Diana Landa es una carismática cantautora venezolana que tuvo la honorable invitación para interpretar el hermoso himno de Venezuela, “Gloria al bravo pueblo”, en la apertura del juego de Las Series del Caribe entre Venezuela y Puerto Rico. La artista compartió con los medios presentes y expresó sus emociones sobre esta gran experiencia. Actualmente Diana está trabajando en su nuevo álbum musical junto al galardonado productor Dominicano Maffio y se estará anunciando su próximo lanzamiento a través de sus redes sociales. Uno de los momentos más importantes de su carrera fue haber sido seleccionada para representar al Centro de Arte de la Florida en La capital de los Estados Unidos, Washington D.C, en la Gala anual de Encuentros y Herencias Culturales, frente de una audiencia de más de 5 mil personas, incluyendo maestros, estudiantes, figuras políticas y del parlamento de los Estados Unidos, cuya Gala conto con la honorable presencia del Presidente Barack Obama como invitado especial. De esta épica presentación, Diana Landa obtiene una beca para UCF (University of Central Florida), donde se preparó profesionalmente como Comunicadora Social y además, culminó una especialización en Ciencias Políticas. También logró ser parte de la agrupación de Acapella, Gemini Blvd., de UCF.
Hugo Basualdo
Hugo Basualdo se destaca como productor musical en Estados Unidos
Hugo Basualdo puede sentirse satisfecho del trayecto profesional que ha realizado en Estados Unidos, desde que se afincó aquí, hace solo cinco años. El versátil músico argentino se encuentra brillando en varias áreas. Trabaja en un proyecto que involucra a la discográfica Sony Music Latin; es jurado de un concurso internacional de jóvenes talentos; y produce a artistas como Keba, Gervasio Goris, The Moleskins, entre otros. Basualdo es guitarrista, productor, compositor e ingeniero de sonido. Estudió en la Escuela de Música Contemporánea de Buenos Aires, cuyo programa curricular está validado por la Berklee School of Music.
La labor de Basualdo vinculada a Sony Music Latin es el programa de estudios The Next Generation of Artist, que como su nombre da a entender, capacita a jóvenes músicos nuevos. Está articulado por Sony Music Latin y el sello Let it Beat Records, comandado por el reconocido bajista y productor Guillermo Vadalá. En Let it Beat Basualdo es productor e ingeniero de sonido. “Esto es una oportunidad para que los artistas emergentes desarrollen sus habilidades, perfeccionen su arte y establezcan contactos con profesionales de la industria”, comenta.
El primer capítulo de este novedoso programa ya está en marcha y finalizará en mayo del 2024. Basualdo cuenta que los participantes destacados del programa formarán parte de un álbum que será distribuido por Sony Music Latin. Más información en www.letitbeat.us
La capacidad de Basualdo ha impactado más allá de Miami, donde reside. Ha sido convocado para otra iniciativa relacionada con la juventud. Se trata de la International Youth Music Competition con base en Atlanta, la cual mes a mes evalúa jóvenes participantes de todo el mundo.
Basualdo comenta que recientemente se ha publicado el EP de Gervasio Goris y está en marcha el próximo disco de Keba, originaria de Trinidad y Tobago. “Es una bendición poder dedicarme a lo que me apasiona”, asegura el músico.
SERM PARTICIPANTS MUSEUMS IN FLORIDA
SERM PARTICIPANTS MUSEUMS IN FLORIDA
Coral GablesLowe Art Museum, University of Miami
(305)284-1540, 1301 Stanford Drive, Coral Gables, FL 33124
Daytona Beach
Museum of Arts & Sciences
(386)255-0285, 352 S. Nova Rd, Daytona Beach, FL 32114
DeLand
**Museum of Art DeLand Florida
(386)734-4371, 100 & 600 N. Woodland Blvd., DeLand, FL 32720
Dunedin
Dunedin History Museum
(727) 736-1176, 349 Main Street, Dunedin, FL 34698
Dunedin Fine Art Center
(727)298-3322, 1143 Michigan Blvd., Dunedin, FL 34698
Fort Lauderdale
History Fort Lauderdale
(954)463-4431, 231 SW 2nd Avenue, Fort Lauderdale, FL 33301
Fort Myers
Sidney & Berne Davis Art Center
(239)333-1933, 2301 First Street Fort Myers, FL 33901
Fort Pierce
A.E. Backus Museum of Art
(772)465-0630, 500 N. Indian River Drive, Fort Pierce, FL 34950
Jacksonville
Beaches Museum & History Park
(904)241-5657, 381 Beach Blvd., Jacksonille, FL 32250
Cummer Museum
(904)356-6857)829 Riverside Ave., Jacksonville. FL 32204
Mandarin Museum & Historical Society
(904)268-0784, 11964 Mandarin Rd, Jacksonville, FL 32223
Museum of Science & History
(904)396-6674, 1025 Museum Circle, Jacksonville, FL, 32007
Museum of Contemporary Art Jacksonville
(904) 366-6911, 333 N. Laura Street Jacksonville, FL 32202
Lakeland
Polk Museum of Art
(863) 688-7743, 800 E Palmetto St, Lakeland, FL 33801
Jupiter
Jupiter Inlet Lighthouse & Museum
(561747-8380, 500 Captain Armour’s Way, Jupiter, FL 33469
Largo
Pinellas County Historical Society/Heritage Village
(727)582-2938, 11909 125th Street N., Largo, FL 33774
Melbourne
Ruth Funk Center for Textile Arts
(321) 674-8313, 150 W. University Blvd., Melbourne, FL 32901
Miami
Curtiss Mansion, Inc.
(305)-965-3880500 Deer Run, Miami Springs, FL 33166
Dade Heritage Trust
(305) 358-9572, 190 SE 12th Terrace, Miami, FL 33131
History Miami
(305)375-1492, 101C West Flagler Street, Miami, FL 33130
Institute of Contemporary Art, Miami
(305)901-5272, 4040 NE 2nd Ave., Miami, FL 33137
Museum of Contemporary Art North Miami
305.893.6211, 770 NE 125th Street, North Miami, FL
Miami Beach
**The Bass Museum of Art
(305)673-7530, 2100 Collins Ave., Miami Beach, FL 33139
The Wolfsonian-FIU
(305)531-1001, 1001 Washington Avenue Miami Beach, FL 33139
Ocala
Appleton Museum of Art
(352)291-4455, 4333 NE Silver Springs Blvd., Ocala, FL 34470
Orlando
* Mennello Museum of American Art
(407)246-4278, 900 E Princeton St., Orlando, FL 32803
* Orange County Regional History Center
(407)836-8500, 65 East Central Blvd., Orlando, FL 32801
* Orlando Museum of Art
(407)896-4231, 2416 North Mills Ave., Orlando, FL 32803
Pensacola
Pensacola Lighthouse & Museum
(850)393-1561, 2081 Radford Blvd., Pensacola, FL
Sarasota
Art Center Sarasota
(941) 365-2032, 707 North Tamiami Trail, Sarasota, FL 34236
Ringling College of Art & Design/Galleries & Exhibitions
(941)351-5100, 2700 N Tamiami Trail, Sarasota, FL 34234
The John and Mable Ringling Museum of Art
(941)359-5700, 5401 Bay Shore Road, Sarasota, FL 34243
St. Petersburg
Florida CraftArt, Inc.
