Miami: Un lienzo urbano vibrante

Miami, ciudad cosmopolita bañada por el sol y conocida por sus playas paradisíacas, ostenta un vibrante panorama artístico que va más allá de las galerías tradicionales. El arte público se ha convertido en un elemento fundamental del tejido urbano, impregnando calles, parques y edificios con una explosión de color, creatividad y significado.

Miami: donde la vida es una obra de arte.

Un museo al aire libre:

Más de 700 obras de arte público salpican la ciudad, creando un museo al aire libre sin paredes ni horarios. Desde esculturas monumentales hasta murales intrincados, pasando por instalaciones interactivas, el arte público de Miami invita a la reflexión, la interacción y el diálogo.

Un reflejo de la diversidad:

La riqueza cultural de Miami se refleja en la diversidad de su arte público. Artistas locales e internacionales han plasmado en sus obras la esencia de la ciudad, incluyendo su multiculturalidad, historia, tradiciones y desafíos contemporáneos.

Un recorrido por barrios emblemáticos:

Cada barrio de Miami tiene su propia identidad artística. Wynwood, conocido como el “Distrito de las Artes”, es un hervidero de murales coloridos que cambian constantemente. En Miami Beach, el Art Deco se fusiona con esculturas modernas a lo largo de Ocean Drive. El Downtown, por su parte, alberga obras que rinden homenaje a la historia y la cultura de la ciudad.

Más allá de la contemplación:

El arte público en Miami no solo es para admirar, sino también para interactuar. Algunas obras invitan al público a jugar, como la famosa “LOVE” de Robert Indiana. Otras, como las esculturas de animales de Ugo Rondinone, generan un diálogo sobre la relación entre el ser humano y la naturaleza.

Un legado para el futuro:

El arte público de Miami no solo embellece la ciudad, sino que también contribuye a su desarrollo social y cultural. Es un espacio de expresión, educación y cohesión social que deja un legado para las futuras generaciones.

Explorando el arte público de Miami:

Existen diversas maneras de explorar el arte público de Miami. Puedes realizar tours guiados a pie o en bicicleta, descargar aplicaciones móviles que te guían por las obras, o simplemente caminar por la ciudad con la mente abierta y dejarte sorprender por las creaciones que encuentres en tu camino.

Un destino único:

El arte público de Miami es una razón más para visitar esta ciudad única. Es una invitación a descubrir la ciudad desde una perspectiva diferente, a conectar con su cultura y a dejarse llevar por la creatividad que impregna cada rincón.

Ni que le pongan guayas

Por Morella Jurado

Toda obra de arte pública, diluye el ámbito de interés del creador y señala la voluntad de forma de todo un pueblo. Es una de las maneras de acercarse a entender la configuración política, social y económica de un grupo de individuos en una época determinada.

La estética de una ciudad habla (grita, diría yo) la conformación emocional, simbólica, e inconsciente de sus habitantes. Inclusive, aquellos que se toman el trabajo de observar acuciosamente los espacios públicos de un determinado lugar, pueden entrever los miedos y las sombras (como diría Carl Jung) de la totalidad de los ciudadanos de una región. Por eso no es una banalidad la preocupación legítima por el cuidado de las obras de arte que se imponen en un espacio que pertenece a todos.

Hoy nos ocuparemos de una de esos accidentes urbanos impuestos por un puñado de funcionarios que no vacilaron clavar en nuestra ciudad de Caracas un abyecto puñal de estulticia. Se trata de la escultura Gran Cacique Guaicaipuro, ubicada en una pequeña isla en la autopista que lleva el mismo nombre, y que no hace mucho tiempo detentaba el nombre del sanguinario colonizador Francisco Fajardo.

Pero vamos por el tema que nos ocupa, y para ello voy a enumerar cada renglón, al mejor estilo de Luis Britto García, nuestro querido, respetado y admirado INTELECTUAL, así, con mayúsculas bien grandotas.

1. Comencemos por lo estrictamente técnico.

Es evidente que la construcción de la pieza no posee un adecuado estudio estructural. Para mitigar su inestabilidad, debieron ponerle guayas de refuerzo que evitaran su eventual caída, algo que en ese lugar de la ciudad pondría en peligro la vida de mucha personas. Esos suplementos de contención no sólo no cumplen ninguna función estética dentro del conjunto escultórico, sino que además parecieran no ser suficientes. El peso y la altura de la escultura, en comparación con la pequeña base, podría generar un lamentable accidente, muy a pesar de los cables de acero que momentáneamente la contienen. Por lo tanto, se trata de un objeto cuya seguridad debe ser evaluada por especialistas en la materia.

