¿Qué es Arte Concreto?
«Arte concreto». El término se ha vuelto histórico, pero el contenido es tan relevante como lo fue a principios del siglo XX.»
Se ha denominado arte concreto a aquellas expresiones artísticas basadas en la línea, el punto, el color y el material como lenguaje; independiente de la reproducción de objetos reconocibles, es decir, del figurativismo; donde el énfasis está en la construcción de la obra en sí misma, en lugar de en su contenido o significado subjetivo.
Podría decirse que fue una evolución del arte geométrico que se había desarrollado en Europa, en el siglo XIX, influido por los avances en la geometría y la matemática.
La denominación “concreto” o “concretista” se consolida en Suiza, en el período de la posguerra (1945) por artistas que trabajaban en la corriente de la abstracción geométrica Nace como oposición al arte abstracto, desechando los vestigios simbólicos que este puede traer a causa de su origen en la abstracción de la representación del mundo.
Se desarrolla paralelamente con el informalismo. Con Richard Paul Lohse y Zdenek Sykora, se cultiva una pintura de abstracción geométrica, del tipo “borde duro”.
La relación entre abstracción y arte concreto queda patente en la exposición de la Galería René Drouin de París de 1945, ya que se trata de la primera exposición importante de arte abstracto, y su título fue precisamente “Art Concret”.
Richard Paul Lohse, 1949 Diffusion of two groups of colour
En este arte se excluye todo tipo de ilusionismo; allí los materiales son ellos mismos, no simulan nada, por lo tanto la obra y los elementos constitutivos se presentan tal cual son.
Zdenek Sykora (1988)
Con predominio de elementos geométricos sencillos (círculos, cuadrados, triángulos) y creación de tensiones, la expresión plástica se basa más en la línea y la superficie.
La forma tiene más importancia que el color.
El arte concreto intenta abandonar cualquier aspecto característico nacional o regional y se aleja de cualquier connotación lírica o simbólica; y, negando las corrientes artísticas subjetivistas, rechaza el sensualismo como expresión de sentimientos.
El objetivo del arte concreto es ser universalmente claro, producto no de la mente irracional, como mostraba el surrealismo, sino de la mente racional y consciente de un artista, libre del ilusionismo y de simbolismos. El arte concreto debe ser una entidad en sí más que un vehículo para ideas espirituales o políticas.
Por lo tanto, esta forma de expresión artística, debe ser libre de cualquier asociación simbólica con la realidad. Los artistas argumentan que las líneas y los colores son concretos por sí mismos y que la pintura concreta no tiene otro significado que ella misma.
El arte concreto trabaja con superficies, sonidos, silencios, encuadres escenográficos, crea un lenguaje autónomo, que no necesita mantener relación con los temas tradicionales o figurativistas.
El arte concreto es heredero de las investigaciones del grupo De Stijl (El estilo), de Piet Mondrian y Theo Van Doesburg, que busca la pureza y el rigor formal en el orden armónico del universo.
Piet Mondrian, 1927
Mondrian (1943)
Theo Van Doesburg lo describió como un movimiento artístico con fuerte énfasis en la abstracción; utilizando las formas geométricas y el análisis de los elementos plásticos, sin un modelo objetivo de estructura.
Y había señalado que, para ser universal, el arte debe abandonar la subjetividad y encontrar la inspiración impersonal únicamente en los elementos con los que se construye: línea, plano y color.
Ese mismo año funda un grupo llamado “Arte concreto”, junto con otros cuatro artistas: Heinz Mack, Yaacov Agam, Pol Bury y Jesús Rafael Soto.
Afirmaba que “lo concreto es la intencionalidad pictórica, visual, impactante, retórica, mientras que lo abstracto será todo aquello que rodeará los planos que se entrecruzarán entre espectadores y sus ojos recibirán aquello que el artista asumió en el momento de su realización, utilizando colores planos, donde predomina la forma sobre el color”.
Ya sea pintura, dibujo o multimedia, arte concreto es un tipo de arte que no depende de referencias visuales de la vida real, más bien utiliza formas, colores y líneas, de manera que pueden capturar un sentimiento o emoción en lugar de crear una semejanza literal.
