Por Dra. Milagros Bello/crítica de arte/curadora*
Francisco Cerón propone una obra figurativa contemporánea de referencias urbanas. Su trabajo recompone intertextualmente los iconos de las ciudades que visita en una mezcla de la cultura pop de Estados Unidos, el arte precolombino y la figurativa del arte colombiano.
En un compendio entre lo clásico y lo contemporáneo, su obra proyecta descomposiciones neo-cubistas, en su manera de fracturar y recomponer las figuras sígnicas de la ciudad, pero igualmente se nutre de imágenes de capturas instantáneas, creando nuevos patrones figurativos que emblematizan lo urbano y a la sociedad actual dominada por el consumo y los iconos comerciales.
Cerón nació en la ciudad de Pasto, Colombia en 1968. Estudia en la Escuela de Bellas Artes Antonio María Valencia de la ciudad de Santiago de Cali, Colombia y en 1993, obtiene el título de Diseño Gráfico. En ese mismo ano funda en Cali su compañía de diseño gráfico, “Objetivo Grafico”. En el año 2000 se muda a Estados Unidos y se radica en la ciudad de Miami, Florida, donde comienza a experimentar con medios del arte. En el año 2007 estudia Mercadeo y Negocios en la Universidad de Miami. En el 2008, decide lanzarse como artista visual a nivel profesional y encontrando en el Pop Art un espacio idóneo para sus creaciones gracias a la naturaleza gráfica de su obra. Este mismo año exhibe en galerías y eventos, y presenta su primera exhibición individual en el Unilatina International College del condado de Davie. Paralelamente Francisco Cerón continua con su empresa de diseño y mercadeo. Obtiene una especialización en Neuro Mercadeo en la Universidad de Barcelona, España y recibe su Doctorado de la Universidad de California en estudios del subconsciente e hipnosis clínica. Ha participado en importantes ferias y museos internacionales como Palm Beach Art Fair, Art Wynwood, AQUA Art Fair, en Florida; Beijing Art Expo y Shanghai Art Fair en China; Art Monaco en Monaco; World Tour Exhibition en Londres, UK; International Art Fair, Dubai; Museo de Arte de Monterrey, Casa Grau, Colombia. La obra de Francisco Cerón captura el “alma de las ciudades” a través del uso antitético de los medios visuales. Vive en la actualidad en Cali, Colombia
Milagros Bello: En sus comienzos, ¿cómo fueron tus primeras experiencias artísticas?
¿Cómo se te reveló el que eres un artista?
Francisco Cerón: Desde muy temprana edad me destacaba por mis dibujos en comparación a mis compañeros de preescolar y más tarde en la escuela ya eran dibujos más complejos y elaborados, creo que desde esa época ya había decidido lo que quería ser. Mientras los niños de preescolar hacían dibujos sencillos de arbolitos y casitas, los míos eran vistas panorámicas de ciudades con helicópteros en primer plano, naves espaciales, globos, aviones entre otros detalles.
Mi historia se remonta a mi infancia, nací con el tendón de Aquiles más corto en mi pie izquierdo y por esa razón fui sometido a diversas cirugías de niño. Por supuesto esto me impidió caminar por un largo periodo de tiempo, pero en este tiempo solo podía estar sentado y lo mejor que pudo hacer mi familia por mí, fue regalarme lápices, colores y papel y eso lo cambio todo. Se que estaba allí sentado todo el tiempo, pero mi pensamiento y mi creatividad nunca estuvieron allí, trascendían con cada dibujo, viajando fuera de esas cuatro paredes, visitando mundos inimaginables, creando a mis anchas y perfeccionando día a día mis trazos y mis habilidades como artista.
Soy un curioso por naturaleza y eso me llevo de la pintura a explorar en la tercera dimensión de las esculturas y de allí al fascinante montaje de las instalaciones. Creo que el artista no se debe quedar en un solo plano.
MB: ¿Como fueron los inicios de tu carrera artística?