(727)821-7391, 501 Central Avenue North, St. Petersburg, FL 33701
Florida Holocaust Museum
(727)820-0100, 55 Fifth Street So., St. Petersburg, FL 33701
Stuart
Elliott Museum
(772)225-1961, 825 NE Ocean Boulevard, Stuart, FL 34996
Historical Society of Martin County
(772) 225-19618, 25 NE Ocean Blvd. Stuart , FL 34996
House of Refuge Museum
(772)225-1875, 301 SE MacArthur Boulevard, Stuart, FL 34996
Tampa
Florida Museum of Photographic Arts
(813) 221-2222, 400 N. Ashley Dr, Tampa, FL 33602
Henry B. Plant Museum
(813) 254-1891, 401 W. Kennedy Blvd., Tampa, FL 33606
Tampa Bay History Center
(813) 228-0097, 801 Old Water Street, Tampa, FL 33602
+Tampa Museum of Art
(813) 274-8130, 120 W. Gasparilla Plaza, Tampa, FL 33602
Tarpon Springs
Leepa-Rattner Museum of Art
(727) 712-5762, 600 Klosterman Rd., Tarpon Springs, FL 34689
Tequesta
Lighthouse Art Center Museum & School of Art
(561)746-3101, 373 Tequesta Drive, Tequesta, FL 33469
Vero Beach
Vero Beach Museum of Art
(772)231-0707, 3001 Riverside Park Dr., Vero Beach, FL 32963
Winter Park
Casa Feliz Historic Home
(772)231-0707. 646 Park Avenue, Winter Park, FL 32789
*
Reciprocal privileges are not extended between the Orlando Museum of Art, the Mennello Museum of American Art in Orlando and the Orange County Regional History Center.
**
Reciprocal benefit applies only to admissions. Store and café are not discounted.
+
Reciprocal privileges are not extended between the Tampa Bay History Museum and the Tampa Museum of Art.
++
Reciprocal benefits are not extended at the museum store or café.
El gran cantante José Amaya presenta “Amanecer en tus brazos”
El gran cantante José Amaya presenta el disco “Amanecer en tus brazos”
El nuevo disco de Amaya incluye joyas como “No soy de aquí ni soy de allá”, de Facundo Cabral; “Que te vaya bonito”, de José Alfredo Jiménez; y “Eres”, de José María Napoleón. El que Amaya eligió para grabar el primer videoclip del disco fue el tema “Quiero abrazarte tanto”, del español Víctor Manuel. El maestro Amaya llegó desde su Nicaragua natal a Estados Unidos en su juventud; aterrizó en Miami para estudiar Arquitectura, pero rápidamente fue captado por el arte, en el que primero se desempeñó como actor. El singular cantante y compositor -que reside cerca de Los Ángeles desde hace varias décadas- a los pocos años se internó en la música, para la que había mostrado dotes desde pequeño. Amaya jamás ha parado de cantar ni escribir. Con “Amanecer en tus brazos” contabiliza un total de cinco discos grabados. “Amanecer en tus brazos” fue producido por el productor musical Marcelo Penco en Los Ángeles y Argentina para la compañía Pyramid Récords. Este disco nuevo tiene temas escritos por otros autores, pero Amaya por lo general graba creaciones propias. Su álbum debut fue “Algo especial”, en 1990, con el famoso sello Kubaney. En el 2003 hizo “Mil maneras de decir te quiero”, con Prodisc/TH Rodven; cuatro años después llegó el turno de “Sin quitarnos la ropa; y en 2019, de “Como aquel día”. Amaya ha grabado hits como “Tú me tocas y luego te vas”, “Aquellos momentos”, y “Traumas y manías”; ha participado en el programa “Sábado gigante”; logró repercusión en países como Chile; y una de sus canciones integró la banda sonora de la telenovela, “Mariaelena”. Fue galardonado con los premios ACCA, de Miami. Amaya nació en la ciudad de Jinotepe, cerca de Managua. Desde los 7 años comenzó a asombrar con su hermosa voz.
El cubano Lil Yoe presenta “Mi Loca”
El cubano Lil Yoe presenta su nueva canción urbana, “Mi Loca”
El cantante y compositor nominado al Grammy Lil Yoe estrena su primer sencillo como solista, titulado “Mi loca”, bajo su sello discográfico, “Melómanos Entertainment”, un tema contagioso y comercial de fusiones urbanas que pondrá a cantar y a bailar a todos globalmente.
“Mi loca” fue escrito por Yoe y producido por Javier Alejandro Urquia (Dj Toki) y Yunier Terrero (Whyti). Este tema muestra el vibrante espíritu del reggaetón y promete ser el compañero perfecto para cualquier noche de fiesta y una adición esencial en las listas de reproducción de los playlist más destacados.
Yoenni José Echevarria, conocido por su nombre artístico “Yoe”, nació en la Habana Cuba el 11 de agosto. Se ha destacado por varios años dentro de la industria musical como uno de los mejores compositores del momento y como cantante.
Desde niño participó en concursos infantiles y más adelante fue escogido por el conservatorio de música “Grupo escuela de Cuba Ismaelillo”. El ambiente musical que existía en su barrio le facilitó llegar a los estudios desde temprana edad siendo un aporte adicional a su carrera. A los 23 años conoce a Mexicano, más conocido como “Chiquito”, con quién crea su primer dúo “Chiquito y Yoe”, obteniendo grandes resultados y aceptación del público por medio de ruedas de prensa y participación en eventos muy importantes en México.
Actualmente, se prepara para presentar su primer álbum y ha sido reconocido por la prestigiosa academia de la música siendo un ganador de Latin Grammy y nominado a Grammys por sus composiciones para artistas élite tales como Marc Anthony y Gente de Zona.
Grupo Ruptura
Grupo Ruptura
El Grupo Ruptura nació en São Paulo, Brasil, en 1952. El grupo estaba formado por siete artistas, entre ellos Waldemar Cordeiro, Luiz Sacilotto, Geraldo de Barros, Anatol Wladyslaw y Judith Lauand.