2. Entre gustos y colores.

Más allá de los gustos, que siempre son subjetivos, existen ámbitos estrictos para la conformación de una obra plástica con motivaciones figurativas. Estamos hablando de color, dimensiones, armonía, equilibrio y proporción. El Guaicaipuro, pintado de oro brillante, mientras que las figuras que están alrededor son de múltiples colores mate, crea una contradicción en la fundación del mundo estético que trata de conferir el conjunto escultórico. Si la figura principal y las palmeras son de color oro, buscando, qué sé yo, una monocromía para subrayar la forma como elemento principal, ¿por qué el tigre y los demás elementos del follaje contienen múltiples colores para acercarlos precariamente a la figuración? Un acto casi escolar. Las proporciones de todo el conjunto asemejan a nuestros tradicionales y pintorescos nacimientos venezolanos, donde el Niño Jesús recién nacido es tres veces más grande que el pastorcito, la mula y el buey. Confieso que guardaba cierta esperanza de lucidez de parte del autor, que dijera algo así como _me inspiré en los belenes venezolanos_. Pero ni siquiera un hálito de eufemismo nos regala este individuo. En cuanto a la proporción, los pies del Guaicaipuro son del mismo tamaño que sus pantorrillas, y los puños son casi del tamaño de su cabeza. El tigre, o ese animal felino, evoca a un perro salchicha, alargado y de patas cortas. En fin, no quiero extenderme más en este punto, el que tenga ojos, que vea.

3. La simbología.

El _Homo sapiens_ es el único animal que simboliza. Todo cuanto hacemos tiene una carga simbólica. Veamos que nos dice el Guaicaipuro dorado: un cacique aguerrido representado sin sus genitales, una especie de eunuco indígena con el cuerpo hecho de franjas de metal, cuyo interior es vacío, excepto por ciertos elementos sólidos como los pies gigantescos y las manos cerradas y enormes, además de algunos elementos en el pecho y la espalda que imagino como manchas o heridas mortales proferidas al héroe indígena. Por su parte, la falda _hawaiana_ y ese adminículo que lleva cargado en el hombro nos impulsa a preguntar, ¿en cuál pueblo indígena venezolano se habrá inspirado nuestro flamante autor? Definitivamente, esa representación está muy lejos de simbolizar a nuestro Cacique Guaicaipuro. Es más, menosprecia no sólo la lucha de Guaicaipuro, sino que echa por la borda su legado y se burla de todos nuestros indígenas. Es una escultura endorracista, y no existe guaya que sostenga esa realidad.

4. La mamarrachada como imposición.

Todos tenemos derecho de hacer mamarrachadas. El problema radica en legitimar e imponer las mamarrachadas a todo un país, a cuenta de tener poder en las decisiones urbanas de una ciudad. No vivimos en la época de Calígula, el Cesar orate que impuso la construcción de templos romanos dedicados a su esposa muerta y a él como un dios vivo. Es inaceptable que se nos imponga un elemento urbano peligroso estructuralmente y peligroso simbólicamente, sólo porque los decisores no saben nada de arte ni nada de urbanismo. La ignorancia no exime el delito estético.

5. Proposición.

Como aún creo y confío en la democracia protagónica, propongo una salida para evitar que sigan ocurriendo estos desmanes estéticos. Una propuesta que no es mía, ya existe en muchas ciudades del mundo, precisamente para evitar monstruosidades como el Guaicaipuro de oro. Se trata de democratizar y llevar a concurso cada una de las propuestas escultóricas y muralísticas, o cualquier otra intervención artística en cualquier ciudad o pueblo de nuestro amado país. Todos los artistas que hacen vida en Venezuela podrían participar y las votaciones se harían en el ámbito de los comunes de ese espacio específico. Que se oiga la voz y la opinión de los vecinos de ese municipio. Eso no sólo permitiría democratizar las oportunidades, también desarrollaría en el ciudadano un sentido de pertenencia absoluta y un compromiso de preservación con esa obra pública, y por supuesto con su espacio urbano. Un patrimonio solo es patrimonio si tiene quien lo defienda.

