por el expresionismo, evolucionaron hacia la abstracción y, finalmente, al arte concreto.

A principios de la década de 1950, Lauand mostró un creciente interés por el color y sus pulsaciones ópticas. Este interés la llevó a abrazar el arte concreto, un movimiento que buscaba crear obras de arte que fueran puramente visuales y abstractas.

En 1955, Lauand se convirtió en miembro del Grupo Ruptura, un grupo de artistas paulistanos que fueron pioneros del arte concreto en Brasil. El grupo, que también incluía a artistas como Waldemar Cordeiro, Luiz Sacilotto y Geraldo de Barros, buscaba crear un arte que fuera moderno y relevante para la sociedad brasileña.

Lauand fue una de las pocas mujeres que participaron en el Grupo Ruptura. Su trabajo, que a menudo presentaba formas geométricas de colores brillantes, la ayudó a ganar reconocimiento internacional como una de las principales artistas concretas del mundo.

A lo largo de su carrera, Lauand experimentó con diferentes estilos y técnicas. En la década de 1960, volvió a la figuración, incorporando elementos pop y expresionistas a su trabajo. En la década de 1970, regresó al arte concreto, pero con un enfoque más informal.

En los últimos años, Lauand ha continuado experimentando con diferentes formas y colores. Su trabajo sigue siendo relevante y emocionante, y es un testimonio de su compromiso con el arte y la creatividad.
En los últimos años, Lauand ha continuado experimentando con diferentes formas y colores. Su trabajo sigue siendo relevante y emocionante, y es un testimonio de su compromiso con el arte y la creatividad.

Uno de los exponentes más importantes de la producción artística brasileña de la segunda mitad del siglo XX, Judith Lauand convirtió la pintura en su vida.

Nacida en el interior de São Paulo en la década de 1920, se formó en la Escuela de Bellas Artes y, a partir de ahí, su carrera avanzó y se expandió. Sus obras, al principio figurativas e influenciadas por el expresionismo, se volvieron abstractas y luego, concretas.

A principios de la década de 1950, Judith Lauand mostró un creciente interés por el color y sus pulsaciones ópticas, culminando en el Concretismo. De hecho, esta es la expresión más fuerte de su trayectoria artística, hasta el punto de hacerla reconocida mundialmente como dama del arte concreto brasileño.

Este proceso comienza en 1955, cuando es invitada a formar parte del grupo de artistas paulistanos Ruptura y se convierte en figura destacada en la fundación del Movimiento Concreto, siendo, incluso, la única mujer en integrar el grupo. Participa de la icónica Exposición Nacional de Arte Concreto del MAM – Museo de Arte Moderno de São Paulo, en 1952.

El Movimiento Concreto pretendía abolir de la pintura cualquier connotación simbólica o lírica. Los cuadros deberían contener solo planos y colores. El mismo camino seguía la poesía concreta, pareja de las artes visuales, teniendo en Décio Pignatari y los hermanos Haroldo y Augusto de Campos sus principales representantes.

En una entrevista concedida al diario de la Asociación Brasileña de Críticos de Arte, en el año 2011, Judith Lauand dijo: “Yo tenía conciencia de que hacíamos algo nuevo, que no existía. Que estábamos construyendo la base de un movimiento nuevo”. La propia artista cita como sus referencias: “Malevitch por el pensamiento matemático, Mondrian por sus estructuras, Paul Klee por el lirismo, Modigliani por la ternura, Marcel Duchamp por la amplitud de visión, con una obra que nunca se repetía. Y Josef Albers porque tiene en el color su principal expresividad…”.

Judith Lauand permanece durante años fiel a su postura y trayectoria concretistas. Su obra en esta fase tiende a la perfección en la composición, en el refinamiento del color y en el equilibrio gráfico, conseguidos a través de constantes investigaciones. Ejerce la énfasis en la geometría con rigor, en líneas y formas esparcidas en el lienzo de forma rígida, casi matemática.

La artista, aunque en la búsqueda de la razón geométrica, poco a poco, a diferencia de los otros miembros del grupo Ruptura, va subvertiendo sus propios trabajos con “licencias poéticas”.

A finales de la década de 1960, la artista retoma la figuración, ahora más libre y menos rígida. Incorpora a sus trabajos elementos pop y resalta la función social del arte, evidenciando una postura política y feminista, que reafirma su papel de vanguardia.

A principios de la década de 1970, retoma la producción de trabajos de esencia abstracta geométrica, transitando entre esta y un abstraccionismo más informal.

Su obra en los años siguientes se adentra por otros caminos, experimentando la asimetría. En ella, el lado geométrico de la composición da lugar a una nueva dismetría, en la que la artista rompe la rigidez y subverte lo concreto, a veces haciendo uso de formas redondeadas. Su declaración “no hace falta ser cuadrado para ser concreto” suma ruptura a ruptura.

La trayectoria singular de Judith Lauand se desarrolla con participaciones en cinco bienales de São Paulo y en varias exposiciones nacionales e internacionales.

Hasta hoy, con 92 años, su trabajo se muestra con destaque en el circuito internacional de artes, como la exposición reciente en la Stephen Friedman Gallery en Londres, ocurrida en 2013. Las obras de la artista están presentes en los museos más importantes de Brasil, además de museos internacionales, como el Musée de Grenoble, en Francia, y el Museum of Fine Arts, en Houston, EE. UU.

En esta exposición promovida por el 44º Chapel Art Show, que contempla pinturas, serigrafías y xilografías, las obras de la artista muestran, con delicadeza y audacia en las formas, las diferencias básicas entre la línea y el plano, siempre a través de mucho color.

El trabajo de Judith Lauand posee sí un enfoque matemático y racional, pero con alma, rigor y poesía, que captan nuestra mirada y nos encantan. Las palabras, claro, no sustituyen la apreciación de las obras.

Adriana Rede
Curadora
44º Chapel Art Show