El grupo se formó en respuesta al panorama artístico brasileño de la época, que estaba dominado por la pintura figurativa. El Grupo Ruptura defendía la abstracción como una forma de arte más pura y objetiva que la representación figurativa.
El grupo publicó un manifiesto en 1952, en el que defendía sus ideas. El manifiesto afirmaba que el arte debía ser “objetivo, racional y geométrico”.
El Grupo Ruptura tuvo una influencia importante en el desarrollo del arte concreto en Brasil. El grupo ayudó a popularizar la abstracción y a promover el arte concreto como una forma de arte relevante para la sociedad brasileña.
Los miembros del Grupo Ruptura continuaron trabajando en el arte concreto durante muchos años. Sus obras se encuentran en las principales colecciones de arte de Brasil y del mundo.
¿Qué defendía el Grupo Ruptura?
El Grupo Ruptura defendía la abstracción como proyecto de transformación, capaz de permear el cotidiano de las personas, influenciando a la industria y organizando la vida en sus más diversas escalas: de las artes plásticas al diseño, de la arquitectura a la ciudad.
Los artistas del Grupo Ruptura creían que la abstracción era una forma de arte más pura y objetiva que la representación figurativa. La abstracción, en su opinión, era capaz de expresar la esencia de la realidad de una manera más directa y contundente.
El Grupo Ruptura también estaba interesado en la integración del arte en la vida cotidiana. Querían que el arte fuera accesible a todos y que pudiera tener un impacto positivo en la sociedad.
¿Qué fue el movimiento Ruptura?
El movimiento Ruptura fue un movimiento artístico que surgió en Brasil en la década de 1950. El movimiento estaba encabezado por un grupo de artistas, entre ellos Waldemar Cordeiro, Luiz Sacilotto, Geraldo de Barros, Anatol Wladyslaw y Judith Lauand.
El movimiento Ruptura fue un importante hito en el desarrollo del arte concreto en Brasil. El movimiento ayudó a popularizar la abstracción y a promover el arte concreto como una forma de arte relevante para la sociedad brasileña.
¿Cuál fue el objetivo de la publicación del manifiesto Ruptura?
El manifiesto Ruptura fue publicado en 1952. El manifiesto fue una declaración de principios del movimiento Ruptura. El manifiesto defendía la abstracción, la integración del arte en la vida cotidiana y la renovación de los valores esenciales de la arte visual.
El manifiesto Ruptura fue un documento importante en la historia del arte concreto en Brasil. El manifiesto ayudó a difundir las ideas del movimiento Ruptura y a promover el arte concreto como una forma de arte relevante para la sociedad brasileña.
¿Cuáles son los objetivos del manifiesto Grupo Ruptura?
Los objetivos del manifiesto Grupo Ruptura son los siguientes:
- Defender la abstracción como proyecto de transformación.
- Promover la integración del arte en la vida cotidiana.
- Renovación de los valores esenciales de la arte visual.
El manifiesto Grupo Ruptura fue un documento importante en la historia del arte concreto en Brasil. El manifiesto ayudó a difundir las ideas del movimiento Ruptura y a promover el arte concreto como una forma de arte relevante para la sociedad brasileña.
¿Cuál es la origen de la arte concreta?
La arte concreta surgió en Europa, en el inicio del siglo XX, con la intención de producir obras que usaran elementos propios de las linguagens. A princípio: planos y colores. As se difundir para otras linguagens, la arte concreta pasó a trabajar con superficies, sonidos, silencios, enquadramentos cenográficos etc.
La arte concreta fue un movimiento artístico que se desarrolló en Europa y América Latina en el siglo XX. El movimiento se caracterizó por el uso de elementos abstractos, como planos y colores, para crear obras de arte que fueran objetivas y racionales.
¿Cuál fue el principal foco del concretismo en Brasil?
El principal foco del concretismo en Brasil fue la abstracción. Los artistas concretistas brasileños creían que la abstracción era una forma de arte más pura y objetiva que la representación figurativa.
El concretismo brasileño también se interesó por la integración del arte en la vida cotidiana. Los artistas concretistas brasileños querían que el arte fuera accesible a todos y que pudiera tener un impacto positivo en la sociedad.
¿Qué es una pintura concretista?
Una pintura concretista es una obra de arte que utiliza elementos abstractos, como planos y colores, para crear una composición armoniosa y equilibrada.
Los principios del concretismo rechazan cualquier convención o interpretación lírica o simbólica. El cuadro, construido exclusivamente con elementos plásticos – planos y colores -, no tiene otra significación si no él propio.
Una pintura concretista puede ser muy simple o muy compleja. Sin embargo, siempre se caracteriza por su uso de elementos abstractos para crear una composición armoniosa y equilibrada.
Judith Lauand La Dama Del Arte Concreto
Judith Lauand La Dama Del Arte Concreto
Judith Lauand, una de las artistas brasileñas más importantes del siglo XX, dedicó su vida a la pintura.
Nacida en el interior de São Paulo en la década de 1920, se formó en la Escuela de Bellas Artes de la ciudad. Sus primeras obras, figurativas e influenciadas por el expresionismo, evolucionaron hacia la abstracción y, finalmente, al arte concreto.
A principios de la década de 1950, Lauand mostró un creciente interés por el color y sus pulsaciones ópticas. Este interés la llevó a abrazar el arte concreto, un movimiento que buscaba crear obras de arte que fueran puramente visuales y abstractas.
En 1955, Lauand se convirtió en miembro del Grupo Ruptura, un grupo de artistas paulistanos que fueron pioneros del arte concreto en Brasil. El grupo, que también incluía a artistas como Waldemar Cordeiro, Luiz Sacilotto y Geraldo de Barros, buscaba crear un arte que fuera moderno y relevante para la sociedad brasileña.
Lauand fue una de las pocas mujeres que participaron en el Grupo Ruptura. Su trabajo, que a menudo presentaba formas geométricas de colores brillantes, la ayudó a ganar reconocimiento internacional como una de las principales artistas concretas del mundo.
A lo largo de su carrera, Lauand experimentó con diferentes estilos y técnicas. En la década de 1960, volvió a la figuración, incorporando elementos pop y expresionistas a su trabajo. En la década de 1970, regresó al arte concreto, pero con un enfoque más informal.
En los últimos años, Lauand ha continuado experimentando con diferentes formas y colores. Su trabajo sigue siendo relevante y emocionante, y es un testimonio de su compromiso con el arte y la creatividad.
En los últimos años, Lauand ha continuado experimentando con diferentes formas y colores. Su trabajo sigue siendo relevante y emocionante, y es un testimonio de su compromiso con el arte y la creatividad.
Uno de los exponentes más importantes de la producción artística brasileña de la segunda mitad del siglo XX, Judith Lauand convirtió la pintura en su vida.