KK BICALHO IN & OUT

“In & Out” by KK Bicalho, desde el sábado 6 de abril hasta el viernes 31 de mayo. IMAGO Cultural Center (4028 SW 57th Ave, Miami, FL 33155)

Nacida en Minas Gerais (Brasil) en 1989, KK Bicalho es una artista afincada en Belo Horizonte conocida por sus cautivadores recortes de papel en miniatura. Su trayectoria artística comenzó mientras estudiaba Bellas Artes y Educación Artística en la Escola Guignard/UEMG. Inicialmente atraída por la captura de siluetas, la exploración de Bicalho la llevó a un método único: la elaboración de intrincadas figuras directamente con tijeras. Esta fascinación por la quietud alimenta su serie “MINUANCES”, en la que explora la forma humana a través del sutil lenguaje del papel. El arte de Bicalho transforma magistralmente el silencio en la voz más poderosa, utilizando sólo tijeras y papel como herramientas.

El arte del “papercut”, esa técnica que consistía en recortar papel para crear diferentes imágenes, se remontaba al siglo XVI, en Xinjiang, China. Según expertos, fue allí donde se encontró el papel recortado más antiguo del mundo. La reliquia se conservaba intacta hasta el día de hoy.

En el país asiático, esta técnica se llegó a convertir en un verdadero oficio, llegando a asumir un importante lugar en la cultura. No solo denotaba una destreza admirable sino que fue utilizado para fines decorativos pero también como amuletos de salud y prosperidad. El rojo era el color más utilizado y la temática que predominaba eran los caracteres que simbolizaban los animales del zodíaco chino.

En el arte conceptual de entonces, una de las artistas estadounidenses más reconocidas y cotizadas a nivel internacional era Kara Walker. Entre otras cosas, la multifacética creadora exploraba el tema de la identidad racial afroamericana creando obras inspiradas en el sur de Estados Unidos previo a la guerra civil, muchas veces utilizando los recortes de papel de la época victoriana, para crear una narrativa casi infantil pero potente, en dimensiones gigantescas. Reviviendo esta técnica del siglo XVIII, Walker hacía llamativas declaraciones históricas sobre la esclavitud y los estereotipos étnicos. “Mi obra siempre ha sido una máquina del tiempo que miraba hacia atrás a través de décadas y siglos para llegar a comprender mi ‘lugar’ en el momento contemporáneo”, había dicho Walker sobre su trabajo.

En el Centro Cultural IMAGO en conjunto con la Galería BAG, se presentado la exposición “In & Out” con las obras de la artista brasileña KK Bicalho que había seguido la tradición de los papercuts en miniatura pero dándole un interesante giro. El show se inauguro el sábado 6 de abril de 2024, a las 7 p.m., en IMAGO, South Miami, bajo la curaduría de la comisaria Katherine Chacón.

Según la comisaria, “La interacción entre las realidades artísticas y representativas, y la misma realidad física” había sido un tema constante a lo largo de la carrera del artista. Sin embargo, en sus palabras “en esta muestra, Bicalho acentuaba estas tensiones empleando un elemento casi trivial: el marco. La artista ahondaba en la esencia del arte pictórico, reconociendo el papel del marco como ‘ventana’, delineando una frontera física entre la ficción artística y la realidad, al tiempo que afirmaba una verdad representacional”, aseguraba Chacón.

Para la comisaria, estos trabajos de Bicalho subrayaban la objetividad del marco colocando estratégicamente figuras, trazos y manchas no sólo dentro y fuera de sus límites, sino también a lo largo de sus bordes, a través de varias profundidades y dentro de las dos capas del cristal frontal. También había experimentado con PVC para reproducir manchas de pintura.

Hola, soy KK Bicalho. Siempre he sido una de esas personas que hacen las cosas de manera diferente y después de dibujar mucho con el lápiz un día jugué a dibujar con tijeras. Ya no he parado.

Cortar papel fue la forma que encontré de inmortalizar mis impresiones del mundo. Y, sin querer, acabé creando algo nuevo, único y auténtico: los MINUANCES. Hoy, las imágenes que creo combinan pequeños detalles recortados en papel con la poesía de la composición del conjunto. Soy fan de la belleza que aporta el silencio y de la presencia que revela el vacío.

Al recrear las situaciones que nos rodean en siluetas de papel, creo una nueva forma de apreciar la vida, con ligereza y sencillez. Sigo mi intuición y mi forma de estar en el mundo.
Mi trabajo es un acercamiento a la delicadeza de las cosas cotidianas. Cosas que todos tenemos en común. Situaciones y emociones que todos sentimos, tan sencillas como el papel que utilizo para recortar.
Con MINUANCES acerco el ojo del observador para ver lo cotidiano de otra manera.

