¿Qué es Mono-Ha?

Su significado es «La escuela de las cosas» y tiene sus orígenes en Tokio a mediados de 1960. En vez de obras tradicionales, los artistas del Mono-Ha hacían uso de diferentes materiales en sus obras para mostrar su desánimo con la industrialización que estaba teniendo lugar en Japón en aquella época. El movimiento acabó obteniendo atención internacional y es una forma de arte muy respetada.

Perez Art Museum PAMM

Mono-ha (も の 派) es el nombre que se le da a un movimiento artístico liderado por artistas japoneses y coreanos del siglo XX. Los artistas de Mono-ha exploraron el encuentro entre materiales naturales e industriales, como piedra, planchas de acero, vidrio, bombillas, algodón, esponja, papel, madera, alambre, cuerda, cuero, aceite y agua, ordenándolos en su mayoría inalterados. , estados efímeros. Las obras se centran tanto en la interdependencia de estos diversos elementos y el espacio circundante como en los propios materiales.

Origen del término “Mono-ha” y sus miembros

“Mono-ha” generalmente se traduce de manera literal, como “Escuela de cosas”. Los artistas de Mono-ha afirman regularmente que “Mono-ha” fue un término acuñado con desdén por los críticos (específicamente Teruo Fujieda  y Toshiaki Minemura  en la revista Bijutsu Techo en 1973) mucho después de haber comenzado a exhibir su trabajo, y no comenzaron como un colectivo organizado. Los escritos y las conversaciones de los artistas se publicaron antes de que los críticos acuñaran el término, incluido el artículo fundamental de Lee “Mundo y estructura: colapso del objeto [Pensamientos sobre el arte contemporáneo]” en 1969  y la mesa redonda de artistas dignos de mención “Voces de artistas emergentes: del reino del no arte ”  publicado en 1970. Muchos de los artistas de Mono-ha se exhibieron por primera vez en las galerías Tamura y Maki en Tokio, propiedad de Nobuo (Shinro) Yamagiishi, quien también era escritor de arte y cuyos archivos se encuentran en la colección del Centro Nacional de Arte de Tokio .

Toshiaki Minemura explica en su ensayo de 1986 “¿Qué fue Mono-ha?” Que, en términos de su formación académica e intercambio intelectual, los artistas de Mono-ha se dividen en tres grupos: 

1. “La conexión Lee + Tamabi “. Esto incluye a Nobuo Sekine , Kishio Suga , Shingo Honda, Katsuhiko Narita y Katsurō Yoshida en el departamento de pintura, y Susumu Koshimizu en el departamento de escultura en Tama Art University (también conocido como Tamabi), así como Jiro Takamatsu y Lee Ufan , un artista coreano que es un amigo cercano de Sekine.
2. “The Geidai Connection “, un grupo de artistas en torno a Kōji Enokura y Noboru Takayama, ambos graduados de la Universidad de las Artes de Tokio (también conocida como Geidai), y Hiroshi Fujii y Makoto Habu, que más tarde participaron en Mono-ha.
3. “The Nichidai Connection”, estudiantes del Departamento de Bellas Artes de la Universidad de Nihon (también conocido como Nichidai), cuya figura central era Noriyuki Haraguchi, también conocido como el “Grupo Yokosuka”, debido a la crianza de Haraguchi en Yokosuka y su crítica de la presencia militar local de EE. UU. a través de su trabajo. 

Contexto sociopolítico

Mono-ha surgió en respuesta a una serie de precedentes sociales, culturales y políticos establecidos en la década de 1960. Con la excepción de Lee Ufan, que era una década mayor, la mayoría de los artistas de Mono-ha apenas comenzaban sus carreras cuando ocurrieron las violentas protestas estudiantiles de 1968-1969.

Al mismo tiempo, hubo muchas protestas contra la segunda extensión del Tratado de Seguridad entre Estados Unidos y Japón (conocido en japonés abreviado como Anpo ) en 1970, obligando a Japón a brindar apoyo logístico para la guerra de Estados Unidos en Vietnam. Unido a las demandas de reversión de Okinawa en 1972 y la retirada de las armas nucleares con base allí, el clima de protesta durante este período fue sintomático de una creciente desconfianza en las intenciones de Estados Unidos hacia Asia y su posición dominante en la relación bilateral con Japón. . El activismo de la ” generación Anpo ” dio lugar a una contracultura altamente intelectual que era a la vez crítica del ” imperialismo ” estadounidense y muy consciente de su identidad japonesa. 

Los artistas de Mono-ha típicamente niegan involucrarse con movimientos activistas estudiantiles en ese momento, aunque se cree que el clima político tenso influyó en su trabajo, lo que les permitió lidiar y dar sentido a su malestar y desilusión con la modernidad de posguerra en sus diferentes formas.

Atención reciente en los Estados Unidos

En 2012, la galería Blum & Poe introdujo el arte de Mono-ha en los EE. UU. Con la exposición de encuestas “Requiem for the Sun: El arte de Mono-ha”, comisariada por Mika Yoshitake . La galería también ha realizado exposiciones individuales de Lee Ufan , Kishio Suga , Susumu Koshimizu , Koji Enokura y Nobuo Sekine .