Nacida en el interior de São Paulo en la década de 1920, se formó en la Escuela de Bellas Artes y, a partir de ahí, su carrera avanzó y se expandió. Sus obras, al principio figurativas e influenciadas por el expresionismo, se volvieron abstractas y luego, concretas.
A principios de la década de 1950, Judith Lauand mostró un creciente interés por el color y sus pulsaciones ópticas, culminando en el Concretismo. De hecho, esta es la expresión más fuerte de su trayectoria artística, hasta el punto de hacerla reconocida mundialmente como dama del arte concreto brasileño.
Este proceso comienza en 1955, cuando es invitada a formar parte del grupo de artistas paulistanos Ruptura y se convierte en figura destacada en la fundación del Movimiento Concreto, siendo, incluso, la única mujer en integrar el grupo. Participa de la icónica Exposición Nacional de Arte Concreto del MAM – Museo de Arte Moderno de São Paulo, en 1952.
El Movimiento Concreto pretendía abolir de la pintura cualquier connotación simbólica o lírica. Los cuadros deberían contener solo planos y colores. El mismo camino seguía la poesía concreta, pareja de las artes visuales, teniendo en Décio Pignatari y los hermanos Haroldo y Augusto de Campos sus principales representantes.
En una entrevista concedida al diario de la Asociación Brasileña de Críticos de Arte, en el año 2011, Judith Lauand dijo: “Yo tenía conciencia de que hacíamos algo nuevo, que no existía. Que estábamos construyendo la base de un movimiento nuevo”. La propia artista cita como sus referencias: “Malevitch por el pensamiento matemático, Mondrian por sus estructuras, Paul Klee por el lirismo, Modigliani por la ternura, Marcel Duchamp por la amplitud de visión, con una obra que nunca se repetía. Y Josef Albers porque tiene en el color su principal expresividad…”.
Judith Lauand permanece durante años fiel a su postura y trayectoria concretistas. Su obra en esta fase tiende a la perfección en la composición, en el refinamiento del color y en el equilibrio gráfico, conseguidos a través de constantes investigaciones. Ejerce la énfasis en la geometría con rigor, en líneas y formas esparcidas en el lienzo de forma rígida, casi matemática.
La artista, aunque en la búsqueda de la razón geométrica, poco a poco, a diferencia de los otros miembros del grupo Ruptura, va subvertiendo sus propios trabajos con “licencias poéticas”.
A finales de la década de 1960, la artista retoma la figuración, ahora más libre y menos rígida. Incorpora a sus trabajos elementos pop y resalta la función social del arte, evidenciando una postura política y feminista, que reafirma su papel de vanguardia.
A principios de la década de 1970, retoma la producción de trabajos de esencia abstracta geométrica, transitando entre esta y un abstraccionismo más informal.
Su obra en los años siguientes se adentra por otros caminos, experimentando la asimetría. En ella, el lado geométrico de la composición da lugar a una nueva dismetría, en la que la artista rompe la rigidez y subverte lo concreto, a veces haciendo uso de formas redondeadas. Su declaración “no hace falta ser cuadrado para ser concreto” suma ruptura a ruptura.
La trayectoria singular de Judith Lauand se desarrolla con participaciones en cinco bienales de São Paulo y en varias exposiciones nacionales e internacionales.
Hasta hoy, con 92 años, su trabajo se muestra con destaque en el circuito internacional de artes, como la exposición reciente en la Stephen Friedman Gallery en Londres, ocurrida en 2013. Las obras de la artista están presentes en los museos más importantes de Brasil, además de museos internacionales, como el Musée de Grenoble, en Francia, y el Museum of Fine Arts, en Houston, EE. UU.
En esta exposición promovida por el 44º Chapel Art Show, que contempla pinturas, serigrafías y xilografías, las obras de la artista muestran, con delicadeza y audacia en las formas, las diferencias básicas entre la línea y el plano, siempre a través de mucho color.
El trabajo de Judith Lauand posee sí un enfoque matemático y racional, pero con alma, rigor y poesía, que captan nuestra mirada y nos encantan. Las palabras, claro, no sustituyen la apreciación de las obras.
Adriana Rede
Curadora
44º Chapel Art Show
Pace
Pace
New York, London, Hong Kong, Seoul, Geneva, Los Angeles, Tokyo
Pace is a leading international art gallery representing some of the most influential contemporary artists and estates from the past century, holding decades-long relationships with Alexander Calder, Jean Dubuffet, Barbara Hepworth, Agnes Martin, Louise Nevelson, and Mark Rothko.
Pace enjoys a unique U.S. heritage spanning East and West coasts through its early support of artists central to the Abstract Expressionist and Light and Space movements.
Since its founding by Arne Glimcher in 1960, Pace has developed a distinguished legacy as an artist-first gallery that mounts seminal historical and contemporary exhibitions. Under the current leadership of CEO Marc Glimcher, Pace continues to support its artists and share their visionary work with audiences worldwide by remaining at the forefront of innovation. Now in its seventh decade, the gallery advances its mission through a robust global program— comprising exhibitions, artist projects, public installations, institutional collaborations, performances, and interdisciplinary projects. Pace has a legacy in art bookmaking and has published over five hundred titles in close collaboration with artists, with a focus on original scholarship and on introducing new voices to the art historical canon.
Today, Pace has seven locations worldwide, including European footholds in London and Geneva as well as Berlin, where the gallery established an office in 2023. Pace maintains two galleries in New York—its headquarters at 540 West 25th Street, which welcomed almost 120,000 visitors and programmed 20 shows in its first six months, and an adjacent 8,000 sq. ft. exhibition space at 510 West 25th Street. Pace’s long and pioneering history in California includes a gallery in Palo Alto, which was open from 2016 to 2022. Pace’s engagement with Silicon Valley’s technology industry has had a lasting impact on the gallery at a global level, accelerating its initiatives connecting art and technology as well as its work with experiential artists. Pace consolidated its West Coast activity through its flagship in Los Angeles, which opened in 2022. Pace was one of the first international galleries to establish outposts in Asia, where it operates permanent gallery spaces in Hong Kong and Seoul, along with an office and viewing room in Beijing. In spring 2024, Pace will open its first gallery space in Japan in Tokyo’s new Azabudai Hills development.