Corto para contar.

A pesar de la sencillez de las siluetas de papel, mi trabajo aporta elegancia e ingenio a través de la sutileza de las situaciones retratadas. Son “mini matices” de la vida cotidiana que creo de forma visualmente expresiva, haciendo que lo común se vea como algo profundo y especial, que realmente lo es.

Arte Vasco en estado Puro

Un nombre que se ha convertido en sinónimo de mitología, tradición y simbolismo Vasco es el del escultor Patxi Xabier Lezama. Esta enigmática figura ha fascinado a académicos, artistas y entusiastas por igual, dejando una huella indeleble en el mundo del folclore y los estudios culturales. La exploración de los mitos por parte de Lezama, su reverencia por la tradición y su uso magistral de los símbolos han elevado su obra al ámbito del arte. Nacido en la idílica ciudad vasca de Zalla, Lezama creció inmerso en el rico tapiz de la mitología vasca. Las leyendas de dioses y diosas, brujos y brujas impregnaban el aire que respiraba. Desde temprana edad, desarrolló una profunda fascinación por estos cuentos, absorbiéndolos como una esponja y permitiéndole moldear su visión del mundo. La obra de Lezama puede describirse mejor como un puente entre lo antiguo y lo contemporáneo. Toma los cuentos míticos que se han transmitido de generación en generación y les infunde su propia perspectiva única. Sus historias y obras de arte son un testimonio de su profundo conocimiento de la psique humana y su capacidad para acceder al inconsciente colectivo. A través de su trabajo, arroja luz sobre los temas atemporales que han resonado en los seres humanos desde el principio de los tiempos. Una de las contribuciones más notables de Lezama al campo del folclore es su exploración de los arquetipos. Inspirándose en las obras de Carl Jung, profundiza en los símbolos y motivos colectivos que atraviesan culturas y continentes. Al descifrar estos arquetipos, Lezama proporciona una visión de la experiencia humana universal, trascendiendo las fronteras del tiempo y el espacio. El enfoque de Lezama hacia la mitología no es meramente académico; es profundamente personal. Su conexión con el folklore de su tierra natal es palpable en sus obras, que a menudo representan a las deidades y héroes de la mitología vasca. A través de imágenes vívidas y una atención meticulosa a los detalles, da vida a estos personajes, infundiendo nueva energía a los cuentos antiguos. Además de la mitología, la obra de Lezama también se basa en gran medida en las tradiciones de sus antepasados. Celebra los rituales, festivales y costumbres que han dado forma a la cultura vasca durante siglos. A través de su arte, rinde homenaje a los espíritus perdurables de su pueblo, asegurando que su herencia sea preservada y apreciada. El uso que hace Lezama del simbolismo es magistral e inspirador. Cada color, forma y línea de sus esculturas conlleva un significado más profundo, invitando al espectador a sumergirse en un mundo de mensajes ocultos y conocimiento esotérico. Sus símbolos actúan como migas de pan y guían al observador en un viaje de autodescubrimiento e iluminación. Es esta potente combinación de mitología, tradición y simbolismo lo que distingue la obra de Lezama de la de sus contemporáneos. Su capacidad para dar vida a cuentos antiguos, su reverencia por las tradiciones culturales y su hábil uso de los símbolos le han valido el reconocimiento internacional. Su arte sirve como recordatorio del poder perdurable de los mitos y leyendas, un testimonio del profundo impacto que continúan teniendo en la psique humana. En conclusión, no se puede subestimar la contribución de Patxi Xabier Lezama al campo de la mitología, la tradición y el simbolismo. Su trabajo sirve como puente entre lo antiguo y lo contemporáneo, explorando temas y arquetipos universales. A través de su arte, rinde homenaje a su herencia vasca e invita a los espectadores a profundizar en los misterios de la experiencia humana. El legado de Lezama seguirá inspirando y cautivando a las generaciones futuras, garantizando que la mitología, la tradición y el simbolismo sigan siendo fuerzas vitales en el panorama cultural.

Patxi Xabier Lezama. Mitología, Tradición y Simbolismo

La evolución es algo innato al ser, a la sociedad y al propio cosmos.

El ser humano a lo largo de la historia ha ido evolucionando como fruto de un pensamiento consciente en el que tradición y origen han jugado bazas o pilares fundamentales de alineación con todo lo que supone cualquier forma de expresión.