El “Manifiesto del Arte Concreta” publicado en la primera y única edición de la revista Art Concret, lanzó las bases conceptuales de este movimiento. En el mismo declaraban:
- El arte es universal;
- La obra de arte debe estar completamente concebida y moldeada por la ejecución de espíritu. No recibe datos de la naturaleza formal, o sensualidad, o el sentimentalismo. Queremos excluir lirismo, dramatismo, simbolismo, etc.;
- La pantalla debe ser completamente construida con elementos puramente visuales, sus planos y colores. Un elemento pictórico no tiene sentido diferente de “sí mismo” en la pantalla la consecuencia es “él mismo”;
- La construcción de la pantalla, también controlable visualmente;
- La técnica debe ser mecánica, anti-impresionista;
- Esfuerzo de claridad absoluta.
El arte concreto influyó en otros movimientos artísticos como el minimalismo y el arte cinético, y se considera una de las corrientes artísticas más importantes y originales del siglo XX.
Cuando en 1930, Theo Van Doesburg emite el manifiesto denominado “Arte
Concreto”, lo lanza en repuesta a la formación de la asociación “Cercle et Carré”.
Cercle et Carré o Círculo y Cuadrado, fue un movimiento artístico que se inicia en
París en 1929; fundado por Joaquín Torres García y Michell Seuphor, su objetivo era
promover la abstracción geométrica. Realizaron una exposición colectiva en la
Galería 23, en Paris (1930) con 43 artistas, entre los cuales figuraban Kandinsky,
Mondrian y Vantongerloo.
Surge la motivación de los artistas y se conforman tres movimientos que serían el
mencionado Cercle et Carré (1929); Art Concret (1930) y Abstraction Creation
(1931) unidos con el fin de proyectarse como una fuerza internacional, para así
enfrentar la hostilidad del público y plantear un debate estético al Surrealismo,
generalmente caracterizado por el constructivismo, con el que discrepan
frontalmente.
Realizan dos exposiciones que serán decisivas para la solidificación de estos
movimientos.
El término “arte concreto” es creado por Theo Van Doesburg en Europa, aunque
posteriormente fue adoptado por el movimiento que surgió en Brasil y Argentina en
la década de 1940.
Es importante destacar que el arte concreto en Brasil y Argentina tenía
características propias, distintas de las del movimiento original en Europa. Los
artistas sudamericanos se enfocaron en la creación de obras de arte concretas que
pudieran interactuar con el espectador y producir una experiencia espacial y
sensorial, además de utilizar materiales y técnicas locales en la producción de sus
obras, lo que les proporcionó una identidad propia dentro del movimiento. En
consecuencia, el arte concreto se convirtió en un movimiento importante en la
historia del arte latinoamericano del siglo XX.
No se puede soslayar el lugar significativo que tiene Theo Van Doesburg como uno
de los más importantes creadores del neoplasticismo. Es así que reviste importancia
hacer una breve semblanza de su vida y obra.
Nace en Utrecht, en 1883, como Christian Emil Marie Küpper; después, este
arquitecto, pintor y teórico de arte, adoptaría el seudónimo de Theo Van Doesburg.
Tras unos inicios figurativos se centró, influido por Kandisky, en una forma de
abstracción geométrica y gracias a su amistad con Mondrian, funda el grupo y la
revista “De Stijl” (“El Estilo”).
El movimiento, surgido en la segunda década del siglo XX, supuso un cambio
profundo en la manera de entender y realizar el arte en general, no solo en la
pintura, sino también en la escultura, la arquitectura, el diseño de muebles y el
diseño gráfico.
Colaboró también en proyectos arquitectónicos y escribió textos teóricos, tal como
Principios fundamentales de las nuevas artes plásticas, (1925), además de llevar a
cabo un importante papel de difusión de los principales centros artísticos.
Su posterior evolución lo convierte en punto de referencia clave para los grupos
abstractos de los años treinta y a él se debe el proyecto del grupo Abstracción-
Creación.
Theo Van Doesburg
Retrocediendo en la historia se puede encontrar que, en 1918, luego de la Primera
Guerra Mundial, surge el “Manifiesto Dadá”, o dadaísmo. El Dadaísmo declara la
intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el mundo del arte.
Se presenta como un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético, ya que
cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía.
Ese mismo año, Theo van Doesburg y otros artistas y pintores, como Piet Mondrian,
se oponen y publican el “Manifiesto del Neoplasticismo, totalmente antagónico al
dadaísta, alegando que si los dadaístas querían destruir el arte, ellos querían su
renovación total.