FC: Al momento de encontrar la carrera más afín a mis gustos me tope con el diseño gráfico en el Conservatorio de Bellas Artes de Cali. Este lugar era un centro de cultura total, teníamos ballet, artes escénicas, artes plásticas, música y diseño gráfico, pero lo mejor es que todas las carreras tenían que ver una con la otra y en ese ambiente de arte, cultura y bohemia me conecte con el arte visual.
Los que me conocen me dicen que nunca crecí y que aun soy ese niño dibujando a sus anchas, perdido en su propio mundo y en su propio tiempo, creando e inventando sin parar. Soy un
apasionado del arte y la creatividad. Mi espíritu necesita estar creando e inventando,compartiendo mi visión a los demás. Es lo que vine a hacer a este mundo.
Mis valores, mis pensamientos y mi actitud están en cada una de mis obras, siempre positivas,vibrantes y llenas de vida y de color. Creo que el artista pone su energía en su obra y esta obracobra vida y esa es la razón por la que cada obra tiene su propio sentimiento.
MB: ¿Cuáles son los principales artistas con los que te identificas en el arte? ¿Por qué?
Explícanos
Mis referencias de impacto se remiten a las vanguardias del siglo 20, elsiglo donde me forme.
Aunque previamente, Van Gogh me retumbo visualmente en su crudo y frontal uso de los colores y del impasto. Pero Picasso fue una de las grandes referencias para mi. Me conecte con el por su agudeza visual y su capacidad de crear etapas, siempre innovando sin limitaciones ni medidas. Para mí fue un artista de ruptura de normas, un artista sin miedo a crear y determinado a creer en el sin importarle nadie ni nada. El cubismo rompió con la noción de composición, y eso es una radical referencia en mi obra. La libertad en que Picasso recompone un rostro o una naturaleza muerta me dejan fascinado. Su geometrismo radical fue una pauta artística para mí. Luego otros modelos de ruptura de los sesenta me impactaron igualmente. Andy Warhol con su manejo grafico de las figuras, sus técnicas de impresión virales y su uso de colores planos contrastados. Me impresiono su osadía de crear anti-temas, como la lata Campbell, o la Marilyn cromática que dejo de ser real, para volverse una ilusión referencial de una vieja fotografía encontrada por Warhol en un periódico; Roy Lichtenstein me asombro con su uso de los comics me mostro nuevas vías de expresión; Keith Haring con su simpleza gráfica, me hizo reflexionar sobre como las líneas repetitivas e interactivas pueden evocar poderosos mundos visuales. Con Takashi Murakami entendí como el legado del Pop Americano tomo cuerpo en las nuevas expresiones vanguardistas del Japón. Estos creadores abrieron nuevas puertas permitiéndome hacer profundas reflexiones en los métodos del arte.
MB: Has pasado por diferentes etapas en tu carrera artística, desde la ilustración, la pintura, la escultura, la fotografía, la instalación creando diferentes ópticas creativas. En los momentos estas creando una etapa que esta más bien dentro del terreno del arte digital.
Háblanos de esta obra digital.
FC: Creo que esta etapa llego en el momento justo para sacarle el mejor provecho. Después de haber viajado por diferentes lugares no podía dejar pasar la oportunidad de mostrarle al mundo mi visión de cada ciudad visitada. Así que un día decidí hacer algo con los miles de fotografías guardadas dispuesto a comprimirlas todas y formar una sola imagen que reflejara el espíritu de cada ciudad. El “alma de la ciudad” como tú lo llamas.
Al principio parecía una tarea imposible sin pasar por el clásico collage, pero poco a poco se fue revelando la estructura que me permitiría reconstruir cada ciudad a la manera de un rompecabezas visual en el que inserto fragmentos de diferentes fotos tomadas en la ciudad que visitaba. Fue un proceso en el tiempo. Decidía donde iba a ir, al llegar a la ciudad empezaba a recorrerla sin un plan específico, descubriendo rincones, calles, personas, sucesos, vitrinas, pancartas, aguas, puentes; todo aquello que aparecía selectivamente ante mis ojos. Era un recorrido visual de descubrimiento libre; visite los sitios típicos turísticos, los retrate, pero también me adentre en sitios inesperados, vi ángulos nuevos. El proceso en cada ciudad fue una experiencia artística pero también fue una experiencia existencial. Significo conectarme no solo con las apariencias materiales sino con las esencias de los sitios visitados. Si se quiere fue el ojo del fotógrafo, que recorto, encuadro, capturo, pero también fue la intuitiva búsqueda de encontrar ángulos no vistos, que me guio para concentrar la visión de conjunto que definiera esa ciudad .