Fase-Madre Tierra

La Phase-Mother Earth de Nobuo Sekine se considera el trabajo inicial del movimiento Mono-ha.  Creado originalmente en el parque Suma Rikyu en Kobe , y sin permiso oficial. La obra fue recreada en 2008  y 2012. Se trataba de una gran torre cilíndrica de tierra compactada, que se extraía de un agujero cilíndrico de la misma forma.

Miembros

• Jiro Takamatsu
• Nobuo Sekine
• Lee Ufan
• Kishio Suga
• Koji Enokura
• Susumu Koshimizu
• Noboru Takayama
• Katsuhiko Narita
• Noriyuki Haraguchi
• Katsuro Yoshida
• Kenji Inumaki
• Shingo Honda
• Keiji Uematsu

Mono-Ha es el nombre comúnmente atribuido a una corriente artística, y al grupo de sus miembros, que operó en Japón entre finales de los años sesenta y principios de los setenta. Aunque radicalmente diferente, y diversa, entre ellas, la obra de cada artista De La Mono – Ha, comparte algunas características comunes, tales como: el uso de materiales naturales, la asimilación de ciertos aspectos de Occidente, el desafío al concepto tradicional de arte.

El uso de materiales simples, tanto naturales como manipulados (preferiblemente de tal manera que creen formas orgánicas), es un aspecto fundamental y unificador de los diversos exponentes del movimiento: se prefiere la planta, las telas, las rocas, la madera, el papel, las cuerdas, las sustancias de vidrio y, en la mentalidad del artista, se convierten en los medios que empujan a reconsiderar bajo una visión diferente de la relación entre el arte, el hombre y materia y realidad El término Mono-Ha, acuñado por los miembros del grupo artístico, traducido del japonés al italiano significa “la escuela de las cosas” . Emergiendo como una expresión de la vanguardia del arte japonés a finales del siglo XX, el interés de la Mono-Ha es buscar y revelar la realidad más allá de la apariencia: el conceptualismo de la Mono – Ha, entonces, no es estéril o fin en sí mismo, sino que se convierte en la ocasión de la revelación y expresión del vacío : un objeto, una obra nunca es diferente del espacio que lo ocupa, sin embargo, coincide con él. Ambos, por otro lado, contribuyen a crear el significado: devenir, de nacimiento o de disolución. Por lo tanto, es importante el aspecto dinámico y la transformación, la cambiabilidad impermanente de las cosas y, por extensión, de la realidad. La seriedad de estos principios es demostrada por los artistas Mono – Ha: sus obras, su naturaleza efímera, no se prestan al contexto de colecciones o museos (nadie posee uno). El rechazo de la perfección, de lo definitivo, de lo realizado, es, por tanto, total. El gesto creativo es aún más fundamental que el trabajo. La conexión de las obras con el lugar donde nacen, y su carácter efímero, a menudo causa problemas logísticos, si no incluso de especificidad con el lugar donde nacen. La primera exposición de Mono-Ha se celebró en 1969: bastante raro el siguiente, algunos de los cuales se llevaron a cabo en Francia, Italia y la U. S.A.

• MONO-HA. Se lleva a cabo a finales de los sesenta e inicios de los setenta. Es un movimiento artístico contemporáneo japonés que se centra en las relaciones entre los materiales y las percepciones más que la expresión o la intervención. Trabajan sus obras con materias primas, materiales simples y naturales que apenas manipulan. Uno de los artistas más importantes de este movimiento es Lee Ufan. Comparte características del movimiento Land Art, Fluxus y el arte conceptual. Su objetivo era simple, hacer “cosas” juntos en la medida de lo posible en su estado natural. Algunos expositores de este movimiento son: Nobuo Sekine, Ufan Lee, Yoshida Katsuro, Koshimizu Susumu, Enokura Koji, Suga Kishio, Takayama Noboru y Narita Katsuhiko.
• SUPPORT SURFACE. En 1970 por Vincent Bioulès. Es un movimiento pictórico que surge en Francia alrededor del 1966, dedicado a la pintura y la escultura. Este término fue propuesto por Vicent Bioulès. Otro nombre por el que se conoce es Nuevo Reduccionismo. Algunos expositores de este movimiento: François Rouan, Marc Devade, Louis cane, André Valansi, Claude Viallat y Vicent Bioulès.
• NEO DAD. Surge a finales de los años 50 y principios de los 60. Es un movimiento que surge como reacción al arte del expresionismo abstracto, creando un arte opuesto a este, aunque sin ser frío y despersonalizado, continua con los principios del surrealismo, pero llevados a otra escala, a otro nivel y lenguaje artístico. Continúa los principios del surrealismo, pero llevados a otra escala. El movimiento neo dadaísta innova con otros materiales. La temática es extraída del medio ambiente urbano de las grandes ciudades, de sus aspectos sociales y culturales: comics, revistas… Los artistas más representativos son Robert Rauschenberg y Jasper Johns.
• JUNK ART. Surge en los años 50 como movimiento americano. con reacción al idealismo del Expresionismo Abstracto. Su pionero fue L. Alloway. Su interés por el objeto de consumo le convirtió en antesala del Por Art. Era similar al “arte basura”. Era similar al Collage L. Alloway. Algunos de los principales artistas del Junk Art. Son Chamberlain, Stankiewics, Di Suvero, Samaras, Dine, Oldenburg, César, Kaprow y Grooms.

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