Las muy diferentes formas de expresión no interfieren en manera alguna dentro de lo artístico ya que en muchas ocasiones nos encontramos incluso una más que perfecta conjugación entre tradición, lo que refiere lo ancestral, y modernidad o contemporaneidad.

Patxi Xabier Lezama combina todo ello de manera singular.

Su obra es fruto de una más que lograda mezcla de la búsqueda de los orígenes o tradición, el gusto por lo mitológico y un surrealismo fuente de una pura necesidad por expresar lo sentido, por resolver el enigma que supone desgranar pieza a pieza lo ensoñado para así procurar dotarlo de vanguardia y modernidad, aderezado con toques de sustancial innovación en los que tiempo y espacio se confunden para así lograr una obra diferente, una obra singularmente digna de ser degustada, disfrutada y, por qué no, admirada.

Líneas convergen en suaves curvaturas al antojo de un futurismo latente en el que naturaleza y tierra son de ahora y son del mañana, un orbe disciplinado y regido por el respeto a lo ancestral y dirigido a lo mitológico como fuente de necesitad conceptual.

Personalmente quiero reseñar el magnetismo que dichas piezas escultóricas inducen en mí. Una clara conjugación entre atracción, estimulación e incitación a no parar de observarlas. Muy nuevo y ancestral a la vez es lo que Lezama nos presenta. Un tanto arraigado en la cultura vasca pero con toques o extrapolaciones que llaman al espectador a adentrarse en un universo incierto pero de una calma absoluta, sin sonidos que desvirtuasen la obra pero con una gran sensación interna de esperanza en la humanidad mediante un gran cambio producido por otra realidad que está por llegar.

Tal vez nos encontramos ante algo basado en herencias pasadas y lo mitológico pero con tintes premonitorios. Algo que es capaz de crear controvertidas sensaciones o sentimientos en nosotros. Algo digno de ser estudiado, referenciado y, por supuesto disfrutado.

Una obra elegante y cuidada, con un gran mensaje interior sin lugar a dudas.

Francisco Arroyo Ceballos

De la Asociación Internacional de Críticos de Arte AICA y la Española AECA

En el ámbito del arte y el simbolismo, pocos individuos han logrado cautivar al público con su mezcla única de mitología, tradición y simbolismo como Patxi Xabier Lezama. Nacido y criado en el País Vasco, la obra de Lezama se ha convertido en sinónimo del rico patrimonio cultural de su tierra natal, mostrando un profundo aprecio por sus mitos, tradiciones y símbolos. El viaje artístico de Lezama comenzó temprano en su vida, cuando se sintió atraído por los antiguos cuentos y leyendas que se han transmitido de generación en generación en el País Vasco. Estas historias, llenas de dioses, héroes y criaturas místicas, proporcionaron la base para su exploración de la mitología y su conexión con la experiencia humana. A través de su arte, Lezama busca revelar los significados ocultos y el simbolismo incrustados en estos mitos milenarios. Profundiza en las profundidades de la tradición antigua, desenredando los hilos que nos conectan con nuestros antepasados y el inconsciente colectivo. Su trabajo sirve como puente entre el pasado y el presente, invitando a los espectadores a embarcarse en un viaje de autodescubrimiento y exploración cultural. Uno de los temas recurrentes en el arte de Lezama es la relación simbiótica entre el ser humano y la naturaleza. Él cree que al reconectarnos con el mundo natural y reconocer nuestro lugar dentro de él, podemos encontrar una sensación de armonía y equilibrio interior. Esta creencia es más evidente en sus representaciones de criaturas míticas. Estos seres sirven como recordatorios de nuestra conexión primordial con la naturaleza y la importancia de respetarla y preservarla. La tradición también juega un papel importante en la obra de Lezama, ya que rinde homenaje a las costumbres y rituales que han moldeado la identidad vasca. Explora el simbolismo detrás de los trajes, danzas y festivales tradicionales, analizando sus significados más profundos e invitando a los espectadores a apreciar el patrimonio cultural que representan. Al celebrar estas tradiciones, Lezama espera mantenerlas vivas y garantizar que se transmitan a las generaciones futuras. El estilo artístico de Lezama es tan intrincado y detallado como los mitos que busca retratar. Su uso de colores vibrantes, cinceladas meticulosas y patrones intrincados crean un festín visual para los ojos. Cada escultura conlleva significado e intención, mientras construye cuidadosamente una narrativa visual que invita a los espectadores a profundizar en las capas de simbolismo. A través de su arte, Patxi Xabier Lezama se ha convertido en la voz del pueblo vasco, en guardián de sus mitos, tradiciones y símbolos. Su trabajo no sólo muestra la belleza y la riqueza de la cultura vasca, sino que también sirve como recordatorio de la importancia de preservar y honrar nuestro propio patrimonio cultural. En un mundo donde la globalización y la homogeneización amenazan con borrar la diversidad cultural, El arte de Lezama es un testimonio del poder de la expresión individual y la importancia de abrazar las propias raíces. Nos recuerda que, dentro del vasto tapiz de experiencias humanas, hay historias esperando ser contadas y tradiciones esperando ser mantenidas vivas. El arte de Patxi Xabier Lezama es una celebración del patrimonio mitológico, tradicional y simbólico vasco. A través de sus intrincadas y vibrantes obras, invita a los espectadores a explorar las profundas conexiones entre la mitología, la tradición y la experiencia humana. Su arte sirve como recordatorio del papel vital que desempeña la cultura en la configuración de nuestras identidades y la importancia de preservar nuestro patrimonio cultural para las generaciones venideras. La obra de Lezama es un testimonio del poder del arte para inspirar y educar, y es verdaderamente un tesoro del País Vasco.