El manifiesto señalaba que el arte resultante no debe ser referencial en la medida en
que sus componentes no deban referirse, o aludir a, las entidades que normalmente
se encuentran en el mundo natural y visible
Frente a la irracionalidad y el azar, oponían una razón ordenadora, capaz de crear un
estilo de formas simples y claras, caracterizado por el uso de colores primarios, que
fuese aplicable a todas las manifestaciones plásticas.
Es así como el empeño de Van Doesburg se enfoca en la defensa de una utopía, a la
vez racionalista y humanista, plasmada sobre todo en sus proyectos de decoración de
interiores, en los que se integraban pintura y arquitectura.
En 1924, se publica los “Principios de Arte Neoplástico”, en la Bauhaus; esta es una
institución antiacadémica y un centro pedagógico y experimental de las artes,
considerada como la primera escuela de diseño del mundo, que funda las bases para
el diseño moderno.
Ese mismo año Van Doesburg dio diversas conferencias en Europa y se rebeló
contra la insistencia programática de Mondrian en la utilización exclusiva de líneas
verticales y horizontales. Es así que realiza su primera “Contraposición”, en donde
introduce las diagonales y da comienzo a una nueva dirección del neoplasticismo,
que se conoce como elementarismo.
Composición en gris
Counter composition XIII (1926)
Mondrian consideraría prácticamente “una herejía” esta actitud de Van Doesburg y
éste se distancia del grupo De Stijl. Gracias a ello se convierte, a principios de los
años treinta, en la fuerza impulsora del nuevo grupo abstracto parisino llamado
Abstracción-Creación.
Theo Van Doesburg llevó a cabo proyectos de decoración de interiores,
generalmente en colaboración con otros artistas, en donde las continuidades o
también las rupturas cromáticas modulan los espacios y los intensifican, para así
integrarlos en una unidad color-arquitectura indisociable en lo visual.
En 1923 realizó, entre otros proyectos, el vestíbulo de la Universidad de Amsterdam.
En 1928, la decoración para el Café L’Aubette de Estrasburgo, realizada con la
colaboración de Hans Arp y Sophie Täuber.
Café L’Aubette
Allí concibió la articulación de paredes y techos a través de grandes bajorrelieves,
resaltando un estupendo juego de diagonales, que promovía enlaces entre las
distintas superficies; de este modo logra establecer una continuidad entre los
diversos espacios de las salas.
El trabajo de Van Doesburg se extendió durante los años treinta a partir de la obra
del grupo De Stijl, en torno al pintor suizo Max Bill (1908-1994) y de los futuristas
y Kandisky.
Otro de los grandes impulsores del arte concreto fue Max Bill (1908-1994); un
arquitecto, pintor, escultor, diseñador gráfico, tipográfico e industrial, publicista y
educador suizo. Estudió en la Escuela Superior de las Artes de Zurich y en la
Bauhaus de Dessau. Fue el primer rector de la escuela HfG de Ulm y formó parte del
grupo Abstraction-Création desde 1932 hasta 1937.
La obra e ideas de Max Bill tuvieron trascendencia, al punto que organizó la primera
exposición internacional (1944), y dio sus frutos en el norte de Italia, Francia y en
Colombia, en los años 1940 y 1950; a través de la obra de grupos como
“Movimiento d’arte concreta” (MAC) y “Espace”. También fue llevado a la práctica
por el grupo “ Abstraction-Création ” y, en años posteriores, en Uruguay y en
México.
Max Bill. Radazione Duplicate (1921)
Otros artistas de esta tendencia fueron Naum Gabo (1890-1977) y Auguste Herbin
(1882-1960).
Naum Gabo Pintura Madí A-3, 1946-
Auguste Herbin Composición (1940)
Entre las características generales del Art Concret están:
- Rechazo de toda relación con lo natural, lo objetivo y lo simbólico.
- Utiliza la representación de ideas abstractas en una nueva realidad de carácter
universal y constante. - La expresión plástica se basa, principalmente, en la línea y la superficie,
relegando al color a un segundo plano. - Empleo de elementos geométricos sencillos (círculos, cuadrados, triángulos) y
creación de tensiones. - La forma tiene más importancia que el color.