Pace Gallery Artists
Gideon Appah
Richard Avedon
Jo Baer
Yto Barrada
Lynda Benglis
David Byrne
Alexander Calder
Harry Callahan
William Christenberry
Chuck Close
Nigel Cooke
Mary Corse
Keith Coventry
Jules de Balincourt
Willem de Kooning
Huong Dodinh
Tara Donovan
DRIFT
Jean Dubuffet
Nathalie Du Pasquier
Torkwase Dyson
Latifa Echakhch
Tim Eitel
Elmgreen & Dragset
Pam Evelyn
Robert Frank
John Gerrard
Adrian Ghenie
Sam Gilliam
David Goldblatt
Sonia Gomes
Adolph Gottlieb
Emmet Gowin
Paul Graham
Kevin Francis Gray
Hai Bo
Barbara Hepworth
David Hockney
Loie Hollowell
Hong Hao
Peter Hujar
Robert Irwin
Matthew Day Jackson
Virginia Jaramillo
Alfred Jensen
JR
Glenn Kaino
Nina Katchadourian
Acaye Kerunen
Grada Kilomba
Kiki Kogelnik
Jeff Koons
Josef Koudelka
Alicja Kwade
Richard Learoyd
Lee Ufan
Lee Kun-Yong
Sol LeWitt
Li Songsong
Maya Lin
Liu Jianhua
Damian Loeb
Robert Longo
Rafael Lozano-Hemmer
David Lynch
Robert Mangold
Kylie Manning
Mao Yan
Agnes Martin
Roberto Matta
Prabhavathi Meppayil
Beatriz Milhazes
Richard Misrach
Maysha Mohamedi
William Monk
Yoshitomo Nara
Robert Nava
Kohei Nawa
Louise Nevelson
Hermann Nitsch
Kenneth Noland
Thomas Nozkowski
Oldenburg/van Bruggen
Paulina Olowska
Trevor Paglen
Adam Pendleton
Irving Penn
Marina Perez Simão
Pablo Picasso
Richard Pousette-Dart
Qiu Xiaofei
Random International
Robert Rauschenberg
Mark Rothko
Paolo Roversi
Michal Rovner
Lucas Samaras
Julian Schnabel
Joel Shapiro
Raqib Shaw
Arlene Shechet
Tony Smith
Kiki Smith
Song Dong
Keith Sonnier
Saul Steinberg
Sui Jianguo
Mika Tajima
Antoni Tàpies
teamLab
Hank Willis Thomas
James Turrell
Richard Tuttle
JoAnn Verburg
Leo Villareal
Brent Wadden
Wang Guangle
Lawrence Weiner
John Wesley
Robert Whitman
Fred Wilson
Xiao Yu
Yin Xiuzhen
Yoo Youngkuk
Zhang Xiaogang
Zhang Huan
Matthew Marks Gallery
Matthew Marks Gallery
Founded in New York in 1991, Matthew Marks Gallery represents thirty-four artists of different generations working in a wide range of mediums, including painting, sculpture, photography, and printmaking.
Today the gallery maintains exhibition spaces totaling more than 18,000 square feet, with three locations in New York and two in Los Angeles.
Each year we present between thirteen and fifteen exhibitions, many accompanied by original publications.
Matthew Marks Gallery Artists
MARTIN BARRÉ
NAYLAND BLAKE
JOAN BROWN
PETER CAIN
VIJA CELMINS
XINYI CHENG
LEIDY CHURCHMAN
ALEX DA CORTE
THOMAS DEMAND
TRISHA DONNELLY
VINCENT FECTEAU
PETER FISCHLI DAVID WEISS
KATHARINA FRITSCH
LUIGI GHIRRI
ROBERT GOBER
WADE GUYTON
MARTIN HONERT
GARY HUME
JASPER JOHNS
ELLSWORTH KELLY
SIMONE LEIGH
MICHEL MAJERUS
RON NAGLE
JULIEN NGUYEN
JULIA PHILLIPS
KEN PRICE
MARTIN PURYEAR
CHARLES RAY
SUELLEN ROCCA
PAUL SIETSEMA
STURTEVANT
ANNE TRUITT
REBECCA WARREN
TERRY WINTERS
Additional Artists
ROBERT ADAMS
ANNI ALBERS
RICHARD ALDRICH
CARLOS ALMARAZ
DARREN ALMOND
KAI ALTHOFF
CARL ANDRE
KAREL APPEL
DIANE ARBUS
JOHN ARMLEDER
DAVID ARMSTRONG
ROBERT ARNESON
EUGÈNE ATGET
FRANK AUERBACH
LUTZ BACHER
JO BAER
BALTHUS
GEORG BASELITZ
AUBREY BEARDSLEY
ROBERT BECHTLE
ROBERT BECK
JORDAN BELSON
CHRISTIAN BÉRARD
JOSEPH BEUYS
ASHLEY BICKERTON
KARL BLOSSFELDT
DAVID BOMBERG
COSIMA VON BONIN
LOUISE BOURGEOIS
DIEDRICK BRACKENS
JOE BRAINARD
CONSTANTIN BRANCUSI
VICTOR BRAUNER
CHARLES BURCHFIELD
RICHMOND BURTON
JEAN-MARC BUSTAMANTE
PAUL CADMUS
ALEXANDER CALDER
JULIA MARGARET CAMERON
MERLIN CARPENTER
JAMES CASTLE
MATHEW CERLETTY
PAUL CÉZANNE
JOHN CHAMBERLAIN
JAKE AND DINOS CHAPMAN
ED CLARK
FRANCESCO CLEMENTE
GUY DE COINTET
GEORGE CONDO
MATT CONNORS
JOSEPH CORNELL
ROBERT CRUMB
EDWARD S. CURTIS
HENRY DARGER
HONORÉ DAUMIER
NOAH DAVIS
TACITA DEAN
EDGAR DEGAS
CHARLES DEMUTH
EDWIN DICKINSON
RINEKE DIJKSTRA
LOIS DODD
ARTHUR DOVE
MARLENE DUMAS
CARROLL DUNHAM
MARY BETH EDELSON
MELVIN EDWARDS
JANIVA ELLIS
ED VAN DER ELSKEN
JAMES ENSOR
FREDERICK H. EVANS
WALKER EVANS
JIM FALCONER
PAUL FEELEY
FORCEFIELD
ROY DE FOREST
JARED FRENCH
LUCIAN FREUD
LEE FRIEDLANDER
BERNARD FRIZE