MB: Esta serie digital sobre el alma de las ciudades, que tu titulas “City Icons”, tu trabajas la imagen intertexto, combinando lo icónico de la ciudad con los descubrimientos imprevistos. Explícanos más sobre tu método que va más allá del simple collage.
FC: En mi obra de “City Icons”, visito cada ciudad y extraigo de ella su esencia en fotografías, su color, su sabor, su música, su gente, sus medios de transporte, su arquitectura, fauna, naturaleza y detalles que pasan desapercibidos por sus habitantes como las tapas de alcantarillas, señales de tránsito, gráficos, avisos de publicidad, frases escritas en paredes, entre otras tantas cosas que componen la vida grafica de esa ciudad y por su puesto los lugares más turísticos y visitados.
Posteriormente reviso todas las fotografías y comienzo a crear una imagen inédita de esa ciudad. Cientos de fotografías digitales se comprimen entre siluetas, formas, detalles, fondos, colores y texturas hasta lograr la construcción de una ciudad visible y reconocible en su esencia, llena de detalles que el espectador reconoce y con la cual se reconecta, una ciudad que relata su historia gráficamente, en colores y formas pero que a la vez no es ni unitaria ni homogénea. El proceso fue seleccionar de las miles de tomas, aquellas que pudieran encajar en el “puzzle” visual que quería lograr. Utilizando diferentes técnicas digitales fui recomponiendo, ensamblando, estructurando, fragmentos creando un nuevo conjunto visual.
Esto es un proceso continuo, que ira generando nuevas direcciones. Aun siento que estoy redescubriendo esta técnica, y sé que aún falta mucho por crear y por compartir.
MB: Cuáles son las ciudades que más te han emocionado. Cuéntanos una experiencia impactante relacionada con tu creación.
FC: Sin duda fue una de las últimas creaciones, “Puerto Resistencia” realizada en Cali, Colombia. Cali es mi ciudad amada, Cali esta arraigada en el corazón, y esta obra que representa muchos sentimientos encontrados, fue trascendental por su importancia social e histórica en la ciudad.
“Puerto Resistencia” transcribe artísticamente un suceso que jamás se debe volver a repetir.
Entre abril y julio del 2021 ocurrió un estallido social y político en Colombia el cual pude vivir de primera mano en la Ciudad de Cali. Vi todo el ambiente de guerra, las confrontaciones, el malestar, que se generó. La ciudad estaba combustionada. En el sitio de Puerto Rellena ahora llamado Puerto Resistencia se levantó una escultura de entre 13 y 15 metros de altura, una escultura en forma de antebrazo y mano, basada en el monumento del Holocausto en Miami y que representa la mano de Kay Kimi Krachi, dios Maya de la batalla. En la mano una pancarta que lleva la palabra “Resiste” como el símbolo de resistencia de muchas personas, y en homenaje a toda la sangre que corrió en Cali. Puerto Resistencia fue el uno de los sitios de mayor concentración de los manifestantes. Para unos es la representación del horror de la muerte, la guerra, el desengaño, la mentira, la perdida, la hipocresía, la pobreza, el abuso, el poder y todos los sentimientos bajos humanos que se pueden acarrear en momentos críticos históricos y sociales como lo fue este; para otros, es la representación de la lucha, de la esperanza, del cambio y de la resistencia. Dos corrientes de fuertes emociones que acompañaron ese momento. Entre el dolor de la pérdida de vidas y la desesperanza, y a la vez el sentimiento de esperanza y logro. En mi obra, me base en la fotografía del monumento, y agregue en el trasfondo, rostros humanos y escenas que simbolizan el espíritu del hombre ante sus vicisitudes. En esta obra capture el momento del suceso, la esencia social y humana de lo que se vivió. Como artista, esta obra represento otro tipo de indagación visual, capture la esencia de una ciudad en combustión y crisis.