- Composiciones geométricas formando estructuras que recuerdan construcciones o
arquitecturas. - Emplea colores planos creando efectos cromáticos de espacio y vibración
plástica.
En otras palabras, el arte concreto es una modalidad de la abstracción que, mediante
el empleo de formas geométricas y el análisis de los elementos plásticos, descarta
toda referencia a un modelo, a la vez que se propone desarrollar un sistema objetivo
de composición.
En él, la expresión plástica se basa, principalmente, en la línea y la superficie,
relegando al color a un segundo plano. Empleo de elementos geométricos sencillos
(círculos, cuadrados, triángulos) y creación de tensiones. La forma tiene más
importancia que el color.
“La obra de arte no debe recibir nada procedente de las propiedades formales de la
naturaleza o de la sensualidad o sentimentalismo, puesto que un elemento pictórico
no tiene más significado que él mismo, y, por lo tanto, el cuadro no tiene otro
significado diferente”.(Van Doesburg)
ART CONCRET (Max Bill)
En este arte se excluye todo tipo de ilusionismo; la obra y los elementos de los que
consta se presentan estrictamente en cuanto a lo que son, sin cualidades virtuales.
Los materiales no simulan nada que no sean ellos mismos. El eslogan “materiales
reales, espacio real” se emplea con frecuencia en relación a esta forma artística.
En resumidas cuentas, en palabras de unos de los artistas destacados de este
apartado, Max Bill, sostiene que “la pintura concreta elimina toda presentación
naturalista, aprovecha los elementos fundamentales de la pintura, el color y la forma
de la superficie”. Es decir, su esencia es la libertad de cualquier modelo natural: la
pura creación.
A la muerte de Van Doesburg, acaecida en 1931, sus ideas son retomadas a finales
de los años 30 por los artistas suizos: Max Bill y Jean Arp, quienes publican varias
obras y realizan importantes exposiciones de pintura, escultura y artes aplicadas.
Max Bill
Jean Arp
Algunas diferencias entre Arte Concreto y Arte Abstracto.
En un sentido general, el «arte abstracto» con frecuencia incluye la «abstracción de
formas en la naturaleza», pero el «arte concreto» dimana directamente de la mente
«y, por consiguiente, es más» cerebral «que el arte abstracto en general,
El arte concreto a menudo está compuesto de características visuales básicas como
planos, colores y formas.
El sentimiento tiende a estar ausente del arte concreto La mano del artista puede ser
difícil de detectar en obras de arte concreto.
El arte concreto puede parecer, en algunos casos, haber sido realizado por una
máquina.
El arte concreto a menudo tiene una referencia visual fundamental a la geometría,
mientras que el arte abstracto, más general, puede encontrar su base en
componentes del mundo natural.
Según el manifiesto de Theo Van Doesburg: “el arte concreto no debe recibir nada
de la naturaleza, propiedades formales o de la sensualidad o el sentimentalismo.
Queremos excluir el lirismo, el dramatismo, el simbolismo, etc”. “En el arte
concreto, una ecuación matemática puede servir como punto de partida. El arte
concreto puede incluir pintura y escultura”.
La pintura debe estar completamente construida con elementos puramente plásticos,
es decir, superficies y colores. Un elemento pictórico no tiene ningún significado
más allá de «sí mismo»; como consecuencia, una pintura no tiene otro significado
que no sea “sí mismo”.
La construcción de una pintura, así como la de sus elementos, debe ser simple y
visualmente controlable.
La técnica de pintura debe ser mecánica, es decir, exacta, antiimpresionista.
Un esfuerzo hacia la claridad absoluta es obligatorio.
Algunas citas
Theo van Doesburg: “La obra de arte debe estar Totalmente diseñada en la mente
antes de ejecutarse. No debe contener nada de las condiciones formales de la
naturaleza, los sentidos y los sentimientos. Queremos desactivar el lirismo, el
drama, simbolismo, etc. La imagen debe Construirse exclusivamente de elementos
plásticos, a partir de superficies y colores. Un elemento de imagen no tiene otro
significado que él mismo”.
“El color es la sustancia básica de la pintura; sólo significa en sí mismo. Pintar es un
medio para realizar visualmente la idea: cada imagen es un pensamiento en color.
Antes de que el trabajo se traduzca en materia, está completamente en conciencia.