NIKITA GALE
MAUREEN GALLACE
PAUL GAUGUIN
ISA GENZKEN
FRANZ GERTSCH
ALBERTO GIACOMETTI
SAM GILLIAM
DOMENICO GNOLI
NAN GOLDIN
JACK GOLDSTEIN
LEON GOLUB
FÉLIX GONZÁLEZ-TORRES
ARSHILE GORKY
DAN GRAHAM
RODNEY GRAHAM
EILEEN GRAY
ART GREEN
JOANNE GREENBAUM
NANCY GROSSMAN
GEORGE GROSZ
ANDREAS GURSKY
PHILIP GUSTON
GUYTON\WALKER
PETER HALLEY
RICHARD HAMILTON
JONATHAN HAMMER
RACHEL HARRISON
MARSDEN HARTLEY
RICHARD HAWKINS
MARY HEILMANN
BARKLEY L. HENDRICKS
LENA HENKE
GEORG HEROLD
CHARLINE VON HEYL
LUBAINA HIMID
HANNAH HÖCH
DAVID HOCKNEY
HOWARD HODGKIN
JENNY HOLZER
RONI HORN
PETER HUJAR
JACQUELINE HUMPHRIES
LUCHITA HURTADO
KAHLIL ROBERT IRVING
MIYOKO ITO
TOMASHI JACKSON
SERGEJ JENSEN
LARRY JOHNSON
RAY JOHNSON
DONALD JUDD
FRIDA KAHLO
CRAIG KAUFFMAN
MIKE KELLEY
BHUPEN KHAKHAR
KAREN KILIMNIK
MARTIN KIPPENBERGER
CHRISTOPHER KNOWLES
JOHN KOCH
JUTTA KOETHER
WILLEM DE KOONING
ELAINE DE KOONING
JEFF KOONS
MICHAEL KREBBER
WALT KUHN
YASUO KUNIYOSHI
YAYOI KUSAMA
GASTON LACHAISE
DR. LAKRA
INEZ VAN LAMSWEERDE
THOMAS LANIGAN-SCHMIDT
GREER LANKTON
LOUISE LAWLER
MAGGIE LEE
ZOE LEONARD
LES LEVINE
SHERRIE LEVINE
HELEN LEVITT
NORMAN LEWIS
SOL LEWITT
ROY LICHTENSTEIN
GLENN LIGON
SARAH LUCAS
GEORGE PLATT LYNES
DANNY LYON
RENÉ MAGRITTE
ROBERT MANGOLD
CHRISTIAN MARCLAY
BRICE MARDEN
JOHN MARIN
MARISOL
AGNES MARTIN
HENRI MATISSE
MARLENE McCARTHY
PAUL McCARTHY
ALLAN McCOLLUM
LUCY McKENZIE
ROY McMAKIN
HELLEN VAN MEENE
JULIE MEHRETU
HENRI MICHAUX
TRACEY MOFFATT
CARLO MOLLINO
PIET MONDRIAN
UGO MULAS
JILL MULLEADY
ELIZABETH MURRAY
EADWEARD MUYBRIDGE
ELIE NADELMAN
BRUCE NAUMAN
GLADYS NILSSON
CADY NOLAND
KENNETH NOLAND
JIM NUTT
GEORGIA O’KEEFFE
JOHN O'REILLY
CLAES OLDENBURG
MERET OPPENHEIM
GABRIEL OROZCO
PAUL OUTERBRIDGE
BILL OWENS
LAURA OWENS
BLINKY PALERMO
BETTY PARSONS
HIRSCH PERLMAN
PHILADELPHIA WIREMAN
PABLO PICASSO
JACK PIERSON
HOWARDENA PINDELL
ADRIAN PIPER
SIGMAR POLKE
JACKSON POLLOCK
LARRY POONS
STEPHEN PRINA
RICHARD PRINCE
R. H. QUAYTMAN
CHRISTINA RAMBERG
MEL RAMOS
ROBERT RAUSCHENBERG
MAN RAY
ODILON REDON
AD REINHARDT
DEBORAH REMINGTON
GERHARD RICHTER
LARRY RIVERS
WALTER ROBINSON
UGO RONDINONE
KAY ROSEN
JAMES ROSENQUIST
DIETER ROTH
THOMAS RUFF
ED RUSCHA
NIKI DE SAINT PHALLE
LUCAS SAMARAS
AUGUST SANDER
ALAN SARET
PETER SAUL
JULIAN SCHNABEL
THOMAS SCHÜTTE
KURT SCHWITTERS
JOAN SEMMEL
PAUL MPAGI SEPUYA
RICHARD SERRA
JOEL SHAPIRO
PAUL SHARITS
NANCY SHAVER
JIM SHAW
CINDY SHERMAN
KATHARINA SIEVERDING
AMY SILLMAN
AVERY SINGER
SYLVIA SLEIGH
ANDREAS SLOMINSKI
DAVID SMITH
HARRY SMITH
JACK SMITH
JOSH SMITH
TONY SMITH
REENA SPAULINGS
LINDA STARK
SAUL STEINBERG
PAT STEIR
FLORINE STETTHEIMER
HAROLD STEVENSON
ALFRED STIEGLITZ
CLYFFORD STILL
LILY VAN DER STOKKER
MYRON STOUT
HIROSHI SUGIMOTO
MARK DI SUVERO
PHILIP TAAFFE
TABBOO!
ATSUKO TANAKA
SAM TAYLOR-WOOD
HERVÉ TÉLÉMAQUE
PAUL THEK
BETTY TOMPKINS
ROSIE LEE TOMPKINS
BILL TRAYLOR
ROSEMARIE TROCKEL
LUC TUYMANS
CY TWOMBLY
MEYER VAISMAN
PETER VOULKOS
KELLEY WALKER
ABRAHAM WALKOWITZ
JEFF WALL
ANDY WARHOL
WEEGEE
LAWRENCE WEINER
JOHN WESLEY
HENRY WESSEL
H. C. WESTERMANN
EDWARD WESTON
STANLEY WHITNEY
T. J. WILCOX
SUE WILLIAMS
MILLIE WILSON
ROBERT WILSON
KARL WIRSUM
STEVE WOLFE
ADOLF WÖLFLI
WOLS
CHRISTOPHER WOOL
LYNETTE YIADOM-BOAKYE
ALBERT YORK
522 West 22nd Street
New York
(212) 243-0200
[email protected]
Gallery closed through January 1, 2024
523 West 24th Street
New York, NY 10011
(212) 243-0200
[email protected]
Gallery closed through January 1, 2024
526 West 22nd Street
New York
(212) 243-0200
[email protected]
Gallery closed through January 1, 2024
1062 North Orange Grove
Los Angeles, CA 90046
(323) 654-1830
[email protected]
Gallery will close at 3 PM on Friday, December 22. Leidy Churchman: Heart Drop will reopen with regular hours on January 2, 2024.
LEIDY CHURCHMAN
Heart Drop
through January 13, 2024
7818 Santa Monica Boulevard
Los Angeles
(323) 654-1830
[email protected]
Gallery will close at 3 PM on Friday, December 22. Ken Price: Drawings will reopen with regular hours on January 2, 2024.