En 2018 Lezama mostraba su obra en la exposición Migrations: “Ocean of Hearts” en La Spanish Benevolent Society Gallery (La Nacional) / New York, Estados Unidos, seis años después, el artista vuelve a mostrar su obra en La gran manzana.

La obra de Patxi Xabier Lezama refleja su profundo compromiso con el arte y la creatividad vasca, así como su interés por explorar nuevas formas de expresión. Su trabajo se caracteriza por su originalidad, su fuerza visual y su capacidad para transmitir emociones y sensaciones a quienes lo contemplan. Su talento y su pasión por el arte lo han convertido en uno de los artistas vascos más destacados de su generación. Ha participado en numerosas exposiciones tanto en España como en el extranjero, donde ha recibido el reconocimiento y la admiración de críticos de arte.

Más información sobre el evento: 

La exposición se llevará a cabo en el marco del Congreso Mundial de Arte y Cultura (COMAC) y se desarrollará en la ciudad de New York, en la importante e icónica galería de El Barrio’S Artspace, abril viernes 5 y sábado 6 de 2024. La obra se convertirá en NFT y será comercializada en el mercado virtual del arte digital.

La oruga y la guerra

La obra “La oruga y la guerra”, parte de la “Trilogía de los pequeños amores” escrita por Eddy Díaz-Souza en 1985, se sumerge en un universo poético y simbólico que conecta con el encanto y la profundidad de “El maleficio de la mariposa”, obra que inaugura la dramaturgia del poeta
español, Federico García Lorca. En esta fábula teatral, los insectos adquieren voz y vida, convirtiéndose en metáforas vivientes de los dilemas humanos.

La oruga, símbolo de transformación y renacimiento, se aventura en un viaje para reencontrarse con su esposo, ausente por la guerra. Este trayecto no es un simple desplazamiento físico, sino una travesía espiritual donde puede hallar la esperanza en medio de la desolación y el caos.
La figura de la oruga se refleja aquí como un eco de Penélope, la tejedora paciente de la mitología griega. Sin embargo, a diferencia de la heroína griega, la oruga quiebra la inercia y emprende un viaje hacia el corazón de la guerra, movida por la pasión y la ilusión del reencuentro.
“La oruga y la guerra” puede ser considerada como una comedia poética apta para todo público. Más que una historia de amor es un relato sobre la nostalgia y el coraje. A través de su narrativa simbólica nos sugiere reflexionar sobre nuestra realidad actual, nuestra capacidad para afrontar
la adversidad y los matices complejos que rodean al amor y la guerra.
Esta producción cuenta con las actuaciones de Simone Balmaseda, Tamara Melián, Anthony Lo Russo, Mylo Mur y Steven Salgado. La escenografía y telón es obra del artista plástico Carlos Artime, la música de las canciones original de Héctor Eduardo Herrera, la asesoría vocal de Oda Cardona, el diseño coreográfico de Santiago Salas, la dramaturgia y puesta en escena de Eddy Díaz-Souza y la producción ejecutiva a cargo de Carlos Arteaga. La obra se mantendrá en cartelera del 12 al 21 de abril de 2024, con funciones viernes y sábados a las 8:30 p.m., y domingos a las 5 p.m.
Boletos e información en la página web: www.artefactus.us