Es necesario que la realización tenga una perfección técnica igual a la del diseño
intelectual. Trabajamos con las magnitudes de las matemáticas (euclidianas o no
euclidianas) y la ciencia, es decir, con los medios del pensamiento”. «La pintura es
un medio para realizar visualmente la idea».
Richard Paul Lohse: “El número reemplaza al individuo, los temas asumen la
función expresiva del elemento” “La tarea crucial es activar el proceso lógico-
sistemático de tal manera que emerja una formulación artística dinámica y los
principios de orden emergen como un medio para clasificar esta intención”.
Y refiriéndose al objetivo del arte concreto, Max Bill formula, en 1949, en su
introducción al catálogo de la exposición Arte concreto de Zurich:
«… el objetivo del arte concreto es desarrollar objetos para uso intelectual, así como
el hombre crea objetos para el uso material. El arte concreto en su consecuencia
final es la expresión pura de la medida armónica y la ley. Organiza sistemas y da
vida a estas reglas con medios artísticos «.
Bases de la Pintura Concreta, antecedentes teóricos
En 1930, en el primer número de Cercle et Carré, Michel Seuphor definió el papel
del artista abstracto. Se señalaba que éste debía “establecerse, sobre los cimientos de
un arte simple, severo y sin adornos.
El historiador del arte Werner Haftmann indaga la trayectoria y la propuesta de
Seuphor y la vincula a la síntesis del constructivismo ruso y el neoplasticismo
holandés en la Bauhaus, donde la pintura abandonó la artificialidad de la
representación de autenticidad tecnológica y se mezcló con la arquitectura y la
ingeniería.
Algunos artistas como Victor Vasarély, Jean Dewasne, Mario Negro y Richard
Mortensen, sólo llegaron a la pintura después de estudiar ciencias. Sin embargo,
todos los avances teóricos buscan la justificación en la práctica pasada, y en este
caso las proporciones matemáticas expresadas en forma abstracta deben identificarse
en las varias formas de arte utilizadas durante milenios. Es por eso que Hartmann
sostenía que “la eliminación de las imágenes representativas y el uso abierto de la
geometría pura no significaban un rechazo radical y definitivo del gran arte del
pasado”.
Theo Van Doesburg proclamó el concepto de Arte Concreto en 1924, y en 1930 fue
introducido en el programa ese mismo año por el grupo de arte Art concret. Se
preveía que, en el caso ideal, el arte puramente concreto debería basarse en
parámetros puramente matemáticos y geométricos.
El arte concreto no es abstracto en el sentido literal de la palabra, ya que no abstrae
la realidad material, sino que materializa los principios espirituales ideales.
Asimismo concreto no tiene ningún significado simbólico propio; más bien, genera
construcciones puramente geométricas y especulativas para el maestro.
El artista y escultor suizo Max Bill, se expresó en 1949 de la siguiente manera: “El
arte concreto se impone la tarea de crear valores espirituales que estén listos para ser
consumidos de la misma manera que una persona crea objetos materiales. Las obras
de arte concreto en su etapa final de desempeño son el estándar más puro de medida
y orden de armonía. Organiza sistemas y utiliza medios artísticos para dar vida a
este orden”.
El arte concreto difiere del abstraccionismo y del constructivismo principalmente
porque se desarrolla al estudiar las leyes de las matemáticas y el pensamiento
científico (en primer lugar, la armonía de las figuras geométricas), concentrándose
en la interacción de la forma y el color en el dibujo y en los estudios de las
posibilidades. de transferencia de color.
De acuerdo con las ideas de los artistas de esta dirección, la obra de arte primero
tiene que «madurar» por completo en la imaginación del maestro, y solo entonces se
traslada al lienzo.
No puede tener influencia de la naturaleza, los sentimientos o la razón; los
acontecimientos momentáneos o el simbolismo, no deben afectar el proceso de
creación.
La imagen debe ser creada únicamente a partir de elementos plásticos formales y
ninguno de estos elementos de la imagen debe tener un significado independiente.
Cómo se fue desarrollando y difundiendo el Arte Concreto
Algunos de los integrantes del grupo Abstraction-Création, que reunía todas las
tendencias modernistas, llevaron la idea del arte de inspiración matemática y el
término «Arte Concreto» a otros países cuando se mudaron a otros lugares. Figura
importante es Joaquín Torres García, uruguayo, creador del universalismo
constructivo y del Taller Torres García, uno de los principales movimientos
artísticos de su país. quien regresó a Sudamérica en 1934 y fue mentor de artistas.