KEN PRICE
Drawings
through January 13, 2024
Contact
Stephanie Dorsey, Senior Director
[email protected]
Jacqueline Tran, Senior Director
[email protected]
Johannes Hoerning, Director
[email protected]
Mi Jeong Kim, Director, Asia
[email protected]
Beau Rutland, Director of Exhibitions
[email protected]
Alex Fang, Associate Director
[email protected]
Grace Scheuerer, Associate Director
[email protected]
Ted Turner, Associate Director
[email protected]
Jane Denton, Director of Finance and Administration
[email protected]
Sean Ryan, Head Preparator
[email protected]
Mike Henry, Senior Director, Operations
[email protected]
Sean Logue, Director, Archives and Photography
[email protected]
Rights & Reproductions
[email protected]
Lindsay Charlwood, Director, Los Angeles
[email protected]
Nathan Coutts, Head Preparator, Los Angeles
[email protected]Marco Maggi
MARCO MAGGI
[1957, Uruguay]
Maggi attended the State University of New York at New Paltz (SUNY New Paltz), graduating with an MFA in Printmaking in 1998. The medium, he has said, interested him not for its process, but for the way in which it provided a “threshold between two and three dimensions.” This formal interest connects directly to Maggi’s longstanding concern with the variability of knowledge—the way in which overwhelming amounts of information are disseminated flatly, deflecting introspection or focus. By making works that are both subtle and meticulous, Maggi encourages his viewers to slow down and reflect upon each object’s details and intricacies; that act, of slow looking, is a political act that runs counter to the dominant tendency to look quickly and superficially. Myopia, Maggi writes, is the “best answer to globalization…delicacy is a subversive activity and to pay attention is really shocking.”
New York-based Uruguayan artist Marco Maggi takes everyday objects such as photocopy paper, aluminum foil, apples, and parking mirrors as the foundations for his precisely rendered sculptures and drawings. Using humor, wordplay, and a range of visual allusions, Maggi uses his meticulous processes to explore the relationship between information and knowledge in our contemporary world.
In a series entitled The Ted Turner Collection – from CNN to the DNA, Maggi shows his acute critical sense by using reproductions of pieces by artists like Gerhard Richter, Andy Warhol, and Hélio Oiticica to comment on the mediatized condition of contemporary life. Heaps of white paper cover reproductions, slashed with precision to create reliefs and gaps that reveal traces of tones from the reproductions hidden underneath, forming a big white landscape spiked with small slits of color. The installations maintain the use of paper, but from a distance, the numerous heaps do not show their nature; one must come closer, become somewhat acquainted with the works and dedicate some time to find out what they reveal.
Maggi’s works have been a part of numerous important solo exhibitions, including Bienal de Cuenca, Ecuador (2012); inCUBAdora, Bienal de La Habana, Havana, Cuba (2003); Bienal de São Paulo, Brazil (2002); Global Myopia (Pencil & Paper), La Biennale di Venezia, Venice, Italy (2015);
Construcciones & Demoliciones, dibujos en español, Centro Cultural Reina Sofia, Montevideo, Uruguay (2003); Language Descending a Staircase, East Wing Biennial at the Courtauld Institute of Art, London, England, UK (2016); Gwangju Bienniale, South Korea (2004); “Desinformação funcional, desenhos em português,” Instituto Tomie Ohtake, São Paulo, Brazil (2012); By disappointment only, Josée Bienvenu Gallery, New York City, New York, USA (2007); No Idea, Museum of Latin American Art (MoLAA), Long Beach, California, USA (2012); Marco Maggi: The Gold and the Moor, Nara Roesler, Rio de Janeiro, Brazil (2017); Hotbed Online, Sala 1 – Centro Internazionale d’Arte Contemporanea, Rome, Italy (2002); and Esperando el 104, Xippas, Paris, France (2022).
Maggi’s works are represented in several major collections including Art Institute of Chicago, Illinois, USA; Colección Patricia Phelps de Cisneros (CPPC), Caracas, Venezuela and New York City, New York, USA; Daros Latinamerica Collection, Zurich, Switzerland; de Young Museum, San Francisco, California, USA; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington DC, USA; Indianapolis Contemporary, Indiana, USA; Judith Rothschild Foundation, New York City, New York, USA; Kemper Museum of Contemporary Art, Kansas City, Missouri, USA; The Morgan Library & Museum, New York City, New York, USA; Museum of Fine Arts, Boston (MFA), Massachusetts, USA; The Museum of Fine Arts, Houston (MFAH), Texas, USA; Museum of Modern Art (MoMA), New York City, New York, USA; San Jose Institute of Contemporary Art (ICA), California, USA; Solomon R. Guggenheim Museum, New York City, New York, USA; and Whitney Museum of American Art, New York City, New York, USA.
SELECTED SOLO EXHIBITIONS
2022
Tiny Tyrannies, Hosfelt Gallery, San Francisco, CA, USA
2021
Esperando el 104, Galerie Xippas, Punta del Este, Uruguay
No visual distancing please…, Sicardi | Ayers | Bacino, Houston, TX, USA
La Révolte du Détail, Galerie Xippas, Paris, France
2019
INITIALISM (From Obscurantism to Enlightenment), Josée Bienvenu Gallery, New York, NY, USA
En Defense de Las Vocales, Galeria Cayon, Madrid, Spain
2018
SUPRA muro, Hosfelt Gallery, San Francisco, CA, USA
O Papel é Inocente (Paper is not guilty), Brazilian Museum of Sculpture (MUBE), São Paulo, Brazil
2017
Theory of the Inevitable Convergence, Galeria Nara Roesler, New York, NY, USA
Marco Maggi, Putin´s Pencils, Sicardi Gallery, Houston, TX. USA
Marco Maggi: Global Myopia (Language in Residence), Hosfelt Gallery, San Francisco, CA, USA
Marco Maggi: The Gold and the Moor, Galeria Nara Roesler, Rio de Janeiro, Brazil
2016
Language Descending a Staircase, East Wing Biennial, The Courtauld Art Institute, London, UK
Piano Piano, Espacio Monitor, Caracas, Venezuela