MB: Has desarrollado objetos utilitarios en los que has incluido imágenes de tus obras.
Háblanos de ello.
FC: A este proyecto de objetos artísticos lo titulo “Lienzo en Movimiento” ya que, siguiendo las pautas de Andy Warhol, Keith Haring y de Takashi Murakami, he creado una impronta de mi obra en objetos de viaje como bolsos y maletas. Estos llevan impresa la imagen de mis ciudades, y “viajan” junto con los viajeros a sus diferentes destinos. Estas maletas fueron compradas por personas normales, para viajar, para desplazarse. Estas maletas aparecen espontáneamente en aeropuertos, calles, hoteles, casas y ciudades, como lienzos en movimiento proyectados en los diferentes ambientes, transformando el paisaje, y sorprendiendo a los transeúntes quienes descubren los indicios de las ciudades, proyectados en formas inesperadas. “Lienzo en Movimiento” tiene la finalidad de expandir el arte a otros sitios fuera de las galerías y museos.
MB: ¿Cuales son tus planes al futuro?
FC: En los momentos continúo creando nuevas propuestas para la serie “City Icons”. Sigo en el proceso de re-inventar imágenes. Igual sigo adentrándome en nuevos medios tecnológicos.
Para el futuro próximo sigo mis viajes a ciudades icónicas del mundo y también expandiéndome hacia al Medio Oriente y a los países asiáticos. Pero llevo otra óptica, crear foco en la ecología.
Me interesa hacer el énfasis en el medio ambiente y los cambios climáticos, ahora innegables.
Mi obra debe convertirse en una voz de conciencia de nuestra situación actual. www.ceronart.com https://ceronart.com/exhibiciones/
***La Curadora Dra. Milagros Bello es Doctora en Sociología con tesis doctoral en Sociología del Arte por la Universidad de la Sorbona (París VII-Jussieu), y un Master en Historia del Arte, por la Universidad de la Sorbona (Universite de París I) ambos en París, Francia. Obtuvo la licenciatura en Psicología, especialidad en Psicología Clínica, en la Universidad Central de Venezuela, y siguió cursos de maestría en Asesoramiento familiar e individual en su país de origen, Venezuela. La Dra. Bello es crítica de arte miembro de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA), y miembro de la Federación Nacional de Psicólogos de Venezuela. Es comisaria independiente y actualmente dirige MIA Curatorial Projects (antiguo Curator’s Voice Art Projects fundado en 2010 en Wynwood Art District, Miami). Desde 2010 hasta la actualidad, la Dra. Bello ha comisariado numerosas exposiciones de arte contemporáneo a nivel nacional e internacional. Cabe destacar que, en abril-noviembre de 2022, en el marco de la 59ª
Bienal de Venecia, comisarió la exposición “Americanos. Imaginarios actuales”, que se exhibió hasta noviembre de 2022 en el Centro Cultural Europeo de Venecia, Italia. El 30 de junio de 2022 dio una conferencia sobre el mismo tema en Personal Structures/Reflection, en el Centro Cultural Europeo, en Venecia, Italia. Es conferencista en museos e institutos de arte; escritora de arte para revistas de arte locales e internacionales, y ex redactora jefe de la revista de arte Arte Al Dia International. Durante catorce años, de 2000 a 2014, ha enseñado como profesora de arte en diversas áreas teóricas de especialización, tales como Teorías Críticas, Historia del Arte, Historia de la Fotografía Moderna y Contemporánea, Sociología, niveles de postgrado y pregrado en universidades estadounidenses, la Florida International University (FIU), Florida Atlantic University (FAU), Miami International University (The Art Institute/Miami), y el Istituto Marangoni/Miami. En la actualidad, es directora y comisaria jefe de MIA Curatorial Projects en Miami. La Dra. Bello es mentora y coach motivadora de artistas.
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