Algunos de ellos fundaron el grupo Arte Concreto Invención en Buenos Aires en
1945.
Otro fue el diseñador Max Bill, que había estudiado en la Bauhaus en 1927-1929.
Después de regresar a Suiza, ayudó a organizar el grupo Allianz para defender los
ideales del arte concreto. En 1944 organizó la primera exposición internacional en
Basilea y al mismo tiempo fundó abstract-konkret, el boletín mensual de la Gallerie
des Eaux Vives en Zurich.
En 1951, Groupe Espace se fundó en Francia para armonizar la pintura, la escultura
y la arquitectura como una sola disciplina. Esto reunió a escultores y arquitectos con
artistas antiguos como Sonia Delaunay y Jean Gorin y los recién emergentes Jean
Dewasne y Victor Vasarély. Su manifiesto se publicó en L’Architecture
d’Aujourd’hui ese año y se colocó en las calles de París, defendiendo la presencia
fundamental de las artes plásticas en todos los aspectos de la vida para el desarrollo
armonioso de todas las actividades humanas. Se extendió al lado de la política
práctica, habiendo elegido como presidente honorario al Ministro de Reconstrucción
y Desarrollo Urbano, Eugène Claudius-Petit.
El arte concreto, a través del tiempo se fue distanciando y marcando diferencias
entre arte geométrico y abstracción, surgiendo el arte óptico, arte programático y
arte cinético. Asimismo amplió su influencia hacia la escultura y la fotografía.
La justificación de esto fue teorizada en América del Sur en el Manifiesto Neo-
Concreto de 1959, escrito por un grupo de artistas en Río de Janeiro que incluía a
Lygia Clark, Hélio Oiticica y Lygia Pape.
Lygia Clark fue una artista brasileña, cofundadora del Movimiento Neoconcreto,
comprometida con redefinir la relación entre el arte y el ser humano a nivel
conceptual y sensorial. Realizó pinturas, esculturas, instalaciones y acciones
sensoriales vinculadas al arte y a la psicoterapia.
Junto con Hélio Oiticica funda el Movimiento Neoconcreto, que promulgaba un arte subjetivo y orgánico, donde el espectador tenía un rol fundamental manipulando objetos móviles tridimensionales y modificando su apariencia. Se proponían abolir el rol tradicional del objeto frente al espectador contemplativo, lo que sería el inicio de su trabajo posterior orientado como apoyo terapéutico al psicoanálisis.
En 1969 participó en un simposio de arte sensorial en Los Ángeles. En 1972 fue invitada a impartir un curso sobre comunicación gestual en La Sorbona. Sus clases eran experiencias colectivas que manipulaban los sentidos. Trabajaba con grandes grupos de estudiantes, con los que buscaba por medio de ejercicios la liberación a través de la expresión.
La propuesta consistía en revivir experiencias grabadas a nivel sensorial de las primeras etapas de la vida, despertando a través de los objetos la energía sensorial voluntariamente reprimida. Utilizando los objetos como herramienta de autoconocimiento y comunicación interpersonal. La textura, temperatura, peso y sonoridad de los objetos en el uso guiado por la artista, provocaba en cada participante diferentes conexiones internas.
Los últimos años los dedicó a este tipo de terapia y su trabajo en el área del psicoanálisis es invaluable.
Son numerosas las exposiciones de su obra así como las experiencias sensoriales que se continúan realizando a través de su legado. En 2014 el MoMA realizó una gran exposición retrospectiva de su obra y en 2020 el Museo Guggenheim Bilbao organizó una exhibición sobre su trabajo entre 1948-1958.