Language in Residence, Josée Bienvenu Gallery, New York, NY, USA
2015
DEPLOYER, Galerie Xippas, Paris, France
Marco Maggi: Unfolding, Josée Bienvenu Gallery, New York, NY, USA
Sentence with Three Corners, Galeria Nara Roesler, São Paulo, Brazil
Into Whiter Space, Sayago & Pardon, Los Angeles, CA, USA
Global Myopia (Pencil & Paper), 56th Venice Biennale, Venice, Italy
Drawing Attention, Kemper Museum of Contemporary Art, Kansas City, MO, USA
Marco Maggi / Piano Piano, Espacio Monitor, Caracas, Venezuela
Vuelva Usted Mañana, Galeria Cayon, Madrid, Spain
2014
West Vs. East, Hosfelt Gallery, San Francisco, CA, USA
White Specific, Sayago Pardon, Los Angeles, CA, USA
2013
Fanfold, Sicardi Gallery, Houston, TX, USA
2012
Figari Prize XVII, Museo Figari, Montevideo, Uruguay
Bienal de Cuenca, Ecuador
Turn Left, Galerie Xippas, Paris, France
Le Menor Idea, Galería Cayón, Madrid, Spain
No Idea, Museum of Latin American Art (MOLAA), Long Beach, CA, USA
Lentissimo, The Frances Lehman Loeb Art Center, Vassar College Museum, Poughkeepsie, NY, USA
Desinformação funcional, desenhos em portugués, Instituto Tomie Ohtake, São Paulo, Brazil
2011
Bienal de Cuenca, Ecuador
Optimismo Radical, NC-Arte, Bogotá, Colombia
X-ACTO, Xippas arte contemporáneo, Montevideo, Uruguay
From Huguenot to Microwave, Dorsky Museum, New Paltz, NY, USA
2010
Al calor del pensamiento, Fundación Banco Santander, Madrid, Spain
Infintesimal, Galería el Paseo, Punta del Este, Uruguay
Parking any time, Josée Bienvenu Gallery, New York, NY, USA
American Ream, Palitz Gallery at Lubin House, Syracuse University, NY, USA
Lentissimo, Vassar Museum, Poughkeepsie, NY, USA
2009
American Ream, Warehouse Gallery, Syracuse University, NY, USA
Slow Scandal, Point of Contact Gallery, Syracuse University, NY, USA
Cubic Drops, Hosfelt Gallery, San Francisco, CA, USA
2008
Slow Politics, Sicardi Gallery, Houston, TX, USA
Hipo-Real, Nara Roesler Gallery, São Paulo, Brazil
2007
By disappointment only, Josée Bienvenu Gallery, New York, NY, USA
“From a Drawing Standpoint,” Leo Fortuna Gallery, Hudson, NY, USA
Micro and Soft on Macintosh Apple (with Ken Solomon), Lewis B. and Dorothy Cullman Education and Research Building, Museum of Modern Art (MoMA), New York, NY, USA
2006
Off/Fora, 29th Pontevedra Biennial, Pontevedra, Spain
Profiles: The Ted Turner Catalog (from CNN to DNA), Hosfelt Gallery, San Francisco, CA, USA
2005
The Ted Turner Collection, Complete Coverage, Josée Bienvenu Gallery, New York, NY, USA
El Papel Del Papel, Centro Colombo Americano, Bogotá, Colombia
Hotbed e Altre Storie, Vitamin Arte Contemporáneo, Torino, Italy
From DNA to CNN, Sicardi Gallery, Houston, TX, USA
Video Box (with Ken Solomon), Centro Cultural Reina Sofía, Montevideo, Uruguay
Le deMond Diplomatique, Galerie Frank, Paris, France
Pages, iSpace, University of Illinois at Urbana-Champagne, Chicago, IL, USA
2004
Fifth Gwangju Biennial, South Korea
Micro & Soft on Macintosh Apple, video collaboration with Ken Solomon, Cristinerose/Josée Bienvenu Gallery, New York, NY, USA
2003
inCUBAdora, VIII Havana Biennial, Cuba
Constructing & Demolishing, Cristinerose, Josée Bienvenu Gallery, New York, NY, USA
exPECTACLE, Hosfelt Gallery, San Francisco, CA, USA
Construcciones & Demoliciones, dibujos en español, Centro Cultural Reina Sofía, Montevideo, Uruguay
Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires, Argentina
2002
25th São Paulo Biennial, São Paulo, Brazil
Hotbed Line, Gallery Sala Uno, Rome, Italy
PreColumbian & PostClintonian, Sicardi Gallery, Houston, TX, USA
Micro Macro, DAN Galeria, São Paulo, Brazil
Portuguese Drawings, Dan Galeria, São Paulo, Brazil
2001
Global Myopia, Kemper Museum of Contemporary Art, Kansas City, MO, USA
BITniks, Hosfelt Gallery, San Francisco, CA, USA
2000
The Pencil Monologues, 123 Watts Gallery, New York, NY, USA
Hardware vs. Software, Miller & Block Gallery, Boston, MA, USA
micro, macro, mArco (0002-9991: a retrospective), ARCO Project Room, Madrid, Spain
1999
From Freezer to Microwave, Hosfelt Gallery, San Francisco, CA, USA
1998
Techtonic, 123 Watts Gallery, New York, NY, USA
SELECTED PUBLIC COLLECTIONS
American Express, New York, NY, USA
Art Institute of Chicago, IL, USA
Cisneros Fontanals Art Foundation (CIFO), Miami, FL, USA
Colección Jumex, Mexico City, Mexico
Colección Patricia Phelps de Cisneros, New York, NY, USA
D. Daskalopoulos Collection, Halandri, Greece
Dacra, Miami, FL, USA
Dallas Museum of Art (DMA), Dallas, TX, USA
Daros Latinamerica Collection, Zürich, Switzerland
De Young Museum, San Francisco, CA, USA
Diane and Bruce Halle Collection, Scottsdale, AZ, USA
Dorsky Museum, New Paltz University, New York, NY, USA
El Museo del Barrio, New York, NY, USA
Fine Arts Museums of San Francisco, CA, USA
Hammer Museum, Los Angeles, CA, USA
Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, D.C., USA
Indianapolis Museum of Contemporary Art, IN, USA
Kemper Museum of Contemporary Art, Kansas City, MO, USA
Loeb and Lehman Art Center, Vassar College, Poughkeepsie, NY, USA
Morgan Library and Museum, New York, NY, USA
Museo de Arte Contemporáneo, São Paulo, Brazil
Museo Tamayo Arte Contemporáneo, Mexico City, Mexico
Museum of Contemporary Art (MoCA), Los Angeles, CA, USA
Museum of Fine Arts, Boston, MA, USA
Museum of Fine Arts, Houston (MFAH), TX, USA
Museum of Latin American Art (MOLAA), Long Beach, CA, USA
Museum of Modern Art (MoMA), New York, NY, USA
Perez Art Museum, Miami, FL, USA
Progressive Corporation, Mayfield Village, OH, USA
San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), CA, USA
San Jose Institute of Contemporary Art, CA, USA
Solomon R. Guggenheim Museum, New York, NY, USA
Sprint Corporation, Overland Park, KS, USA
Syracuse University, NY, USA
The Drawing Center, New York, NY, USA
The Judith Rothschild Foundation, New York, NY, USA
The Rachofsky House, Dallas, TX, USA
Walker Art Center, Minneapolis, MN, USA
Whitney Museum of American Art, New York, NY, USA