Lista de algunos de los artistas más destacados y no destacados que trabajaron el
arte concreto en Argentina:
Alfredo Hlito
Tomás Maldonado
Raúl Lozza
Juan Melé
Lidy Prati
Enio Iommi
Claudio Girola
Virgilio Villalba
Antonio Fernández
Muro
Martha Boto
Gyula Kosice
Julio Le Parc
Gregorio Vardanega
Kenneth Kemble
Ricardo Carpani
Juan Carlos Distéfano
Osvaldo Borda
Francisco Sobrino
Miguel Ángel Vidal
Eduardo Mac Entyre
Eduardo Jonquières
Alberto Molenberg
Matilde Marín
Pablo Suárez
Rubén Santantonín
Ary Brizzi
Josefina Miguens
Rosa Skific
Martín Blaszko
Anatole Jakovsky
Rogelio Polesello
Luis Tomasello
Martha Peluffo
Marta Minujín
Alfredo Portillos
León Ferrari
Ernesto Deira
Kenneth Noland
Guillermo Kuitca
Norberto Gómez
Horacio García Rossi
Eduardo Stupía
Rogelio Polesello
Pablo Siquier
Tulio de Sagastizábal
Enio Iommi
Remo Bianchedi
Guillermo Roux
Rubén Naranjo
Elsa Soibelman
Eduardo Rodríguez
Juan Batlle Planas
Marta Chilindron
Diego Bianchi
Miguel Ángel Ríos
Fabián Marcaccio
Trabajaron con una variedad de medios, desde la pintura y la escultura hasta la instalación y el arte cinético. Muchos de ellos también estuvieron involucrados en la formación de grupos y colectivos de arte, como el Grupo de Arte Moderno de
Buenos Aires (GAMBA) y el Grupo de Arte Concreto-Invención, que jugaron un papel fundamental en la promoción y el desarrollo del arte concreto en Argentina y en toda América Latina.
También en Brasil hubo destacada actuación de los artistas en el arte concreto, entre los principales se encuentran:
Lygia Clark
Hélio Oiticica
Lygia Pape
Geraldo de Barros
Waldemar Cordeiro
Hermelindo Fiaminghi
Willys de Castro
Almir Mavignier
Ivan Serpa
Sérgio Camargo
Lothar Charoux
Amilcar de Castro
Abraham Palatnik
Franz Weissmann
Judith Lauand
Luiz Sacilotto
Carlos Cruz-Diez
Mira Schendel
Tomie Ohtake
Kazmer Féjer
Carlos Fajardo
Regina Silveira
César Paternosto
José Resende
Tunga
Eduardo Sued
Leon Ferrari
Anna Bella Geiger
Antônio Dias
Gego
José Roberto Aguilar
Carlos Zilio
Iole de Freitas
Waltercio Caldas
José Bechara
Artur Lescher
Julio Le Parc
Carmela Gross
Sergio Lucena
Raymundo Colares
Paulo Monteiro
Carlos Vergara
Paulo Roberto Leal
Fábio Miguez
Décio Vieira
Lista de artistas destacados y no destacados que trabajaron en el arte concreto en Europa:
Max Bill (Suiza)
Georges Vantongerloo (Bélgica)
Josef Albers (Alemania)
Hans Arp (Alemania)
Richard Paul Lohse (Suiza)
Camille Graeser (Suiza)
Victor Vasarely (Hungría/Francia)
Auguste Herbin (Francia)
Sophie Taeuber-Arp (Suiza)
Piet Mondrian (Países Bajos)
Theo van Doesburg (Países Bajos)
Michel Seuphor (Bélgica)
François Morellet (Francia)
Vera Molnar (Hungría/Francia)
Julio Le Parc (Argentina/Francia)
Gruppo T (Italia)
Giovanni Anceschi
Davide Boriani
Gianni Colombo
Gabriele De Vecchi
Grazia Varisco
Gruppo N (Italia)
Ennio Chiggio
Alberto Biasi
Toni Costa
Edoardo Landi
Manfredo Massironi
Gruppo Zero (Alemania/Italia)
Heinz Mack
Otto Piene
Günther Uecker
Lucio FontanaYves Klein
Gruppo Enne (Italia)
Enrico Castellani
Agostino Bonalumi
Piero Manzoni
Dadamaino
Grazia Varisco
Gruppo 7 (Países Bajos)
Willem Hussem
Jan Henderikse Armando
Henk Peeters
Jan Schoonhoven
Hay que tener en cuenta que estas listas no son absolutas y que hay muchos otros artistas que han participado y aún participan en el trabajo del arte concreto en el mundo. Cada uno de ellos ha hecho una contribución significativa al movimiento, ya sea a través de su responsabilidad individual, su participación en colectivos o su trabajo en proyectos colaborativos
Artistas Del Arte concreto
